Ne pas réduire Reynaldo Hahn au seul titre d’ « amant de Proust »

« Ô mon petit Reynaldo, ô ma grande affection dans la vie »,
Proust, dans une lettre de 1904

Cette postérité disqualifiante prolonge une injustice faite à sa musique autant qu’à son histoire. Compositeur, chef d’orchestre, directeur de l’Opéra de Paris et membre de l’Académie des beaux‑arts, Hahn laisse des cycles de mélodies, des opérettes, une musique de chambre raffinée qui restent largement sous‑joués.
Que la mémoire collective préfère l’anecdote biographique au patient travail d’écriture dit moins quelque chose de lui que de nous : notre incapacité à reconnaître,

derrière la figure mondaine et l’ombre de Proust, l’un des artisans les plus subtils de la voix française du tournant du siècle.

Une dynamique de fratrie militante

Le Quintette Tchalik : Gabriel, Louise, Sarah, Marc et Dania photo Steve Murez

Le Quatuor franco‑ukrainien fondé en 2013 par Gabriel (1er violon), Louise (2nd violon), Sarah (alto) et Marc (violoncelle), rejoint par Dania au piano transforme leur unité familiale en véritable manifeste : défendre des œuvres choisies librement, loin du répertoire convenu et des carrières formatées.

De Victoires en concours, leur label indépendant Alkonost Classic, des cycles au long cours comme Reynaldo Hahn ou Mozart : les Tchalik dessinent patiemment un territoire singulier, où la curiosité, la cohérence esthétique et une certaine idée de la responsabilité artistique priment sur la seule visibilité.

Du quatuor au trio : une formation en expansion

Après le succès critique du premier volume, les Tchalik élargissent encore le champ de vision en faisant circuler la musique entre quatuor à cordes et Trio avec piano, jusqu’au Quatuor pour piano et cordes, sommet lumineux écrit en exil pendant la Seconde Guerre mondiale.

Cette plasticité de la formation donne à entendre une véritable dramaturgie instrumentale, où chaque combinaison révèle un visage différent de Hahn, de la fougue juvénile du Trio inachevé à la densité lyrique du Quatuor, « chef‑d’œuvre encore méconnu » que les musiciens affirment vouloir « défendre et porter à la connaissance du public le plus large ».

Un projet Hahn : recherche, restitution, engagement

Ce deuxième opus ne se contente pas de prolonger le premier : il le parachève en intégrant des œuvres inédites, restituées pour l’occasion avec le concours du musicologue Philippe Blay. Les Tchalik assument ainsi un véritable travail de redécouverte, où le disque devient laboratoire :

« Nos recherches et nos concerts nous ont conduits à compléter et parachever cette somme avec le présent album »

Ils revendiquant à la fois l’exigence philologique et l’engagement artistique. La valeur ajoutée du projet tient dans cette tension entre archives et scène, qui fait entrer Hahn dans le présent de l’écoute plutôt que de le laisser au musée des curiosités fin‑de‑siècle.

Ce que la musique de Hahn révèle aujourd’hui

En parcourant presque tout le spectre de sa musique de chambre, de l’ardeur harmonique du Trio au raffinement nocturne pour violon et piano, le projet fait apparaître un Hahn à rebours des avant‑gardes tonitruantes mais jamais réactionnaire.

Héritier de Gounod, Saint‑Saëns ou Massenet, il invente une langue où équilibre classique, concision formelle et effusion lyrique se tiennent dans une même ligne vocale intérieure. Portée par les Tchalik, cette voix discrète révèle combien le XXᵉ siècle ne se résume pas à la seule quête de modernité.

La musique de chambre, ici, devient un espace politique de résistance douce : faire entendre ce qui a été marginalisé, sans hausser le ton mais sans baisser les bras.

Le carnet de lecture de Dania Tchalik, pianiste et chambriste, Trio Tachlik

Shura Cherkassky, récital à Amsterdam, 1992

Lorsque j’étais enfant, j’ai eu la chance d’entendre en concert ce pianiste de légende au jeu fantasque et coloré.
Né en 1909 à Odessa, ville où j’ai grandi, puis exilé après la Révolution, Shura Cherkassky effectuait alors l’un de ses retours triomphaux sur sa terre d’origine, quelques mois à peine avant l’effondrement de l’Union soviétique. A l’image du retour de Horowitz peu de temps auparavant, le public, électrisé par quelques bis étincelants dont ce virtuose avait le secret, avait pleinement conscience de vivre un moment historique.

Déposition du Christ, Jacopo Pontormo, Santa Felicità, Florence 

Mon Souvenir de Florence. Après avoir traversé à grand peine le Ponte Vecchio et sa marée de touristes, je m’engage sur la rive gauche et decouvre aussitôt une modeste église. J’entre dans l’édifice et, comme par miracle, le silence recueilli reprend ses droits. Très vite, mon regard est attiré par la lumière émanant d’une chapelle à gauche. Je m’approche…et c’est l’illumination : une symphonie de couleurs irréelles, de drapés et de visages à la fois idéalisés et tourmentés sur un fond abstrait, au-delà de la vie et de la mort.
Un moment suspendu, une révélation artistique dont je me souviendrai toujours.

Alexandre Scriabine, Sonate pour piano n°9 dite « Messe noire », Vladimir Horowitz

Dernière apparition publique de Horowitz avant une interruption d’une douzaine d’années, le concert historique donné à Carnegie Hall le 25 février 1953 a fort heureusement été capté et constitue un témoignage exceptionnel de l’art de l’interprétation.
Dans la 9e de Scriabine, il atteint une intensité inouïe en comprimant à l’extrême la forme, ce qui révèle toute la modernité de la pièce, à l’opposé de toute complaisance.

Avec une prise de risques de tous les instants, il engage une course haletante et inexorable à l’abîme, menant par paliers à un climax dévastateur. Une expérience dont l’auditeur ne sort pas indemne.

Reynaldo Hahn, Sonatine pour piano (1907), Magda Tagliaferro

En préparant notre intégrale de la musique de chambre de Hahn, j’ai découvert cet enregistrement éblouissant de la grande pianiste franco-bresilienne, amie du compositeur et créatrice de plusieurs de ses œuvres. Entre concision, humour, tendresse et raffinement, ce petit bijou constitue un condensé de l’esprit français.
Si les mouvements extrêmes s’apparentent à une sorte de pastiche néo-baroque, le mouvement central à variations renferme un passage étonnamment proche de la partie centrale du Menuet du Tombeau de Couperin de Ravel – même tonalité, même climat retenu, même pédale harmonique… Reynaldo ne pouvait certes ignorer la Sonatine de Ravel écrite deux ans auparavant… sauf que le Tombeau lui est postérieur d’une dizaine d’années.

Le mystère de ce dialogue entre compositeurs devra bien être un jour élucidé par nos éminents musicologues !

Auteur de l'article

Olivier Olgan

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