Rock Bottom, de María Trénor (2024)

Pour qui ne connaît pas Rock Bottom, il s’agit là d’une occasion d’en découvrir, non seulement l’exceptionnelle musique mais aussi la splendide illustration que María Trénor a su tirer au travers de son film d’animation éponyme, sorti en salles début juillet 2025.

1er juin 1973, c’est déjà l’été à New-York.

Robert Wyatt est un musicien en déshérence, son groupe Matching Mole après son départ de Soft Machine, semble à l’arrêt. Un séjour prolongé à Majorque avec sa compagne Alfreda Benge dite Alfie l’a laissé exsangue. L’usage immodéré de l’héroïne, la perte de sens et la déliquescence de son couple l’ont amené à se séparer de sa muse.

Lorsqu’il retrouve des amis musiciens  pour la soirée d’anniversaire de celle que l’on nomme Lady June, June Campbell Cramer de son vrai nom, artiste peintre (1931-1999), il ne se doute pas que sa prise de L.S.D. après lui avoir fait côtoyer les étoiles l’enverra au tapis quatre étages plus bas.

Rock Bottom, de María Trénor photo Potemkine films

Paralysé de ses deux jambes, il remontera la pente en produisant l’un des plus grands chef-d’œuvres de la musique pop.

Une ode à l’histoire d’amour entre Robert et Alfie

De cette destinée plutôt tragique, la réalisatrice María Ténor en fait une ode à l’histoire d’amour entre Robert et Alfie, ainsi qu’une évocation sensible et juste d’une époque disparue. Les années 70, la liberté sexuelle, le psychédélisme, les expérimentations artistiques et/ou stupéfiantes sont autant de thèmes qui traversent avec compénétration Rock Bottom le film.

Tout en célébrant les vertiges ainsi que la liberté qui innervent cette période, María Ténor parvient à en souligner le prix à payer.

Rock Bottom, de María Trénor photo Potemkine films

Un parti pris esthétique en adéquation avec l’esprit amniotique de l’album

La bande originale dotée de l’intégralité du disque louvoie au travers des images et nous offre une osmose entre notre regard et notre ouïe. Parfaite illustration du ‘fond rocheux‘ en question, un parti pris esthétique en adéquation avec l’esprit amniotique qui baigne Rock Bottom l’album.

À ce titre les séquences de bord de mer et de baignades suscitent de magnifiques échos picturaux à la musique qui les accompagne. Également la rencontre avec des figures telles que Daevid Allen et sa folie créative, Kevin Ayers et son insouciance hédoniste sans oublier Richard Branson fondateur du label Virgin Records au flair infaillible qui édita l’album en 1974, nous remet en mémoire l’état d’esprit dans lequel cette époque était immergée.

La folie et l’insouciance sont les maîtres mots de ce qui reste dans notre mémoire collective au sujet d’un mouvement qualifié en son temps de hippie et qui a fini par un étrange retour de bâton au regard de notre époque actuelle.

Cette production hispano polonaise nous replonge avec un soupçon de nostalgie qui ne dit pas son nom, dans un bain temporel dont beaucoup regrette la volupté sans en oblitérer les excès.

Notre sélection de films d’animation musicale pour continuer à voyager en images et en musique.

Yellow Submarine, de George Dunning (1968) 

Faut-il vous faire l’affront Yellow Submarine, chef d’œuvre du psychédélisme animé.
Accompagné par l’incomparable talent musical des fabuleux Beatles, il reste aujourd’hui un exceptionnel hommage aux chansons qui lui ont donné naissance.

American Pop, de Ralph Bakshi (1981) 

Ce petit bijou d’animation méconnu par le réalisateur du fondateur Fritz the Cat, est une évocation de la culture pop américaine. Nous suivons le parcours de plusieurs générations, dont la première issue de l’immigration juive russe de la toute fin du 19ème siècle, dans un genre d’il était une fois en Amérique, au travers de son évolution musicale.

De musicien maudit en destin brisé, nous croisons des figures inspirées de personnages emblématiques de la musique pop tels que Grace Slick et son Jefferson Airplane, Jimi Hendrix ou encore Lou Reed.

Au fil des décennies, les destinées s’enchaînent, jusqu’à la naissance d’une star du rock, héritier de ces multiples existences passées au tamis des événements qui ont façonné l’histoire de l’Amérique.

Chico et Rita (Chico y Rita), de Fernando Trueba et Javier Mariscal (2011) 

Entre Cuba et New-York, un couple d’artistes de jazz afro-cubain, s’aime, se déchire, se perd et se retrouve. Ponctué d’apparitions de musiciens iconiques tels que Dizzy Gillespie, Tito Puente, Charlie Parker ou encore Thelonious Monk, le film illustre l’âge d’or du jazz cubain au milieu du 20ème siècle.
Tout en suivant le parcours semé d’embûches de Chico et Rita, exposées les questions raciales et les compromissions inhérentes à la vie d’artiste.

On Gaku : Notre Rock! (On-Gako: Our Sound), de Kenji Iwaisawa (2019)

 Adapté du manga de Hiroyuki Hoashi, On Gaku : Notre Rock! est un hommage appuyé à la culture du rock indépendant.

Irradié par l’esprit d’un humour détaché nous y retrouvons une atmosphère proche de ce qui a pu être qualifié d’activisme paresseux (mouvement slacker). Trois jeunes gens désœuvrés décident pour pallier à leur ennui de monter un groupe de rock.

Un graphisme proche de la culture DIY (Do It Yourself), apporte une touche d’un réalisme touchant à ces trois indolents pris par leur envie de faire de la musique sans savoir jouer.

Blue Giant, de Yuzuru Tachikawa (2023) 

À nouveau adapté d’un manga de Shinichi Ishizuka, Blue Giant est une déclaration d’amour passionnée à la musique et au jazz en particulier.

Un jeune homme veut devenir le plus grand jazzman du monde. Confronté aux duretés incontournables de l’apprentissage, il devra faire face aux difficultés à concilier son quotidien avec son obsessionnelle passion. C’est une évocation pragmatique de ce qu’il faut de détermination, de force de caractère et de sacrifices pour atteindre l’excellence.

Blue Giant peut faire figure de leçon de vie au même titre que le Whiplash de Damien Chazelle dans un registre autrement moins cruel.

Auteur de l'article

Calisto Dobson

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