Auteur : Olivier Olgan
Article publié le 18 septembre 2025

 Comment (et pourquoi) tombe-t-on dans la marmite de la musique du Moyen-âge et de la Renaissance ?

Adrien Reboisson, multi-instrumentiste à vent, co-fondateur de l’ensemble Into the Winds photo DR

Je crois que chaque musicien de l’ensemble a sa réponse, pour ma part, un peu par hasard !

Adrien Reboisson. J’avais étudié quelques années la trompette au CRR de Clermont-Ferrand, mais il n’y avait aucune dynamique en musique ancienne dans la région qui aurait pu m’y amener d’une manière logique. Ma vraie passion, à l’époque, c’était l’informatique, et je n’imaginais pas un instant que la musique puisse prendre une grande place dans ma vie.

Le hasard a pourtant bouleversé les choses : mes parents ont intégré une troupe de danses Renaissance, accompagnée par un petit ensemble amateur dirigé par une ancienne professeur de conservatoire. Au départ, je n’avais aucun intérêt pour leur activité du samedi matin… jusqu’au jour où l’on m’a mis une flûte entre les mains en me disant : “Essaie de jouer avec nous !”. Ce fut un déclic : jouer pour les autres, et pour la danse, avait un sens immédiat, très différent de mes études de trompette pour la garde républicaine, qui me paraissaient alors assez abstraites…

Ce fut alors le début d’un très long chemin, qui a longtemps été autodidacte, faute de structures de formation proches.

C’est d’ailleurs pour cela que ce “carnet d’écoute” (voir infra) se focalise sur la période ou j’ai commencé à tomber dans cette marmite : les albums de cette époque ont été très importants, ils m’ont servi de fenêtres sur un univers qui était loin de mon quotidien et ont été déterminants dans la découverte de répertoires, d’instruments, d’artistes, et de styles musicaux très divers. Ils m’ont poussé à continuer d’essayer d’expérimenter avec ce que j’avais sous la main alors que rien ne marchait vraiment…

Une nouvelle dimension s’est aussi ajoutée à ce que je voulais entendre : alors que je n’attendais de la musique qu’une communication d’énergie pure, j’ai découvert qu’elle portait aussi un imaginaire puissant, des résonances intérieures et parfois une forme de transcendance.

Je crois que pour nous tous, ce répertoire garde une part d’énigme et de mystère qui exerce une certaine fascination…

Pour moi, il y a quelque chose de métaphysique : jouer cette musique, c’est abolir la distance des siècles et sentir que les mêmes émotions traversent les hommes et les époques. C’est une façon de se relier à une mémoire collective, non pas dans un esprit passéiste, mais comme une manière de transmettre une expérience humaine qui nous dépasse.

L’ensemble Into the Winds se distingue par l’ambition de faire « résonner » au présent des instruments et répertoires oubliés, pourquoi vous définissez-vous avec vos quatre complices comme des ‘aventuriers’ de ce patrimoine musical que vous contribuez à révéler ?

Into the Winds réinvente la musique du Moyen-Age Photo Bertrand Pichéne CR Ambronay

Parce qu’il y a plein de défis à relever, et que parfois nos concerts tiennent vraiment lieu d’aventures ! Très pragmatiquement : transporter des dizaines de kilos de consorts de flûtes, de hautbois, de cuivres et de tambours en tout genre (je ne parle même pas des voyages en avion !), affronter la sensibilité des instruments aux conditions hygrométriques et climatiques,  ajuster sans cesse les anches, veiller à la justesse et à l’équilibre, tout en gardant l’endurance nécessaire pour offrir au public un beau concert… Cela demande presque une condition de sportif… et un certain sang-froid !

Mais l’aventure, c’est aussi celle de l’interprétation : partir de sources lacunaires, expérimenter, chercher des couleurs, raconter une histoire à partir de pièces éparses et faire émerger un sens commun de cette diversité.

Et puis c’est encore l’aventure de la diffusion : comment porter un répertoire méconnu, souvent entouré de clichés, et le faire découvrir à une large audience ? Comment convaincre des programmateurs que leur public peut être autant touché par ces musiques que par un Orfeo, un récital Vivaldi ou Haendel ?

Au final, c’est surtout une aventure humaine, pas toujours simple à gérer, mais très riche, parce qu’elle nous relie à ce qui fait l’essence même de l’art : partager des émotions et du sens au-delà des siècles !

Quelle est la part de ‘réinvention’ dans votre travail d’interprétation ou plutôt d’exploration sur vos instruments rares voire oubliés (flûtes à bec, hautbois anciens, sacqueboutes, trompettes, percussions historiques) ?

