En deux claques, Bertrand de Roffignac donne corps à son théâtre de la démesure et de la faim

L’Alphabet des Providences de Bertrand Roffignac photo Christophe Raynaud de Lage

A la limite des genres et du goût, ce “théâtre de la faim” – faim de mondes, de fictions, de corps, les deux claques successives dans la même soirée n’ont pas laissé indemne Olivier Olgan.

En dynamitant tous les cadres narratifs et esthétiques pour mieux interroger ce qui nous dévore, toute lucidité et patience sont à leur tour fondues dans cette prise de risque jubilatoire.

La vie révée des philosophes, d’Yves Cusset (Funambule Montmartre)

Mettre la philosophie sur scène, et en faire une matière à rire autant qu’à réflechir, telle est la vocation plutôt joyeuse et communicative d’Yves Cusset. Et cela marche !

« La philosophie est une sorte de folie communicable et communicative qui donne à penser ».

Dans La vie rêvée des philosophes au Funambule Montmartre, Yves Cusset compose une galerie de « super‑héros de la philosophie », de Platon à Arendt, en passant par Bergson et Bernard Henri-Lévy dont il brise l’aura académique avec toutes sortes d’anecdotes et de calenbourgs caustiques pour mieux les rendre à notre inquiétude contemporaine.

La langue bondit, bifurque, prend le public en otage : conférence gesticulée, stand‑up métaphysique, jeu clownesque, tout concourt à faire de la pensée un corps en déséquilibre.​

La vie privée des philosophes d’ Yves Cusset et Emmanuel Lortet au Funambule Montmartre photo DR

Faut‑il faire rire pour entraîner le public ? Cusset répond avec son compère Emmanuel Lortet par la pratique : « le rire a le merveilleux pouvoir de susciter de la pensée » et devient « une respiration démocratique ». Ici, le gag n’est jamais simple divertissement ; il est ce moment où, comme il le dit, « la situation est désespérée, mais elle n’est pas grave », retournement qui ouvre l’espace critique. Le rire crée la distance nécessaire pour regarder Hegel, Schopenhauer ou soi‑même sans révérence, mais avec une acuité neuve.​

Au terme du spectacle, se dessine un philosophe peu ordinaire : normalien, agrégé, mais décidé à faire du théâtre le lieu où la pensée cesse de dominer pour se partager. Le duo comique invente une forme rare : un divertissement qui nourrit l’esprit, une leçon de philosophie qui refuse toute solennité.

On sort avec l’impression que le rêve des philosophes, ce soir, était surtout de se laisser enfin prendre au sérieux… en riant.

Le Roméo et Juliette de Maud Buquet Kandinsky, laboratoire de la violence collective

Le Roméo et Juliette de Maud Buquet Kandinsky (Théâtre des Gémeaux Parisiens) photo Fabrice Robin

Dans ce Roméo et Juliette au Théâtre des Gémeaux Parisiens jusqu’au 30 mars 2026, Maud Buquet Kandinsky prend Shakespeare à rebours : le mythe romantique souvent aseptisé devient un laboratoire de la violence collective  où chacun alimente le cauchemar dont il se dit victime.
Le conte en noir et blanc, cruel, tendre et drôle se déplie implacable où chaque coup devient stratégique comme au jeu d’échecs. Le chœur familial se mue en meute, la satire affleure sous la bluette mettant à nu la machine sociale qui broie deux enfants. ​

Lire plus par Olivier Olgan

Magellan, d’après Stefan Zweig, écrit par Thibaut Large et Aurélien Pornet

Alors que le film Magellan, de Lav Diaz avec Gael García Bernal, vient de sortir et qu’une exposition a lieu au Musée de la Marine (> 1er mars), le Funambule Théâtre propose une adaptation théâtrale de cette épopée épique et dramatique.

Un vrai travail de recherche historique a été entrepris qui enrichi la pièce.

« Ainsi, notre adaptation de Magellan ne se limite pas à raconter une histoire ; elle vise à créer un univers riche, où chaque élément, des décors aux dialogues, est imprégné de l’authenticité historique et de l’inspiration artistique qui nous a amené à vouloir écrire cette pièce »

Disons-le déjà, cette pièce m’a littéralement enthousiasmée.

