Anna Zemánková, Christian Berst

C’est une grand dame de l’art abstrait (1908-1986) qui reste encore à réhabiliter (elle n’était pas dans la sélection de Beaubourg de Elles font l’art abstrait… mais depuis elle a rejoint les collections). Cette humble Moravienne se met à produire au début des années 60 un œuvre auquel sa condition ne l’avait pas préparée, répondant à une injonction viscérale à cueillir des fleurs étranges pour les faire saillir du papier. « Je fais pousser des fleurs qui ne poussent nulle part ailleurs » disait-elle.

Anna Zemánková, chez Christian Berst, Paris+ Art Basel 2023 (Grand Palais Ephémère) Photo OOlgan

À plus de 50 ans, – renouant peut-être avec son rêve d’enfant – Anna se met à produire quotidiennement des dessins spontanés d’inspiration végétale, entre 4 h et 7 h du matin, moment où elle a le sentiment de capter des forces magnétiques. Elle ignore, au commencement de l’œuvre, sa forme finale : « Tout marche tout seul », « […] pas besoin de réfléchir ». Cette végétation sans racines ni humus, ces floraisons tantôt mentales, tantôt organiques, de quel herbier des abysses sourdent-elles  ? À quel règne appartiennent-elles, de quelle classification relèvent-elles ? D’ailleurs, à l’instar de la production de Séraphine de Senlis, s’agit-il encore de fleurs ? Ne sont-ce pas déjà des fruits  ? Charnus, emplis de sucs entêtants  : gorgés de la pulsion d’une femme qui dit simplement « je vis ».

Anna Zemánková, chez Christian Berst, Paris+ Art Basel 2023 (Grand Palais Ephémère) Photo OOlgan

Dans l’ensemble de l’œuvre d’Anna Zemánková ce sont justement les bricolages textiles qui, de manière artistique, matérialisent le mieux les principes de yin et de yang, parce qu’ils sont tout à la fois un dessin plat et un relief en tissus ; qu’ils nous élèvent et nous effraient en même temps, et parce que ce sont ses œuvres à la fois les plus féminines et les plus masculines.
Annie Carlano, 2003

Jean Hélion (1904-1987) Applicat-Prazan

En apparence discontinue, en regard de ses ruptures apparentes, la démarche de Jean Hélion mérite d’être réévalué. Peintre militant de l’art abstrait — dont il fut un des pionniers —, terme impropre selon lui et qu’il rebaptise « art concret » des années 1930, le choc causé par la Seconde Guerre mondiale a raison de ses certitudes modernistes. Après l’horreur, un constat de vie s’impose au peintre: la conviction que l’artiste a le pouvoir de crier la vie tout comme le poète de la chanter. Sa peinture va dès lors découler de son observation du monde, des hommes et des objets qui l’entourent, dans une esthétique souvent éloignée des attendus modernistes.

Jean Hélion passe de l’art concret à la figuration chez Applicat-Prazan Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Fou de couleurs dans une écriture simplifiée malgré la singularité de son itinéraire Hélion reste fidèle à une recherche figurative qu’il a lui même décrite de façon particulièrement synthétique :

• De 1925 à 29 : peinture de force, de réaction instinctive devant la nature et l’objet.
• De 1929 à 33 : élaboration d’un système de signes.
• De 1934 à 39 : effort de m’exprimer et d’exprimer le monde d’une façon abstraite.
• En 1939 et de 43 à 46 : effort de changer le monde immédiat avec mes structures abstraites.
• De 1947 à 51 : recherche des archétypes visuels et humains.
• De 1951 à 54 : effort d’exprimer tout par le contact serré avec l’objet. Effort d’inclure l’apparence dans l’essence.
• De 1955 à 58 : la lumière.
• Après 1958 : quartier libre. Tout à la fois.

