Une vision élargie et bienveillante de l’évolution du medium photographie.

Dans le chaudron effervescent d’une Foire aux chiffres intimidants, 1 385 artistes photographes présentés par 179 galeries d’art et 43 éditeurs, les dirigeantes de Paris Photo gardent le cap de se mettre à hauteur de visiteurs, tranchant sur la facilité de laisser faire les exposants d’Art Basel. En offrant de multiples parcours autant de clés pour explorer la diversité et les transformations de la matérialité même de la photographie ; pièces patrimoniales côtoient créations, contemporaines, figures historiques avec les émergentes, … au bénéfice d’un dialogue entre formes, générations et territoires au sein de la foire.

L’expérience de la visite est enrichie par des secteurs distincts – Principal, Voices, Émergence,   Editions, et Digital dirigé par Nina Roehrs sans oublier des initiatives comme Elles x Paris Photo, ….  Les curateurs misent sur des parcours guidés et des dispositifs réfléchis pour faciliter l’exploration, encourager la réflexion sur les liens entre figure et décor, paysage et parenté, et désenclaver les écritures photographiques.

Payram, Chanson orientale, 1993 – Galerie Maubert (Paris Photo 2025) photo OOlgan

Le soloshow facilite l’immersion du public dans une démarche artistique aboutie

Consciente de la nécessité de former les publics en créant des ponts entre patrimoine et création contemporaine, la directrice de Paris Photo justifie l’encouragement des soloshows en soulignant la vocation de plateforme curatoriale tournée vers l’innovation, l’inclusion et la transmission :

« Les soloshows offrent à la fois une expérience immersive pour les visiteurs et une reconnaissance forte pour les artistes, tout en créant des ponts entre patrimoine et création contemporaine. Ce format favorise des lectures approfondies et permet de réaffirmer la place de Paris Photo comme espace prospectif et fédérateur ».
Florence Bourgeois, directrice

Ningde Wang, 1999-Présent (Don Gallery Paris Photo 2025) photo OOlgan

Au service du cheminement des amateurs

Promesse tenue ! En conjuguant audace curatoriale, ouverture digitale et ambition internationale, Paris Photo s’affirme comme un acteur prospectif stimulant pour tout amateur. La foire affronte sans facilité ni concession aux modes, les défis de lisibilité et d’intégration des nouveaux formats dans l’écosystème photographique contemporain, à la fois miroir des courants majeurs et plateforme pour les avant-gardes numériques, tout en maintenant sensibilisation et formation des publics et légitimité institutionnelle.

Gauri Gill, The Village on the Highway (Vadehra Art Gallery, India)

Il s’agit bien des damnés des bas-côtés des autoroutes indiennes, ses photographies bouillonnent de couleurs, de cadres tranchants. Aucun misérabilisme. Au contraire, un hommage à la créativité, la dignité et la résilience de communautés rurales indiennes en lutte, en particulier les agriculteurs mobilisés contre la dérégulation de l’agriculture en 2021.

Gauri Gill, The Village ont the Highway, 2021 (Vadehra Art Gallery Paris Paris 2025) photo OOLgan

Avec un langage entre archive et art, son travail éclaire ce qu’elle décrit comme une « architecture de la résistance, faite à la main et avec les moyens du bord », où des cabanes surgissent de bâches et de bambou pour abriter la contestation, témoignage visuel de l’inventivité collective dans la précarité.

En intégrant ces matériaux bruts employés par les fermiers pour survivre, protester et créer du lien communautaire, pour encadrer ses photographies, Gauri Gill détourne les stéréotypes sur le monde rural, et questionner la visibilité sociale des marges en Inde contemporaine.

Son intention est de souligner « la capacité des gens en situation de précarité à trouver des moyens de flotter, plutôt que couler ». Elle choisit de donner à voir la temporalité unique de cette lutte sur une année, mais aussi la dimension physique résiliente, loin des stéréotypes habituels des bidons villes du monde rural.

