Une réussite d’attraction, à juger à la qualité du regard

Avec 211 galeries de 41 pays, contre 203 en 2025, Art Basel Paris confirme sa capacité à concentrer l’offre internationale. Sous la nouvelle direction de Karim Crippa, la cinquième édition articule puissance marchande, émergence et relecture historique : 183 galeries dans le secteur principal, seize dans Emergence et douze propositions dans Premise.

Sa valeur ajoutée se confirme quand la profusion permet de comprendre une recherche, de réévaluer une œuvre, de rapprocher des histoires tenues séparées. Deux géants : la valeur sûre Jean Dubuffet, et le moins connu Beauford Delanay (1901-1979) sont rapprochés de nouvelles voix réunies pour une invitation à exercer son attention.

L’ampleur fait événement ; seule la précision des propositions fait réellement exposition.

Le soloshow, un risque économique malgré la possibilité d’approfondissement

Reste une contradiction : l’expansion ne profite pas proportionnellement au tête-à-tête avec un artiste. Emergence conserve ses seize stands, comme en 2024 et 2025 ; plusieurs présentations marquantes relèvent du duo ou de l’accrochage collectif.

Plus inquiétante, la fermeture anticipée retranche les deux journées du week-end : après les avant-premières professionnelles, le public ne dispose plus que du vendredi. Une mesure de sécurité compréhensible, mais un sévère déséquilibre dans l’accès aux artistes, mais qui peut se prolonger dans les galeries qui les représentent.

Jean Dubuffet, Défaire la figure, retrouver le monde (Nahmad Contemporary)

Rare exception d’un stand majeur dédié à un artiste, que l’on retrouve aussi accroché dans plusieurs galeries.  « Figure to Ground » réunit treize peintures de 1944 à 1980. Des matières rugueuses des débuts aux cellules de L’Hourloupe, jusqu’aux fragments des Théâtres de mémoire, Jean Dubuffet défait la séparation entre le corps et son environnement. La figure n’occupe plus souverainement l’image : elle s’y enfonce, s’y disperse, participe à son agitation.

La matière commande, contre le dessin prémédité et la « bonne forme ». « Regardez votre palette et vos chiffons », conseille-t-il en 1945 — traduction de la citation reproduite par la galerie. Cette synthèse rappelle combien son œuvre attaque les hiérarchies du regard.
Paradoxe fécond : au cœur du marché, une peinture qui refuse les bonnes manières culturelles.

Jean Dubuffet – Nahmad Contempary (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Beauford Delaney,  La lumière, une puissance d’émancipation (Michael Rosenfeld Gallery)

Installé à Paris en 1953, Beauford Delaney (1901-1979) trouve dans la couleur un espace d’émancipation face au racisme et à l’homophobie. Ses abstractions font vibrer la surface par des touches et des mouvements colorés : le jaune, notamment, devient moins une teinte qu’une présence. La lumière traverse la peinture plutôt qu’elle n’éclaire un objet.

Le rapprochement avec Alteronce Gumby permet de considérer son abstraction comme une recherche toujours active, et non comme une parenthèse historique. Admirateur de Monet, Delaney transforme la perception lumineuse en expérience spirituelle : la couleur ouvre un monde que les assignations sociales ne suffisent plus à contenir.

Beauford Delanay (1901-1979) – Michael Ronsefeld Gallery (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Anna Clegg, Les lendemains incertains de l’image (Schiefe Zähne)

Anna Clegg prélève dans les photographies de soirées une matière qu’elle découpe et réorganise en architectures peintes instables. L’huile sur toile ralentit ces images vouées à circuler rapidement, à être consommées puis oubliées. Ce passage n’a rien d’une simple transposition : il transforme le document en espace mental, où l’expérience vécue devient difficile à reconstituer.

L’artiste interroge la fabrication de la mémoire et de la subjectivité dans une culture saturée d’images. Que reste-t-il d’un moment lorsque sa photographie se substitue au souvenir ? La peinture maintient cette question ouverte. Au spectacle d’une jeunesse immédiatement reconnaissable, Clegg préfère les incertitudes du regard : ce que l’image conserve, mais aussi ce qu’elle dérobe.

Anna Clegg – Schiefe Zahne (Art Basel Paris 2026 photo OOlgan

Asma Belhamarn, Retenir la mémoire des lieux

Céramique, bois, impression 3D et dessin : Asma Belhamar rapproche les techniques plutôt qu’elle n’oppose artisanat et technologie. Son travail interroge la « mégastructure », cet horizon architectural dont les dimensions débordent l’échelle humaine. Depuis Dubaï, centre névralgique de la modernité urbaniste, elle observe un paysage urbain où la transformation accélérée menace jusqu’à la reconnaissance des lieux familiers.

En isolant des motifs et des savoir-faire architecturaux fragilisés par cette métamorphose, elle leur restitue une présence sensible. Sans céder à la nostalgie, ses assemblages demandent ce qu’une ville conserve de ceux qui l’habitent. Leur enjeu dépasse la sauvegarde du décor : il touche aux conditions mêmes de l’appartenance, lorsque le progrès bâti avance plus vite que la mémoire collective.

Asma Belhamar – Green Art Gallery (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Drake Carr,  Le portrait sort du cadre (Mariposa)

Les dix silhouettes en bois découpé et peint de Drake Carr ne manquent pas d’attirer l’oeil. Un changement de tempo pour cet autodidacte connu pour ses séances de portraits rapides. Le dessin gagne un corps et occupe l’espace : ses personnages ne se contentent plus d’apparaître sur une feuille, ils viennent partager le territoire du visiteur.