La compagnie 1123 nous propose un Magellan, réaliste, vivant, vibrant, adapté du roman de Stefan Zweig par Thibaut Large et Aurélien Pornet. Sur la scène, quelques caisses de bois, au fond, un mat avec une voile. La création sonore ssu du documentaire (L’Incroyable périple de Magellan,  de François de Riberolles, 2022) en collaboration avec Arte apporte un réalisme supplémentaire à la mise en scène dynamique de Claire Boust

Nous sommes bien sur un bateau, une des 5 embarcations avec au total 237 hommes, qui avaient pour mission de faire le tour du monde et d’atteindre les « îles aux épices », (Les Moluques) où dix ans auparavant, par la route de l’Océan Indien, les Portugais ont accosté. Or, en juin 1494, le Traité de Tordesillas, signé par le Pape Alexandre VI, coupe le monde en deux parties : une portugaise, une espagnole. À qui vont donc revenir ces îles ?
Parti en 1519 Fernão de Magalhães, (Magellan) portugais d’origine, a fait allégeance au Roi d’Espagne Charles Quint. C’est donc pour la couronne espagnole qu’il navigue.

Magellan, d’après Stefan Zweig, écrit par Thibaut Large et Aurélien Pornet photo Mathis Chaney

Si les informations concernant ce voyage épique sont parvenues jusqu’à nous, on le doit à Antonio Pigafetta, un jeune italien cultivé, qui consigna avec précision les événements parvenus sur le bateau et le rôle de Magellan, personnage dur, sans pitié, qui ne renonce jamais. Parti avec des cartes fausses, il trouvera pourtant ce fameux passage en Amérique du Sud – qui porte désormais son nom et qui ouvre la route du Pacifique- mais à quel prix : mutineries, famine…

Les cinq comédiens – Etienne Destombes, Alexandre Dissoubray, Thibaut Large, Grégory Mitchell et Aurélien Pornet – sont tous formidables. Le soir de ma venue, Mourad Abed-Aiad avait repris avec brio au pied levé le rôle de Magellan.

Ce théâtre d’aventure, revendiqué par la troupe est vivant, cinématographique

« Nous souhaitons restituer non seulement la beauté de l’écriture de Zweig mais aussi son message universel : celui d’«un homme qui, avec sa petite vie périssable a fait de ce qui a paru un rêve à des centaines de générations, une réalité et une vérité impérissable». Cette épopée résonne avec les enjeux d’aujourd’hui, notamment environnementaux, tout en célébrant la découverte et l’ouverture culturelle. »

Ce Magellan mérite d’être prolongé au Funambule ou ailleurs. Patricia de Figueiredo

Pourquoi je n‘ai jamais été heureux en amour, de et par Patrick Massiah

Pourquoi je n’ai jamais été de P Massiah (Théatre du Roi René) photo Elisa Massiah

Patrick Massiah comme dans ses précédents spectacles – W de Georges Perec, Monsieur Butterfly d’Howard Buten ou Maman revient pauvre orphelin de Jean-Claude Grumberg – nous invite à partager dans son nouveau spectacle qu’il a écrit, ses thèmes de prédilection que sont la mémoire et la famille.

Seul en scène pendant une heure quinze, Patrick Massiah conte ses premiers émois amoureux, ses premiers chagrins d’amour quand enfant il en pinçait pour sa petite camarade de classe, puis l’adolescence, l’âge adulte avec ses coups de foudres, ses ruptures.

Tantôt émouvant, tantôt drôle, le comédien dans son « autofiction où il y a fiction dedans » comme il l’indique à la fin du spectacle nous embarque dans son univers.

Une douce musique de l’enfance avec ces premiers émois, ces déceptions. L’enfant juif né au Maroc, déraciné pour Montpellier, la vie chez ses grands-parents, le syndrome de l’abandon ressenti par l’éloignement de sa mère. Autant de pierres qui façonnent toute une vie.

Une histoire personnelle et pourtant si universelle que je vous invite à aller partager dans ce petit théâtre du 11^e arrondissement. PdF

Arletty, un cœur très occupé, de Jean-Luc Voulfow (Scène Parisienne)

Pendant la seconde guerre mondiale, la célèbre comédienne Arletty a entretenue une relation passionnée avec un officier allemand, Hans Jürgen Soehring, qu’elle surnommait « Faune », ce qui lui aura valu, au sortir de la guerre, d’être interrogée et emprisonnée quelques jours.

La confrontation avec Arletty et le journaliste dans Arletty, un cœur très occupé, de Jean-Luc Voulfow (Scène Parisienne) photo DR

De 1941 jusqu’à la fin de leur relation, les deux amants ont entretenu une correspondance qui sert de base à la pièce de Jean-Luc Voulfow . Nous sommes en 1970, un jeune journaliste vient chez Arletty pour l’interviewer.
La conversation prend un tour qu’elle n’attendait pas, vers cette correspondance, symbole de la passion qui a lié ses deux êtres malgré leurs différences, malgré la guerre et le jugement des autres.