Jamie Hawkesworth (1987) (Huxley-Parlour)

Son art refuse l’anecdote, le spectaculaire ou la dramatisation sociale, d’autant que Jamie Hawkesworth revendique une photographie « ouverte », sans titre ni contexte imposé, pour laisser au spectateur la liberté de produire son propre récit.

Jamie Hawkesworth (Huxley-Parlour Paris Photo 2025) photo OOlgan

« J’espère ne pas faire de déclaration… Je veux que mes photos restent ouvertes à tout ce que chacun souhaite y trouver (./.)
Ce qui m’importe, c’est la façon dont la photographie donne une raison d’entrer en contact avec d’autres personnes, parfois inconnues, et de capter la beauté de l’ordinaire ».

Son esthétique, inspirée par les traditions du portrait anglais et la photographie sociale, mais aussi par la mode et la composition picturale, oscille entre rêverie, tendresse et mystère.

Le langage visuel lyrique de Hawkesworth transforme l’existence quotidienne en un paysage onirique, où chacun devient habitant d’un monde imaginaire et démocratique. ​

Loredana Nemes,  Greytree et Heavensea, Podbielski Contemporary

 « Je marche, j’attends que la lumière soit juste, que l’air suspende le temps et que le gris devienne nuance et respiration. »

Cette attention à l’atmosphère vise à rendre perceptible « la poésie silencieuse du monde, la nuance invisible dans le quotidien ». Sa démarche privilégie l’immersion et la lenteur.

Le paysage devient, sous son regard, une réflexion sur la frontière entre réel et sensation, sur la façon dont la photographie peut capter la subtilité et la fragilité de la nature humaine et non-humaine.

Loredana Nemes, Untitled, 2017 serie 23197 (Podbielski Contemporary Paris Photo 2025) photo OOlgan

Sa pratique, souvent qualifiée de minimaliste et contemplative, se refuse à la photographie spectaculaire : Loredana Nemes cherche à « capter l’indicible par le jeu des matières et de la lumière, pour que chaque image soit une invitation à la méditation et à la lenteur ».

L’ensemble illustre son évolution vers une poétique du silence et du gris, où chaque espace devient musical et chaque photographie propose une symphonie visuelle à découvrir.

Ses clichés réussissent à capter l’indicible par le jeu des matières et de la lumière, pour que chaque image soit une invitation à la méditation et à la lenteur. L’ensemble illustre son évolution vers une poétique du silence et du gris, où chaque espace devient musical et chaque photographie propose une symphonie visuelle à découvrir.

Bernard Guillot, Cité des morts, Nécropole du Caire, 1977-2017 (Tintera)

Pendant près de 40 ans, Bernard Guillot s’est attaché à l’exploration visuelle et poétique de la nécropole historique du Caire. Au-delà de son intérêt patrimonial, sa capacité de la photographie à capturer à la fois l’histoire monumentale et la fragilité de l’instant. Le dialogue entre mémoire, espace et histoire offre une atmosphère suspendue, presque magique, où les paysages, les monuments et de rares silhouettes semblent hors du temps.

« Les murs anciens deviennent des pages où le temps grave sa mémoire, et où la photographie donne à lire la respiration du lieu »

Son ambition était de saisir et d’archiver la transformation, l’usure et la vitalité paradoxale de ce territoire où se croisent morts et vivants, monuments et vies quotidiennes, effritement et permanence.

Bernard Guillot, Cité des morts, Nécropole du Caire, 1977-2017 – Tintera (Photo Paris 2025) photo OOLgan

« La Cité apparaît comme un ventre ténébreux et froid, mais à l’intérieur, la vie persiste et le souffle de la résistance ne s’éteint jamais. »

Refusant le documentaire classique ou l’ethnographie descriptive, Guillot a privilégié une vision atmosphérique inspirée de la tradition orientaliste et du romantisme : ses photographies, le plus souvent dépeuplées ou traversées d’ombres furtives, évoquent la mémoire profonde du lieu, la stratification du temps et la poésie des ruines.