Elle est très importante, pour de nombreuses raisons.  Pour ce qui est de la conception de nos spectacles, nous n’avons pas d’œuvres complètes “prêtes à monter” comparables à des opéras ou des symphonies modernes, mais plutôt des collections de petites pièces (la plupart étant des chansons profanes, mais aussi des pièces sacrées ou des mouvements de messes) issues de manuscrits qu’il nous faut assembler pour construire des blocs cohérents, porteurs de sens.

Cette étape, qui concerne la forme globale de nos concerts, est toujours longue et complexe : la fluidité des enchaînements est essentielle, et nous cherchons à varier les couleurs instrumentales pour maintenir l’attention et éviter toute lassitude.

Ensuite, dans le matériel musical que nous utilisons, il n’existe aucune indication de tempo, d’instrumentation, et certaines altérations doivent parfois être ajoutées en fonction du contexte (la musica ficta). Nous disposons donc d’une grande liberté dans le traitement des pièces. Bien sûr, nous cherchons à être le plus possible informés du contexte historique et sociétal dans lesquelles elles étaient jouées afin d’éviter les contresens dans leur interprétation…

Mais il nous arrive aussi de tirer certaines œuvres vers une esthétique qui sert la trame narrative que nous voulons construire. Et ces “réinterprétations” se révèlent souvent très convaincantes !

Enfin, l’exploration se fait aussi au niveau des instruments eux-même : on travaille et on cherche avec les facteurs des modèles adaptés au répertoire que l’on joue. Sur certains instruments comme les hautbois, la conception des anches est cruciale car elle permet de travailler sur la texture sonore brute. On peut donc modifier leur timbre pour aller vers quelque chose de rond et de sombre, ou au contraire vers quelque chose de beaucoup plus clair, voire perçant.

Pour résumer, les nombreux points d’interrogation liés à ce répertoire et à ces pratiques deviennent pour nous autant de degrés de liberté qui stimulent notre imagination et nourrissent notre créativité. Et c’est précisément cette part d’inconnu et de réinvention qui nous passionne, car elle fait de la musique ancienne un art pleinement vivant et non un simple objet de musée !

Quelles grandes lignes dessinez-vous dans  la diversité des esthétiques musicales de la période qu’Into the Winds souhaite transmettre à son public, par topographie (église, monastère, palais) ou périodes ?

Nous essayons effectivement de montrer toute la diversité de cette musique à travers ces deux axes : les lieux, et les différentes époques dans lesquelles elles étaient jouées. Les cathédrales résonnent de musiques sacrées d’une intensité spirituelle forte ; les palais et les cours princières privilégient les chansons, les danses et les répertoires plus raffinés ; les places et les rues s’animent avec les fanfares des instruments à vent et les musiques de fête…

En parallèle, il y a l’évolution du style : pour schématiser, on part de monodies accompagnées de sons tenus (les bourdons), puis l’on assiste à la naissance de la polyphonie, jusqu’à atteindre au milieu de la Renaissance une écriture tonale dont la grammaire annonce déjà celle de la musique que nous connaissons aujourd’hui. Dans ce voyage temporel, on perçoit en filigrane l’évolution de ce que le musicien (et l’homme) de l’époque considérait comme “dissonances” (les tensions) et “consonances” (les détentes) ; on entrevoit aussi l’évolution du goût, de la sensibilité et de la manière dont chaque époque conçoit l’harmonie des choses.

Ces deux axes permettent de donner à entendre au public non seulement la richesse des esthétiques musicales, mais aussi la manière dont elles s’enracinent dans des contextes très différents, et se transforment d’une génération à l’autre.

Enfin, comment revendiquez-vous une « expérience sensorielle » pour chacun de vos programmes, d’hier et d’aujourd’hui, du souffle gothique aux chants de troubadours?

Disons que nous insistons toujours sur le fait que la vraie expérience ne se vit pas uniquement à travers un disque, mais surtout dans l’énergie du concert en direct. Entendre ces instruments rares dans un casque, c’est déjà dépaysant ; mais les voir jouer en scène, c’est encore autre chose. Leur puissance, leur souffle et leur présence physique créent un impact sensoriel incomparable.

L’expérience ne passe donc pas seulement par l’oreille, mais aussi par le regard et l’imaginaire. Partout en Europe, ces instruments apparaissent sur des tapisseries, des tableaux ou des enluminures : sur scène, nous leur redonnons non seulement une voix, mais aussi une gestuelle vivante… Quand Rémi fait résonner sa busine, cette longue trompette droite, ce n’est pas seulement un son que l’on perçoit mais une posture presque archétypale, qui s’adresse autant aux yeux qu’à l’imaginaire collectif.