Jean Hélion, chez Applicat-Prazan Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

L’artiste construit ses toiles comme des phrases visuelles, narratives, considérant qu’un « alignement d’objets est une phrase qui n’a pas besoin d’être traduite dans une langue » (Carnets, Jean Hélion, première quinzaine de juillet 1975). Ses objets fétiches : la citrouille, le parapluie, le pain, le trombone, le chou, le homard, le soulier, le chapeau, le journal, la plante, le mannequin, se rencontrent, vibrant de couleurs. Ils se répondent, s’entrechoquent parfois, puis finalement s’harmonisent pour former une illustration parfaite de la phrase qui inspira tant les dadaïstes « beau […] comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à coudre et d’un parapluie » (Les chants de Maldoror, Lautréamont). Jean Hélion donne à voir la poésie et la beauté présentes dans chaque chose, ou si ce n’est dans la chose elle-même, dans l’éphémérité d’une rencontre, d’un instant de vie.
Pour aller plus loin le site Jean Hélion

Lonnie Holley (né 1950), Blum

Développant sa pratique visuelle de « mémorialisation », Lonnie Holley couvre la peinture, le dessin, la sculpture d’assemblage, les sculptures en grès et les performances combinant musique expérimentale et poésie. Né en 1950 à Birmingham, en Alabama, à l’époque de Jim Crow, septième de vingt-sept enfants, Holley a eu une enfance difficile, travaillant dès l’âge de cinq ans dans divers emplois: ramasser les ordures dans un ciné-parc, faire la vaisselle, cueillir du coton, creuser des tombes, servir de cuisinier de courte durée à Disney World. Son enfance itinérante, vivant à travers le Sud dans diverses conditions précaires, a été chaotique, laissant une profonde empreinte sur son œuvre.

Lonnie Holley, peintures et sculptures, Gallery Blum. Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Celui qui a réalisé ses premières sculptures en sculptant les pierres tombales de ses nièces qui ont péri dans l’incendie d’une maison en 1979 propose de nouvelles peintures abstraites sur toile, papier ou courtepointe qui utilisent ses profils faciaux superposés emblématiques. Holley utilise souvent la courtepointe comme plan d’image pour rendre hommage au travail des femmes et exploiter l’aura chargée de l’histoire et de la culture ancestrales des Noirs américains.

Lonnie Holley, peintures et sculptures, Gallery Blum. Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

À côté de ces œuvres murales se trouvent des sculptures complexes et prêtes à l’emploi, forgées à partir de déchets que l’artiste a diversement reclassées comme des monuments à l’échelle nationale dédiés à des êtres chers ou à des moments importants du mouvement des droits civiques.

Elladj Lincy Delouveaux, Cécile Fakhoury

Déjà reconnu alors qu’il est diplômé cette année des Beaux-Arts de Paris, Elladj Lincy Deloumeaux définit avec une maitrise spectaculaire un territoire intime et esthétique reprenant l’idée d’une créolisation des savoirs qui lui est chère et qu’il emprunte à Edouard Glissant.

Elladj Lincy Delouveaux, chez Cécile Fakhoury Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Au cœur de sa recherche plastique, se trouve la volonté de se connecter à une ancestralité matricielle, liée à des rites passés et secrets parfois, sans cesse réactualisée par une quête de sens contemporaine. Elladj Lincy Deloumeaux explore notamment les multiples facettes de la couleur noire qui pour lui porte un poids symbolique.

Elladj Lincy Delouveaux, Panser ces maux, 2023. Cécile Fakhoury Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Au-delà d’une couleur de peau, il symbolise dans différentes spiritualités afro-caribéenne et indienne une couleur divine, le symbole du baiser du soleil, le noir charbon. Couleur primordiale et cosmique, lieu de la création et de la destruction, le noir est la composante essentielle des dessins de l’artiste, dont le format rappelle des photographies d’identité.

Nourri d’histoire de l’art, L’artiste s’interroge sur comment définir un espace « chez soi » et « pour soi » dans la vie comme dans la peinture. I ’expérience disruptive d’une nouvelle langue au quotidien, d’un lieu inconnu pourtant familier, les heures longues du voyage créent les conditions d’une distanciation avec soi-même et ouvrent un espace où l’identité est libre de se réinventer sous et à partir d’autres formes. Les œuvres sont peuplées de références matricielles que l’on retrouve d’une toile à l’autre et qui nous renvoient aux héritages familiaux de l’artiste (notamment avec la dentelle), ainsi qu’à des décors existants sublimés par son imagination.