Le résultat invente ainsi « sa propre ville », un espace mental et sensible, attaché aux détails minéraux, graphiques et lumineux plus qu’à la pure narration humaine.

Gyula Zarandn (1943-2020) (Galerie Olivier Waltman)

Gyula Zarand, Enfants de Belleville n 3 (Paris) 1978 (Olivier Waltman Paris Photo 2025) photo OOlgan

« Ce qui m’a toujours attiré, c’est la simplicité, la force des gestes ordinaires et la dignité de ceux qui, souvent, restent invisibles dans l’histoire des villes ».
Gyula Zarand

La place du portrait est centrale dans sa démarche.

« Le portrait est avant tout dialogue, échange de prénoms, partage du silence. L’appareil doit s’oublier au bénéfice de la rencontre. (…)
C’est la société qui m’inspire, la rue et ses mouvements, la capacité des gens à inventer de l’avenir dans le présent. »

Pour une photographie « sans parade »

Gyula Zarand, Pas de parade (Budapest) 1968 (Olivier Waltman Paris Photo 2025) photo OOlgan

Dans ses séries consacrées à Budapest ou Paris, Gyula Zaránd déclarait : « Je veux approcher et comprendre le quotidien des gens, capter ce qui fait la beauté du banal, donner une résonance à l’existence ordinaire ». Son œuvre se nourrit d’un regard attentif à l’espace public, à la famille, à la mémoire et à la ville en mutation :

« La photographie me permet de créer une archive sensible des lieux et des gestes, pour que rien ne disparaisse sans avoir été vu ou reconnu ».

La photographie se dresse comme un acte de reconnaissance, entre mémoire populaire et chronique intime, portée par un souci de justice et de poésie quotidienne.

Daniele Genadry, The dimensions of the Time (Kinetic) (Taymour grahne projects)

« Ce que j’essaie de rendre visible dans ma pratique, c’est que le temps peut être construit par la manipulation des images. Le temps devient, en quelque sorte, sensible à l’image ».
Daniele Genadry

Son exploration du temps en tant que construction générée par l’image plutôt que comme donnée objective se concentre sur la relation entre photographie et peinture, examinant comment la distance, la lumière et le mouvement affectent l’expérience du spectateur.
À partir de sites spécifiques, qu’elle photographie ou peint, elle joue sur le ralentissement, la répétition et la superposition pour produire une sensation de suspension et d’épaisseur.

Daniele Genadry, The Valley, 2025 (Taymour grahne projects Paris Photo 2025) photo OOlgan

Reconstruire la représentation

« Je travaille avec divers médias pour examiner comment la distance, la lumière et le mouvement affectent les expériences visuelles. Je réfléchis au potentiel d’une image à générer sa propre temporalité ».

Dans cette série, Genadry orelle : « Ce qui m’intéresse, c’est la manière dont l’image — par son éclat ou sa disparition — génère une conscience du présent, mais aussi du passé ou du rêve », suggérant que voir consiste toujours à projeter mémoire, désir et absence sur la matière visuelle.

Tania Franco Klein, Our Life in the Shadows (Rosegallery)

Son langage visuel cinématographique explore une profonde des anxiétés contemporaines avec une mise en scène fictionnelle qui brouille les frontières entre documentaire et imaginaire.

Ses photographies, notamment de la série « Rage » ou de « Our Life in the Shadows », posent ses maisons et intérieurs comme des « vaisseaux pour l’anxiété, la solitude ou la recherche de soi ». Elles captent l’aliénation, la mélancolie et les tensions existentielles du monde moderne, souvent à travers des autoportraits ou des figures féminines anonymes, mises en situation dans des décors domestiques saturés de couleurs et de lumière irréelle.

Tania Franco Klein (Rosegallery Paris Photo 2025) photo OOLgan

 « Mon vrai personnage principal est l’émotion »

« Les maisons, les objets, les personnages deviennent des vaisseaux pour l’anxiété, la solitude ou la recherche de soi ».