Depuis nos débuts, nous avons toujours cherché à faire dialoguer la musique avec d’autres arts, pour élargir encore la perception et enrichir l’expérience. Aujourd’hui, nos spectacles associent par exemple des textes en résonance avec les pièces que nous jouons ; bientôt, nous proposerons un programme mêlant musique et danses anciennes ou contemporaines ; et peut-être qu’un jour nous expérimenterons avec les nouvelles technologies pour aller encore plus loin dans l’immersion.

Notre ambition est de présenter un univers qui puisse toucher aussi celles et ceux qui n’ont aucune connaissance de ce répertoire, mais qui peuvent en ressentir la force et la poésie par les sens.

Propos receuillis par Olivier Olgan le 18 septembre 2025

Le carnet d’écoute d’Adrien Reboisson 

Plutôt qu’un carnet de lecture, j’ai eu envie de composer ici un carnet d’écoute. J’y rassemble les musiques qui m’ont marqué au moment où je construisais ma personnalité de musicien, en particulier durant la première décennie des années 2000.

Ce sont des découvertes fondatrices, des disques et des interprètes qui ont façonné mon regard sur la musique et continuent encore aujourd’hui d’inspirer mon parcours…

Mon premier contact avec la musique Renaissance, pendant mon adolescence : le disque Jacques Moderne de Doulce Mémoire, conseillé par un vendeur de la FNAC. Un choc !

Comme je m’intéresse à la danse, j’achète peu de temps après le premier CD de la Compagnie Maître Guillaume.

Un disque fondateur pour moi, une approche alternative à ce répertoire à danser du XVIè siècle, à la recherche d’un son plus “âpre”, autour d’un “broken consort” faisant la part belle aux instruments à bourdons et aux percussions. 30 ans après sa sortie, ce CD n’a pas pris une ride !

Un peu plus tard, j’ai découvert la musique baroque grâce au film Le Roi danse. Là encore, une expérience fondatrice !

Quelques années plus tard, le DVD du Bourgeois Gentilhomme par le Poème Harmonique a été un réel émerveillement: au-delà de l’interprétation musicale, la mise en scène drôle et intelligente, la prononciation restituée, la restitution des intermèdes dansés et l’éclairage à la bougie d’une esthétique presque caravagesque ouvraient un univers total, où musique, théâtre et arts visuels dialoguent avec une force saisissante.

De ce même ensemble, je me souviens du sublime “Nova Métamorphosi”, un album aux couleurs inouïes qui a bercé la fin de mon adolescence :

En tant qu’instrumentiste à vent anciens, le CD “Renaissance Winds” a aussi durablement marqué mes jeunes années. J’ai passé de nombreuses soirées à me saouler au contrepoint d’Isaac, Josquin, ou Senfl, en essayant de percer le secret de leur architecture sonore…

Je pourrais citer de nombreux disques de la discographie de Doulce Mémoire, dirigé par Denis Raisin-Dadre tant j’ai pu les écouter pendant mon adolescence. Mais au-delà des enregistrements joyeux et festifs, le Requiem de Du Caurroy a été une véritable révélation : il est frappant de l’image d’une foi tranquille, qui n’a pas besoin de se démontrer et qui s’impose avec une sérénité bouleversante.

Mes débuts complètement autodidactes à la flûte à bec ont coïncidé avec la sortie de ce fantastique CD sur les Estampies Florentines d’Alla Francesca.

Je me souviens profiter d’un voyage à Paris pour me précipiter à la librairie de musique ancienne boulevard Richard Lenoir et acheter l’édition Moeck de ces pièces virtuoses !

Un peu plus tard, j’ai découvert les Witches, j’y retrouve les timbres parfois rugueux d’un broken consort débordant d’inventivité, l’énergie de la danse et la finesse d’interprétations de grands musiciens :

Difficile de ne pas citer Jordi Savall

Cc’est une figure discographique incontournable de (presque) tout amateur de musique ancienne ! Son disque sur le Manuscrit du Roi m’avait captivé par l’opulence de ses textures sonores et son très fort pouvoir évocateur…

“Fermate il passo”, de VivaBiancaLuna Biffi, est aussi un disque qui m’a profondément marqué. La pureté, la simplicité, l’absence de tout maniérisme…
Un projet solo hypnotique, qui transporte directement dans l’Italie de la toute fin du XVè siècle :

Dans ce répertoire Italien, impossible par ailleurs de ne pas citer l’ensemble Micrologus, qui fait sonner frottoles et chants de carnaval avec une vitalité et un naturel incroyable.

