Last Stop: Yuma County, écrit et réalisé par Francis Galluppi (2025)

La Série B, genre fourre-tout à part entière, nous offre chaque été son lot de pop corneries. Avec Last Stop : Yuma County, nous sommes servis. L’affiche reprend les codes esthétiques directement inspirés de l’âge d’or de la pulp culture et proclame haut et fort “Dans la veine de Quentin Tarantino : un pur chef-d’œuvre.”

Malgré d’évidentes et louables intentions disons-le d’emblée nous sommes tout de même loin du panache de QT (dont Reservoir Dogs est l’acmé) et encore plus d’un quelconque chef-d’œuvre.
Cependant reconnaissons à Francis Galluppi le mérite de cocher quelques bonnes cases.

Fourrer tout un petit monde iconoclaste au fond d’un restoroute paumé accolé à un motel vide, pour cause de pénurie d’essence est un bon point de départ. Une unité de lieu dont le parti pris scénaristique est une valeur sûre. Et deux frangins braqueurs, l’un très méchant avisé (le bon Jim Cummings II), l’autre très méchant débile (le pas mauvais Nicholas Logan), en fuite, bobinent le tout en y semant la terreur.

Sans compassion pour ses personnages, qu’ils soient gentils, méchants ou même idiots, le réalisateur y piétine allègrement leur destinée.

Bardés de quelques stéréotypes de circonstance, ce western contemporain à la sauce impasse mexicaine bénéficie d’une mise en scène sans esbroufe qui pourrait paraître convenue. Au service de l’histoire, elle nous mène sans effort au fond de notre pot de popcorn.
Portrait nihiliste d’une Amérique profonde saisie entre l’appât du gain, son inhérente violence et son ignorance, Last Stop : Yuma County ne réinvente pas la poudre, il en parle la langue.
Comme le dit un des protagonistes : “This is crazy, everybody have a gun.”

Notre sélection de SériesB qui méritent le détour

The Connection, de Shirley Clarke (1961)

À commencer par The Connection réalisé en 1961 par Shirley Clarke.
Dans ce vrai faux documentaire, adapté du théâtre libertaire, un réalisateur filme en direct un groupe de toxicomanes en attente de leur dealer dans un loft new-yorkais. Tourné en noir et blanc, sous la forme d’un reportage, les protagonistes, entre musiciens de jazz et artistes, rongent leur  frein, espérant l’arrivée du dénommé Cowboy et finissent par initier le cinéaste qui les filme à l’usage de l’héroïne.

Souvent cité comme une référence, The Connection bien plus qu’une curiosité, est un éminent document du cinéma expérimental des années 60.

Une mention spéciale à la Bande originale

Point Limite (Fail-Safe), de Sidney Lumet (1964)

Sorti en 1964, à quelques mois d’intervalle du brûlot sarcastique anti-militariste de Stanley Kubrick, Docteur Folamour ou : comment j’ai appris à ne plus m’en faire et à aimer la bombe (Dr. Strangelove or : How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb) reste bien méconnu.

Prenant le contrepied de son illustre prédécesseur sur le calendrier, Sidney Lumet délaisse la farce kafkaïenne pour adopter le ton réaliste d’une gestion de crise nucléaire suscitée à la suite d’une pauvre erreur technique.

Acculés dans le bureau ovale, le Président des États-Unis (Henry Fonda), entouré de ses conseillers, scientifique (Walter Matthau) et militaire (Dan O’Herlihy), doivent empêcher le pire. Adapté d’un roman à succès éponyme (écrit à quatre mains par Eugene Burdick et Harvey Wheeler), le film évoque différents points de vue face à l’imminence d’une guerre thermonucléaire globale à la façon formelle d’une étude de marché. Glaçant.

Identity, de James Mangold (2003)

Plus proche de nous, sorti en 2003, Identity de James Mangold (désormais plus connu pour Le Mans 66 ou Indiana Jones et le Cadran de la Destinée et récemment Un Parfait Inconnu), est génialement inspiré du célébrissime roman à énigme Ils étaient Dix d’Agatha Christie (anciennement Dix Petits Nègres).