Loin de tout manicheisme, Jean-Luc Voulfow a le mérite de mettre en lumière cette passion, les lettres parlent d’amours, de désirs, de corps enfiévrés et de nous offrir de jolis moments de sensibilité. La guerre et ses horreurs sont loin pour les deux amants qui semblent vivre dans une bulle.

Arletty un cœur très occupé réhabilite la femme amoureuse, une femme libre qui se jouait des convenances.

François Nambot, touchant, dans le rôle du journaliste, assume aussi une mise en scène classique. Quant à Béatrice Constantini, elle interprète avec panache une Arletty pleine de verve, dont elle restitue la gouaille. Patricia de Figueiredo

Cyrano(s), Nous sommes tous Cyrano ! d’après Rostand par Les Moutons Noirs (Lucernaire)

Sans complexe mais c’est leur marque de fabrique, Les Moutons Noirs revisitent Rostand avec une verve contagieuse. Leur Cyrano(s) est moins une adaptation très ramassée autour des morceaux de bravoure de Cyrano qu’une explosion jubilatoire de fragments, un hommage éclaté à ce panache universel qui nous rend tous un peu Cyrano.

Cyrano(s), Nous sommes tous Cyrano ! d’après Rostand par Les Moutons Noirs (Lucernaire) photo Les Moutons Noirs

Sur scène, cinq comédiens (deux distributions en alternance) incarnent tour à tour le héros, Roxane, Christian, ou le chœur du public : l’identité devient fluide, collective, et le nez – symbole du complexe et du courage – passe de visage en visage, comme un flambeau ou une renaissance convaincus que « Cyrano, c’est celui qui ose dire ce que nous taisons ».

Chaque comédien devient un fragment du personnage : cinq Cyrano(s) pour mieux dire l’universalité du mythe. Et c’est contagieux !

Le souffle de Rostand réinventé

Qui peut parler de trahison ? Les Moutons Noirs désossent « le nez » qui de fêlures et félures révéle notre humanité. Les tirades mythiques, réécrites ou chantées, conservent leur musique tout en gagnant une ironie douce-amère. Derrière la virtuosité verbale affleure une émotion très contemporaine : celle d’individus fragiles, mal à l’aise avec eux-mêmes mais brûlants de sincérité.

Chaque acte commence avec une confession d’un acteur sur leur complexe intime : trop gros, trop timide, trop de soif de reconnaissance… La mise en scène, vive et inventive, quelques accessoires sans décor fixe, mise sur le corps, la gestuelle et le rythme scénique — un combat d’esprit autant qu’une danse collective.

Nous sommes tous des Cyrano, polus ou moins en puissance

Le pari est tenu : chaque spectateur repart en se découvrant son panache invisible, cette bravoure du verbe face aux blessures ordinaires. La troupe affirme une humanité partagée : celle qui aime sans oser, qui brille dans l’ombre.

La réussite des Moutons Noirs est de faire de Cyrano un miroir, et réveiller en chacun de nous la la fièvre du verbe et la beauté du manque. Plutot fort comme résolution pour cette nouvelle année!

La Fille d’Ipanema, de et par Suzanne Legrand (Théâtre de la Huchette)

Elle donne beaucoup d’elle-même dans ce spectacle emballée comme un ryhme de Salsa!

Avant le lever de rideau, elle distribue des bracelets bréziliens, en cours de spectacle elle invite les spectateurs à danser avec elle ! Sans oublier une furieuse Samba en cloture ! Suzanne Legrand emporte tout sur son passage avec La Fille d’Ipanema, monologue incandescent où le sable chaud de Rio se mêle aux cicatrices d’une enfance cabossée.

Suzanne Legrand est La Fille d’Ipanema (Théâtre de la Huchette) photo Fabienne Rappeneau

En chemise blanche et jean, l’artiste passe d’un éclat de rire à une confession bouleversante avec une aisance déconcertante. On croit d’abord assister à une fantaisie tropicale – rythmes de bossa, volutes de samba, une voix qui ondule comme la mer – avant que le texte ne révèle, par touches successives, un drame familial enfoui.

Transformer le cliché solaire en territoire de mémoire

Dans un décor de fleurs en toile, Suzanne Legrand transforme la scène en plage intérieure au sens propre et figuré, où chaque souvenir danse et brûle à la fois. Son jeu, d’une intensité vive, toujours souriant, ne cherche jamais le pathos : il conjugue la gravité du souvenir et l’insouciance du mouvement. Là réside la force de cette « fille » pas banal : concilier la chaleur sensuelle du Brésil et la mélancolie tendre d’un passé qu’on tente d’apprivoiser. Les chansons, tour à tour rieuses et nostalgiques, servent de passerelle entre deux continents émotionnels – celui du rythme, celui du manque. Du début à la fin, « la fille » tente de cerner cette ‘saudade » brézilienne, cocktail de nostalgie, de mélancolie et d´envie impossible à traduire en français.