L’exemple vivant que ce qui est ancien n’appartient pas qu’aux vitrines des musées mais peut vibrer avec la même force que les musiques les plus actuelles !

Enfin, parmi les ensembles d’alta capella (ces bandes d’instruments à vent mêlant cuivres et hautbois anciens) il est difficile de ne pas évoquer Les Haulz et les Bas et son incroyable joueur de chalemie, Ian Harrison. Musicien brillant et formidable arrangeur, je reste émerveillé par les contrepoints à trois ou quatre parties qu’il a su tisser sur les mélodies monodiques des premiers maîtres à danser, comme celle-ci !

Quand j’ai commencé le hautbois baroque, l’Ensemble Correspondances venait de publier son enregistrement du Ballet de la nuit. Une découverte décisive !

D’abord par l’interprétation : lumineuse, dansante, aux lignes ciselées enrichies d’ornements recréés dans le style de l’époque. Ensuite, le travail titanesque de Sébastien Daucé, qui a restitué les parties intermédiaires de dizaines d’entrées de ballet, donnant à entrevoir le foisonnement extravagant de l’œuvre originale. Enfin, la redécouverte de compositeurs du XVIIᵉ siècle français trop souvent éclipsés par Lully : Bensérade, Cambefort, Constantin…
Un travail mêlant restitution et création, qui aboutit à mes yeux à une œuvre enthousiasmante !

Les Nations, des Ombres est un disque qui m’a également fait une forte impression au moment où je l’ai découvert..

Je me rends compte que je reviens souvent à la danse, mais elle reste un langage essentiel de la musique instrumentale française, et c’est peut-être ce qui m’y attire tant.

Comment résister, par exemple, au noble charme de cette gigue de Couperin ?

Pour s’éloigner du monde de la musique ancienne

D’autres artistes d’un genre radicalement différent m’ont également profondément marqué dans le début de ma vie musicale. D’abord, Kraftwerk, ces pionniers allemand de l’électro : un véritable choc esthétique ! Leur son minimaliste et répétitif installe une transe hypnotique, au point qu’on ne sait plus si l’on écoute des humains ou des machines. Il y a dans leur musique l’idée d’un futur positif tel qu’on pouvait l’imaginer dans les années 70, abordé de presque clinique, sans aucune volonté de séduire. Cette distance crée la force de leur art : une esthétique radicale qui m’a ouvert à une autre manière de concevoir la musique :

J’ai aussi été très marqué par le rock progressif, symbole de cette grande liberté créative des années 70.

Les Pink Floyd, bien sûr, mais aussi les Who avec leur opéra rock Tommy, l’histoire d’un enfant traumatisé par un meurtre devenu légende du flipper. On y retrouve toute la démesure de cette époque, et l’ambition de faire du rock un art total, aussi puissant et narratif qu’un opéra classique.

Les créations qui déploient un concept ou une narration sur tout un album me fascinent.

Dans cet esprit, un projet qui m’avait marqué il y a une quinzaine d’années me revient en tête : Paradis dirtyficiels de Dr Flake. C’est un disque sombre, intense, empreint de spleen, de rage et de mélancolie, mais aussi d’une ironie grinçante autour du discours médical et de la toute-puissance de celui qui pose le diagnostic.

Pour revenir à la musique qui m’occupe particulièrement en ce moment, je voudrais évoquer trois enregistrements de flûtistes qui ont profondément marqué mon parcours de musicien.

D’abord Denis Raisin-Dadre, qui m’a transmis le concept de sprezzatura cher à Castiglione : cette élégance nonchalante qui consiste à dissimuler l’effort, même dans les passages les plus virtuoses. Son jeu me touche particulièrement dans ce type de diminutions, portées par d’amples phrases parfaitement articulées d’où émane une grande impression de plénitude et de sérénité :

Ensuite Pierre Hamon, interprète d’exception, d’une poésie et d’une subtilité rares, dont le rapport au souffle, aux tensions et aux détentes dans le répertoire médiéval m’a toujours fasciné :

Enfin, Pedro Memelsdorff, dont le jeu, d’une diversité, d’une subtilité et d’une élégance inouïes incarne une liberté intérieure qui transcende les limites de l’instrument. Il met en lumière les ressources insoupçonnées de la flûte à bec, loin des clichés qui lui collent encore trop souvent à la peau !