Doté d’un casting relevé, ce petit thriller tient plus que ses promesses.

Il est d’ailleurs assez intéressant de le revoir en connaissant la fin pour se rendre compte de l’habileté de son scénario. Par une nuit d’orage dantesque, des personnages d’horizons divers et variés se retrouvent coincés dans un motel perdu sans possibilité de communiquer avec l’extérieur. Un à un ils disparaissent assassinés. Dans l’affolement général s’ensuit parmi les survivants une tentative éperdue de démasquer le coupable.
Vous croyez vous trouver face un classique du genre ? Il n’en est rien.

Ce film est bien plus malin qu’il n’en a l’air.

Hotel Artemis, de Drew Pearce (2018)

Co-écrit avec Shane Black et réalisé par Drew Pearce  (réalisateur de Iron Man 3 (le meilleur épisode à mon avis) et de Mission Impossible : Rogue Nation avec Christopher McQuarrie (l’homme derrière la renaissance de la franchise), Hotel Artemis mérite un peu plus que l’indifférence polie auquel le film a eu droit.

Sorti à l’été 2018, il s’agissait ici comme bavassé en préambule, d’offrir au public estivalier une série B à se mettre sous la prunelle, de quoi passer un moment à mâcher son pop corn. Ce thriller d’anticipation, (nous sommes à Los Angeles en 2028) est inspiré de l‘Hôtel Continental (décliné en une série recommandable sur Amazon Prime), vu dans la franchise John Wick.

Mâtiné des orages grondants de révoltes urbaines  suite à la privatisation de l’eau publique prises entre une police brutale corrompue et un gangstérisme dominant. Une infirmière, Jean Thomas (étonnante Jodie Foster), dirige depuis plus de vingt ans cet Hôtel Artemis réservé aux truands, mafieux et autres tueurs professionnels qui peuvent contre une une cotisation s’y réfugier et même s’y faire soigner en cas de besoin. Épaulé par Everest (Dave Bautista à son aise), elle va devoir remettre en cause en une nuit toutes les règles qui avaient jusqu’à présent servies de soubassement au fonctionnement de son établissement.
À savoir quelques principes de base, pas de violence, pas d’arme, anonymat requis et évidemment pas de tuerie.

D’une esthétique qui lorgne légèrement vers le steampunk, des locaux délabrés et une technologie récalcitrante, l’intrigue suit les pérégrinations de la maîtresse des lieux qui envers et contre tout va tenter de maintenir son établissement et ses règles incontournables à flot.

Sale Temps à l’Hôtel El Royale (Bad Times at the El Royale), de Drew Goddard (2018)

Un peu plus loin la même année en octobre débarquait sur nos écrans Sale Temps à l’Hôtel El Royale, ambitieuse tentative de dorer sur tranche le genre, écrit et réalisé par Drew Goddard (pour info futur réalisateur de Matrix 5).

Sans avoir casser la baraque cet exercice de style précieusement dans les clous bénéficie d’une intrigue habile.

Son casting relevé, ainsi qu’une direction artistique et une photographie soignées, sans oublier une bande originale parsemée de perles soul estampillées sixties emballent l’affaire.
Nous retrouvons ce qui nous a mené jusqu’ici. C’est la toute fin des années 60, dans un hôtel de luxe décati construit en plein milieu de la ligne de démarcation entre la Californie et le Nevada, s’assemble une  poignée de personnages aux motivations dissimulées aux uns et aux autres. Ponctuée de retours en arrière avisés, avec pour lier le tout comme il se doit le butin d’un braquage oublié, mais aussi un scabreux scandale sexuel. En cerise sur le magot, un caméo surprise de Xavier Dolan en producteur de disques excécrable.

Cette variation plus subtile qu’il n’y paraît de ce qui motive cette chronique, a en dehors de son application onctueuse, de beaux atouts pour solliciter le coin de votre écran.

Une mention spéciale pour la Bande originale :

Auteur de l'article

Calisto Dobson

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