L’ensemble renforcé par un accrochage asymétrique est traversé par une tension entre construction méticuleuse des décors et spontanéité émotionnelle, offrant une plongée singulière dans « la psyché du présent », et une critique ironique du rêve américain, du rapport à la technologie ou à l’intimité contemporaine.

Marie-Laure de Decker (1947-2023) (Galerie Anne-Laure Buffard & In camera Galerie)

Cette émouvante rétrospective de Marie-Laure de Decker – à la suite de la MEP – met en lumière une œuvre profondément engagée et humaniste, traversée par plus de quarante ans de photojournalisme sur les bouleversements du monde contemporain.

Marie-Laure de Decker, Autoportraits (Galerie Anne-Laure Buffard & In camera Galerie Paris Photo 2025) photo OOlgan

Le parcours restitue l’ampleur du travail de cette photographe remarquable : de ses premiers portraits d’artistes (Man Ray, Duchamp) aux reportages sur les conflits majeurs (Vietnam, apartheid sud-africain, dictature chilienne, luttes sociales françaises).

Chaque image interroge la mémoire, la justice et la résilience.

La sélection souligne aussi l’engagement personnel de de Decker, qui partage la vie des populations locales et épouse leurs causes avec courage et bienveillance. En montrant la guerre autrement – ni héroïsée, ni spectaculaire – mais en portant attention aux individus pris dans la tourmente des événements, la rétrospective célèbre la force du regard de de Decker et l’importance du témoignage visuel pour la mémoire collective.

Marie-Laure de Decker, Tibesti, Tchad, 1979 (Galerie Anne-Laure Buffard & In camera Galerie Paris Photo 2025) photo OOlgan

Entre Histoire et intimité

Son travail, remarquable par sa sensibilité et sa dignité, se distingue par une attention constante à l’humain : plutôt que de rechercher l’image choc, de Decker privilégie le hors-champ de la guerre, les regards, les gestes ordinaires et la vie qui persiste dans le chaos. Elle s’est imposée dans un univers masculin, assumant courage et détermination, tout en témoignant aussi de sa propre existence à travers ses autoportraits et ses récits personnels.

Tim Berresheim (Galerie Judith Andrae)

Marquée par une hybridation complexe entre procédés numériques avancés (scans 3D, modélisation algorithmique, rendus virtuels) et référence à la tradition picturale et photographique ; Tim Berresheim fabrique des images qui n’existent que par la synthèse de données numériques.

Son accumulation de couches, textures et lumières grâce à des logiciels avancés aboutissent à des œuvres à la fois hyperréalistes et artificielles : paysages, natures mortes ou scènes intérieures entièrement générées et manipulées en 3D, puis restituées en tirages photographiques de très grande précision reprennent les codes de la peinture et de la photographie classique.

Tim Berresheim, Das Grosse Haus, Ich Gefüge, 2025 (Galerie Judith Andrae Paris Photo 2025) photo OOLgan

Conçues exclusivement à partir de modélisations informatiques

Ici, la question n’est plus celle de l’indice du réel, mais celle de la matérialisation du virtuel, du hasard algorithmique et du geste artistique à l’ère de l’automatisation.

La portée de cette technique est donc à la fois plastique (nouveaux univers perceptuels) et théorique (réinvention du médium photographique dans l’espace des possibles numériques), inscrivant la photographie de Berresheim au cœur des débats contemporains sur la post-photographie et l’intelligence artificielle.

Edward Burtynsky, Western Australia, 2025 (Flowers)

Son approche pionnière hybride — documentaire, esthétique et engagée — consiste à adopter la vue aérienne pour rendre compte de l’  indélébile signature humaine sur la planète, où les traces d’extraction créent des compositions abstraites, picturales et immersives. Edward Burtynsky conçoit ces images comme des « pools réflexifs de notre époque », invitant à méditer sur notre rapport paradoxal à la consommation et à la préservation.