Douglas Gordon, « Appartient à », Dvir Gallery

L’artiste écossais Douglas Gordon explore le moment juste avant notre réveil, lorsque les images, les pensées et les phrases sont encore floues, laissant transparaître l’inconscient. La série « Belongs to« , une partition rythmée de nouvelles peintures de Gordon conçues pendant le COVID, dans laquelle des images vitales, leur support matériel et la technique qui les génère se transforment en apparitions élastiques se déployant dans le temps et l’espace réels.

Douglas Gordon chez Dvir Gallery Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Les transferts des images softcore de numéros du magazine Playboy du début des années 1960 sur des toiles brûlées, non nivelées et asymétriques marquées par des gouttes biomorphiques de cire, de peinture acrylique et de liquides inconnus diluent la visibilité et la définition des images au point qu’elles deviennent un tissu superflu semi-transparent s’évaporant à travers les fils entrelacés de la toile qui les consomme et les matérialise à la fois.  Les miroirs dévoilent le vide que recèlent les œuvres, le vide d’où elles émergent et dans lequel elles risquent de tomber. Ils créent l’illusion d’un espace abyssal derrière la surface qui confère aux images la qualité d’une émergence ex-nihilo et primale.

Charlotte Dualé, Métamorphoses, Parliament Galllery

Le travail de Dualé aborde le corps comme un point central pour assister à la construction et à la déconstruction du sujet humain, soulevant des questions sur la façon dont les dynamiques extérieures façonnent et remodèlent continuellement les individus. Le matériau céramique – malléable, pénétrable, adaptable – lui sert de métaphore au corps humain lui-même. Elle utilise les propriétés de la céramique dans sa matérialité comme outils d’investigation, explorant la force, les fissures et la fragilité.

Charlotte Dualé, Métamorphoses chez Parliament Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Charlotte Dualé, Métamorphoses chez Parliament Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Un processus où les pièces en céramique témoignent de leurs propres mécanismes de réactions et d’ajustements – jusqu’à un point d’équilibre où la cuisson peut détruire l’œuvre ou la sublimer dans sa fragilité. Chaque forme travaillée et assemblée pourrait être considérée comme un membre du corps, et l’artiste recherche sa capacité à se déformer, à se fragmenter et à résister.

Sa nouvelle série de céramiques sont confrontés à leur fonctionnalité pour ensuite s’en échapper et vaciller vers des formes instables. Ces « nouveaux corps » – tel un langage dévoilé – prennent la forme de colonnes, de toiles et d’objets inédits encourageant l’inexprimable, le spirituel et l’apparemment inutile. Comment ces formes réussissent-elles ou échouent-elles à devenir utilitaires ? Comment se transforment-ils pour échapper aux contraintes et entrer dans une ère d’un nouveau type ?
Avec Charlotte Dualé, la question reste ouverte.
Pour aller plus loin, site de Charlotte Dualé

Tomas Krecicki, Galeria Stereo

Observateur sensible des détails de l’existence humaine, Thomas Kręcicki s’inspire de situations quotidiennes banales, qui subissent une transformation formelle minutieuse dan sa série de peintures présentées.
Elle se nourrit d’une image fragmentaire d’une crise mentale, d’une stagnation provoquée par des obstacles mineurs – « la résistance de la matière » pour ainsi dire, qui est le sujet principal du travail de l’artiste.

Tomas Krecicki, chez Galeria Stereo, Paris+ Art Basel 2023 Photo OOlgan

Constituées d’éléments réalistes – objets ordinaires (feuille de papier, crayon, robinet d’eau, etc.), fragments du corps humain (doigts) – vont clairement au-delà de la visualisation et impliquent le spectateur dans le processus de formation de ses sens. Toujours tirées du quotidien, les représentations ne visualisent pas tant qu’elles évoquent des sons spécifiques : déchirements, gouttes, crépitements, cliquetis etc. Ainsi, l'(hyper)réalisme pratiqué par l’artiste est renforcé par l’aspect intangible.

#Olivier Olgan