Nourrie par les sociabilités queer et la culture visuelle de la mode, sa pratique entretient une frontière poreuse entre observation et fiction. Les découpes parisiennes rapprochent signes d’autorité, féminité, fantasme et sexualité. Leur séduction n’efface pas l’étrangeté : elle l’installe. Derrière l’assurance des poses se joue une liberté essentielle, celle de construire sa propre apparition plutôt que d’endosser une identité prescrite.

Drake Carr – Mariposa (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Kenjiro Okazaki, La couleur comme opération de pensée (frank elbaz)

Peintre, sculpteur, architecte et théoricien, Kenjiro Okazaki traverse les disciplines sans les réduire à un style commun. Ses acryliques sur toile confrontent formats, couleurs et orientations ; certains assemblages modifient jusqu’à la géométrie du tableau. La peinture ne se contente pas d’occuper une surface : elle examine comment un espace se construit et comment notre regard s’y déplace.

Ses œuvres dont les titres sont parfois développés comme de brefs récits, déjouent l’idée d’une abstraction sans mémoire. Entre expérience visuelle et associations historiques, Okazaki propose moins une image à déchiffrer qu’une pensée en mouvement, dont chaque couleur modifie les rapports avec les autres.

Kenjiro Okazaki – galerie frank Elbaz (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Maki Na Kamura, Habiter l’indécision de la peinture

Née à Osaka et installée à Berlin, Maki Na Kamura travaille notamment à l’huile et à la tempera sur toile. Cette coexistence des matières invite à regarder la peinture comme un champ de tensions, plutôt que comme une image immédiatement disponible. L’enjeu critique : ne pas rabattre la sensation sur une identification trop rapide, laisser au regard le temps de chercher sa place.

Il est associé en regard de Jörg Immendorff, dans un dialogue entre traditions picturales. Que peuvent encore les moyens de la peinture pour construire une présence ? Chez Na Kamura, l’intérêt tient à cette autonomie du tableau, à ce qui résiste au commentaire comme à la consommation pressée des signes.

Maki Na Kamura – Galerie Michael Werner (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Suleman Aqeel Khilji, La mémoire n’a pas de contours nets (Standard, Oslo) 

Portraits et paysages paraissent retenus au seuil de leur disparition. Huile, pigments et peinture à la colle se superposent en couches semi-transparentes ; les jaunes, les bleus et les terres installent une lumière inquiète. Le flou de Suleman Aqeel Khilji n’est pas un effet d’atmosphère : il donne une forme à l’instabilité du souvenir, à ce qui revient sans jamais se restituer intact.

Entre Quetta, sa ville natale, et Londres, où il travaille, la peinture négocie des distances géographiques autant que temporelles. Les figures anonymisées, les lieux remémorés ou imaginés échappent à l’assurance documentaire.

C’est une image vulnérable qui interpelle : non la preuve d’un passé disponible, mais la trace de ses transformations dans le présent.

Suleman Aqeel Khilji – Standard (Oslo) Art Basel Paris 2026 photo OOlgan

Angharad Williams, Se mettre dans la peau d’une truite (KIN)

Des bancs de truites traversent de grandes étendues bleues : Angharad Williams associe six peintures à une nouvelle vidéo. Le motif pourrait sembler paisible. Il engage pourtant une interrogation sur l’empathie, la prédation et notre pouvoir de projection. La truite devient aussi un autoportrait déplacé : comment penser depuis un autre corps sans aussitôt se l’approprier ?

La présentation prolonge Eraser, son premier récit publié en 2023, où l’identification à d’autres êtres conduit jusqu’à la mise à mort d’un poisson. Peinture, littérature et vidéo ne répètent pas la même histoire : elles en troublent les positions. Qui regarde, qui parle, qui capture ?
Sous leur sérénité, ces images font vaciller notre confortable souveraineté sur le vivant.

Angharad Williams – Kin Brussels (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Yann Stéphane Bisso, Le paysage, territoire d’appartenances

Né au Cameroun en 1998 et installé à Genève, Yann Stéphane Bisso fait du paysage un terrain de recherche sur l’identité et le déplacement. À l’huile sur toile ou sur lin, il compose des univers où mémoire et imagination se croisent, parfois traversés de figures. L’espace peint ne désigne pas seulement un lieu : il accueille plusieurs géographies, plusieurs manières d’y appartenir.

Son travail prolonge une réflexion nourrie par Édouard Glissant, la diaspora et la créolisation. Plutôt que figer l’origine dans une image reconnaissable, Bisso déplace les catégories du paysage classique. Sa portée politique tient à cette sensibilité : faire sentir qu’une identité peut se construire dans la relation, les fragments et les passages, sans devoir choisir entre l’enracinement et l’ouverture.

Yann Stephane Bisso – Exo Exo (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Solomon Garçon, La foire prise à son propre spectacle (243 Luz & Co)

Solomon Garçon présente des monochromes frappés du logo de la chaîne de téléréalité E!, ainsi qu’un cube de plexiglas contenant une chaussure masculine et un microphone caché. Une économie de moyens qui suffit à dérégler la neutralité supposée du stand : objets, marques et dispositifs d’écoute dévoilent les mécanismes de l’exposition sociale.

Pour l’artiste londonien, le monde de l’art fonctionne comme un plateau où chacun joue son rôle. Après ARMS à Studio Voltaire, qui associait son, sculpture et performance, il transforme ici la foire en objet d’observation. Qui se montre ? Qui écoute ? Qui distribue les places ? Une critique d’autant plus incisive qu’elle ne prétend pas se tenir hors du spectacle : elle en utilise les accessoires pour retourner le regard.

Solomon Garcon – Studio Voltaire London (Art Basel Paris 2026) photo OOlgan

Auteur de l'article

Olivier Olgan

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