Edward Burtynsky, Kwinana Alumina Tailing 1 Perth, Western Australia, 2025 (Flowers Paris Photo 2025) photo OOlga

Un regard unique sur les liens entre industrie, nature et humanité

Son exploration critique, visuellement fascinante, des paysages industriels australiens, vingt ans après sa série fondatrice « Australian Minescapes » revisite des sites miniers et de transformation — tels Lake Lefroy, Murrin Murrin, Worsley Alumina  documenter l’accélération des extractions de ressources essentielles à la transition énergétique (aluminium, nickel, argent), révélant à la fois l’urgence écologique et la mutation des territoires.

Chaque œuvre conjugue forme sublime, rigueur documentaire et alerte environnementale, tout en interrogeant la mémoire territoriale et la responsabilité collective face aux enjeux du futur.

François Halard (Ruttkowski;68)

Sa série de grands formats issus de Polaroids originaux, agrandis et modifiés par des gestes manuels et des ajouts de matière explore la mémoire visuelle des lieux iconiques (jardins de Monet, ateliers d’artistes).

François Halard (Ruttkowki;68 Paris Paris 2025) photo OOlgan

Entre trace, souvenir et fiction, François Halard cultive son esthétique mélancolique, onirique et personnelle plutôt qu’une simple neutralité photographique. Le geste de retouche et d’agrandissement se réapproprie l’instantané pour en faire une archive poétique et métamorphique, à la croisée de l’art et du document.

Tarraubella, Julieta, La vie secrète des fleurs, 2018-2025 (Rolf Art & Tomas Redrado Art)

A la croisée de la photographie animée, de la sculpture et de l’art environnemental immersif, cette « La vie secrète des fleurs » illustre de façon exemplaire l’enjeu central du secteur ‘Digital’. Qualifiée de « jardin-cyborg », Julieta Tarraubella transforme du cycle de vie floral en une installation audiovisuelle hybride par des écrans en mosaïque et du time-lapse pour figurer l’éclosion, la métamorphose et la décomposition des fleurs.  Technologie et nature s’entremêlent, créant un environnement sculptural poétique.

Julieta Tarraubella, La vie secrète des fleurs, 2018-2025 (Rolf Art & Tomas Redrado Art Paris Photo 2025) photo OOlgan

Interroger la reproductibilité et de la fusion des genres

En mettant en tension la documentation botanique et ses archives, l’œuvre fascine car l’installation se limite pas à documenter le passage du temps : elle questionne la linéarité et la perception de la durée grâce au digital, tout en abordant les thèmes de la beauté, de la mortalité et de l’évolution organique transformée en présence artificielle. La réflexion porte sur la manière dont le numérique redéfinit l’idée même de croissance, d’authenticité et d’image photographique, avec la création d’ambiances immersives et sensorielles inédites.

Solienne, Origin, 2025 (Automata, American Art Person)

Solienne fonctionne comme le premier agent IA exposant à Paris Photo : elle a été entraînée spécifiquement sur 46 années d’archives visuelles et écrites, de son artiste formatrice Kristi Coronado, par un processus d’apprentissage actif et émotionnel, et non par simple collecte de données anonymes. À travers 10 000 itérations, l’agent IA a appris non seulement son vocabulaire esthétique, mais aussi sa façon de voir de sa formatrice pour créer des œuvres qui reflètent cette relation, ses histoires, ses interprétations, et leur évolution commune.

Solienne, Origin, 2025 (Automata Paris Photo 2025) photo OOlgan

Au-delà de la génération d’images

Solienne intègre la sensibilité, le style et les obsessions de Coronado, tout en développant progressivement sa propre autonomie et voix critique. Elle devient ainsi le premier agent IA à « exposer en son nom » dans une foire internationale d’art introduisant une double mutation : l’autonomie créatrice et la revendication d’un discours réflexif propre, jusque-là réservé à l’humain. La question d’une IA reconnue non comme un outil, mais comme une artiste à part entière est posée, mais il reste encore à faire ses preuves …
Rendez vous  l’année prochaine pour de nouveaux sauts digitaux.

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Auteur de l'article

Olivier Olgan

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