Olivier Debré , Voyages en abstraction (Villa Les Roches Brunes, Dinard)

Cette synthèse inédite du parcours Olivier Debré (1920-1999),donne à voir l’évolution de son abstraction « lyrique » comme expérience vécue, intime et universelle, magnifiée par l’environnement exceptionnel de Dinard jusqu’au 2 novembre. Le choix du lieu, la Villa Les Roches Brunes, emblématique face à l’horizon breton, amplifie la dimension « site-specific » et fait dialoguer la lumière du littoral avec celle explorée dans les toiles de Debré. ​

vu de l’expo Olivier Debré , Voyages en abstraction (Villa Les Roches Brunes, Dinard) photo Candide Caméra

Plus de 70 œuvres, dont certaines rarement montrées, rapprochent des œuvres de jeunesse, des « abstractions noires » et des aquarelles inspirées par Picasso ou l’art préhistorique dans un dialogue inédit avec les grandes compositions colorées de la maturité. ​ On découvre aussi les influences américaines (Rothko, expressionnisme abstrait) vécues dans les années 1950-60, et le rôle des voyages dans le renouvellement de sa palette et de son geste.

L’accent sur le lien entre la nature et l’abstraction dévoile comment Olivier Debré traduit l’expérience physique (le vent, la pluie, les fleuves) en matière picturale et atmosphères émotionnelles. Elle constate l’effacement du paysage traditionnel au profit de la sensation, de la mémoire et d’une « participation à la nature », ce qui propose au visiteur un accès sensible et existentiel à sa peinture.

Les commissaires, Laura Goedert et Françoise Wasserman, proposent une lecture qui insiste sur l’aspect quotidien, émotionnel et vivant de l’abstraction, cherchant à faire sentir que la peinture touche « le quotidien de la vie la plus commune ».

Françoise Petrovitch, Sur un os (MO.CO, Montpellier Contemporaine)

C’est une lecture globale et renouvelée de l’œuvre de Françoise Pétrovitch — une « anatomie de l’intime » selon les commissaires Rahmouna Boutayeb et Numa Hambursin que propose le MO.CO. jusqu’au 2 novembre.

Conçue en collaboration directe avec l’artiste, les 130 œuvres réalisées entre 1994 et 2025 dépasse la simple rétrospective pour construire une dramaturgie plastique du trouble : hybridité des formes, porosité entre humanité et animalité, enfance et disparition.

vue de l’exposition Françoise Petrovitch, Sur un os (MO.CO, Montpellier Contemporaine) photo Aurélien Mole

Françoise Petrovitch, Sur un os, 2024, bronze Courtesy Semiose, Paris
Photo : Aurélien Mole ©Adagp, Paris, 2025

La sculpture éponyme Sur un os (2024) – une fillette en équilibre sur un fémur d’ogre – condense ce rapport à la fragilité et à la résistance, à la fois tendre et inquiétante. Par la présence d’œuvres monumentales, de séries introspectives comme Cinémascope (2020–2024), et par un agencement scénographique pensé comme un voyage mental, Sur un os révèle la puissance affective et psychique de la création contemporaine tout en instaurant une expérience de contemplation rare.

Le parcours se singularise par son approche multisensorielle, notamment l’installation immersive Papillon (2025), conçue avec Hervé Plumet. Cette œuvre vidéo joue sur des couches d’encres, des voiles et des projections, invitant à « plonger sous le niveau d’une eau trouble et teintée », dans un violet déstabilisant qui brouille perception et matière.

À travers cette scénographie fluide, Pétrovitch nourrit son récit visuel où l’intime, le fragment et la métamorphose s’entrelacent tout en poursuivant  la tension entre visible et invisible, stabilité et transformation, dans un univers où la narration reste volontairement ouverte, proche des contes et des fables.

Georges Rousse, Utopia, Créations et rétrospective (Abbaye de la Celle)

« Cette irruption de l’art contemporain dans l’enceinte d’un monument de l’art roman provençal du XIlle siècle, propose une visite renouvelée de ce lieu, où le sacré libère une sorte de spiritualité intemporelle pendant que les frontières temporelles s’effacent dans l’art et la création ».
Laura Serani, Commissaire de l’exposition.

Georges Rousse. Projet pour La Celle 1, 2025 avec l’aimable autorisation de l’artiste (Abbaye de la Celle)

Fidèle à sa méthode, Georges Rousse transforme l’Abbaye en un espace immersif où se mêlent peinture, architecture, et photographie. Dans Utopia, il crée deux anamorphoses monumentales : un carré jaune et un carré noir, allusions à la fois à la lumière spirituelle du lieu et à l’héritage de Kazimir Malevitch — notamment son célèbre Carré noir sur fond blanc — ainsi qu’à l’abstraction de Mondrian.

Ces formes géométriques ne se révèlent pleinement que depuis un point de vue précis, jouant sur la distorsion et la perception. Le spectateur devient ainsi acteur de l’œuvre, créateur de l’image perçue.

Utopia s’inscrit dans une réflexion sur la « vision juste » : l’œuvre n’existe que dans le regard mouvant du spectateur, dans un équilibre entre rigueur géométrique et poésie visuelle. Le choix du jaune et du noir, teintes symboliques du sacré et de l’absolu, renforce la dimension contemplative du parcours

Valeur ajoutée conceptuelle

L’exposition met en évidence la démarche de Rousse, fondée sur la transformation des lieux historiques ou abandonnés sans effacement de leur mémoire : la pierre médiévale de l’Abbaye devient support de couleur et de lumière, révélant la continuité entre passé et contemporanéité. Ce dialogue entre patrimoine et illusion photographique illustre la tension féconde entre matérialité et espace mental, si chère à l’artiste.

Jonathas de Andrade, L’art de ne pas être vorace (Commanderie de Peyrassol)

Le titre, emprunté à Clarice Lispector, traduit la tension entre désir, prédation et renoncement. Autour de la notion de voracité humaine, Andrade met en scène la pulsion de consommer, de posséder ou d’absorber – qu’elle soit écologique, affective ou politique.​

L’exposition, composée d’une dizaine d’œuvres dont deux inédites et deux films, décline cette voracité à travers des expressions comme « dévorer par le temps » ou « dévorer des yeux ». Andrade y associe matières organiques et plastiques, en créant notamment une sculpture verticale mêlant pierres, disques et résidus, en écho à la terre parfois polluée du domaine. La présence d’œuvres telles que Morder a língua (Se mordre la langue) et Exercice constructif pour un guérillero sans terre inscrit la réflexion dans une critique politique subtile de la domination, de la censure et des frontières sociales.

Jonathas de Andrade, Mare, L’art de ne pas être vorace (Commanderie de Peyrassol) photo Gallerie Continua ela bialkowska

Une esthétique de la coexistence : entre nature et artifice, humanité et faune, critique et émerveillement

Dans une démarche écologique et réflexive. Andrade y apporte une poétique des contradictions humaines sans moralisation, invitant le visiteur à penser la voracité comme symptôme de notre époque — entre survie et excès.

Vertigo (Fondation Carmignac, Porquerolles)

Après Le Songe d’Ulysse et Infinite Woman, expériences sensorielles et esthétiques parfois déstabilisantes, avec Vertigo la Fondation Carmignac pousse le curseur plus loin jusqu’au 2 novembre. Le parcours immersif s’éloigne des clichés pittoresques associés à Porquerolles, pour transformer le lieu en un espace expérimental du « vertige au contact des œuvres d’art« , défini par Edouard Carmignac & Charles Carmignac comme:

« cet état limite (qui) peut naître de la peur du vide, d’une excitation visuelle, d’une forte exaltation ou d’un trouble entre notre corps et son environnement, lorsque celui-ci oscille, s’anime ou s’étend à l’infini »

Frank Bowling, Hello Rosa New York, 1973 Collection Carmignac Courtesy de l’artiste et de la galerie Hauser and Wirth © Frank Bowling / All Rights Reserved, DACS 2025 / ADAGP, Paris, 2025 Photo : Damian Griffiths

Un état de conscience modifié, à la croisée du vertige physique et esthétique.

La cinquantaine d’œuvres exposées témoigne d’un choix exigeant et inédit, incluant des peintures panoramiques, des sculptures, des installations cinétiques et des dispositifs lumineux (Yves Klein, James Turrell, Jesús Rafael Soto, Ólafur Elíasson…).

« Chaque œuvre présentée s’appréhende de façon dynamique et non plus passive ; elle est tantôt une matrice à la fois infinie et
enveloppante, tantôt un vortex ou un maelstrom, hanté par les tourments de l’être et du monde, qui nous aspire ou, au contraire, nous repousse à la périphérie de son champ d’action. »
Matthieu Poirier, commissaire

Le commissaire Matthieu Poirier sollicite une palette variée de moyens qui engagent plus directement le corps du visiteur : certaines pièces induisent des déséquilibres physiques ou perturbent l’attention, d’autres provoquent des états de confusion et d’absorption semblables à des expériences cosmiques ou aquatiques.

Jeppe Hein, Path of Emotions, Vertigo (Fondation Carmignac) Photo Studio JTM

Le parcours est construit comme un puits de sensations, articulant les œuvres selon cinq registres du paysage — l’aquatique, le cosmogonique, l’aérien, l’infini et le terrestre — pour explorer les seuils d’une perception instable, flottante et éblouie. Cette construction scénographique privilégie la dissolution de la frontière entre vision, sensation et environnement.

La promesse est tenue pour peu comme le revendique le commissaire que

« nous consentions, le temps de la visite, à lâcher prise et à tolérer l’absence de figures rassurantes et identifiables, le flottement ressenti devant certaines réalisations peut procurer le sentiment d’un étirement du temps et de l’espace, en lien avec l’expérience de la nature insulaireet surtout marquer une rupture, salvatrice, avec le flot d’informations auxquels nous sommes constamment soumis et le rythme de la vie moderne. »

Drapés. Une histoire d’illusion(s) (Musée des beaux-arts de Nimes)

Avec plus de 80 œuvres issues de différentes époques et artistes, le drapé est présenté comme un témoin de la société, un marqueur social, et un élément clé pour retracer l’histoire des modes et traditions. Elle souligne notamment la capacité des artistes à créer l’illusion par le rendu des plis, textures, et couleurs, donnant vie au tissu par le mouvement, la lumière et l’ombre, et traduisant des émotions et symboliques diverses.

vue Drapés. Une histoire d’illusion(s) (Musée des beaux-arts de Nimes) photo Florent Gardin – Ville de Nimes

Un atout majeur est la dimension sensorielle proposée : le visiteur est invité à un parcours multisensoriel intégrant des matières à toucher et des parfums spécialement conçus pour l’exposition, ce qui est rare dans les expositions d’art classiques. Ce projet a été réalisé en collaboration avec Christèle Jacquemin, photographe et parfumeure, ainsi qu’avec des élèves locaux, enrichissant le lien entre art, pédagogie et expérience immersive.

Entre le réalisme illusionniste et l’expression théâtrale

L’exposition favorise une réflexion historique et symbolique sur les fonctions du drapé dans l’art occidental, depuis l’Antiquité jusqu’à la Renaissance et au-delà, en explorant la symbolique des couleurs, la hiérarchie sociale visible à travers les vêtements, et l’évolution des modes à travers les siècles.

Ainsi, l’originalité et la valeur ajoutée de cette exposition résident dans son approche transdisciplinaire, sensorielle et pédagogique, mêlant histoire, technique artistique, symbolique et expérience corporelle pour redécouvrir le drapé comme un art d’illusion vivant et porteur de sens historique et émotionnel.

Auteur de l'article

Olivier Olgan

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