La maîtrise du contraste de la « saudade ». Dépasser le pathétique, par le rythme

Spectacle solaire, profondément humain, La Fille d’Ipanema rappelle que la lumière la plus éclatante peut surgir des ombres les plus intimes. L’autrice-interprète s’y engage corps et voix, oscillant entre la performance musicale et le récit d’une filiation abîmée.

Un petit bijou de résilience et d’allégresse, aussi fiévreux qu’une samba à la tombée du jour. Loin des clichés de tour operator.

Les Enfants du Diable, de et avec Clémence Baron et Antoine Cafaro (Studio Hebertot)

Qui se souvient des enfants abandonnés dans les orphelinats d’État surpeuplés de Ceausescu et de ce qu’ils sont devenus ?

Les quelques images qui ouvrent Les Enfants du Diable sont terribles : enfants décharnés, livrés à eux même dans la crasse… Découverts après la chute du régime en 1989, le choc avait été mondial.

Clémence Baron et Antoine Cafaro sont Les Enfants du Diable (Studio Hebertot)

Basé sur des faits réels, le récit de Clémence Baron transforme la plaie familiale – une sœur et un frère libérés de cet enfer – en matière théâtrale, et la mémoire en champ de bataille poétique.
L’ histoire de deux destins, l’une adoptée en France, l’autre Antoine Cafaro resté auprès de sa mère et sa soeur, est tissée dans les zones sombres d’une filiation étouffante. L’autrice et metteuse en scène refuse la posture de victime : elle choisit la clarté, parfois crue, d’un théâtre qui libère au lieu d’accuser. Et un devoir de mémoire sur les exactions d’une dictature imbécile.

D’une densité quais suffocante

Le spectacle interroge l’héritage du mal – un père fantasmé, une génération marquée par la faute (partir ou pas) – mais réussit par le talent des deux acteurs à déjouer par l’amour toute lourdeur. Baron met à distance la tragédie familiale par une écriture nerveuse, souvent ironique, qui déconstruit les pesanteurs et fait éclater la fatalité. En renouant ensemble, le duo réinvente la fraternité comme un espace de résistance au désespoir.

Ce qui aurait pu n’être qu’un règlement de comptes impossible contre l’Histoire, le destin, les douleurs, se mue en parcours de réconciliation

La mise en scène, sobre et tendue, laisse les corps parler

La lumière en clair-obsur, les silences millimètrés même agissent comme autant de respirations dans cette plongée incandescente. Clémence Baron s’impose ici comme une dramaturge de la réinvention : elle balaie le poids de l’histoire non en l’oubliant, mais en le rejouant jusqu’à l’épuiser.

Les Enfants du Diable bouleverse par ce geste de transfiguration – une catharsis sans pathos, d’une intensité qui s’imprime longtemps après la tombée du rideau.

« Se balancer c’est rester en mouvement, rester en mouvement c’est vivre ».

Les travailleurs de la mer, de Hugo, incarné par Elya Birman vous embarque dans une embardée épique inoubliable

Les travailleurs de la mer, de Victor Hugo par et de Elya Birman (Lucernaire) Photo Filip Flatau (4)

Prenant à bras le corps au sens propre et figuré l’épopée hugolienne, Elya Birman, comédien et Clémentine Niewdanski, metteuse en scène se sont saisis en 2024 avec bonheur du roman « Les travailleurs de la mer » de Victor Hugo. Leur spectacle immersif, percutant, âpre et dense est repris au Poche Montparnasse à partir du 15 janvier.

De l’immense hymne à l’océan et ses tourments, le seul-en-scène se concentre sur le combat épique de Gillian contre une nature déchainée et un animal des abimes pour sauver une épave improbable. Au plus près du souffle du texte, laissez-vous prendre par le souffle de cette embardée lyrique inoubliable !

Le Joueur d’échecs, de Stefan Zweig, par Gilbert Ponté, un précipité de théatre humaniste

Gilbert Ponté réussit un joli tour de force dramatique seul en scène pour donne vie et sens au joueur d’échec, de Stefan Sweig (Théâtre de l’Essaion) Photo Tatia Chitishvili

De la longue et émouvante nouvelle de Stefan Zweig, qui croque la confrontation d’un champion du monde d’échecs arrogant face à un mystérieux docteur, Gilbert Ponté fait le pari d’être seul en scène pour capter l’imagination du spectateur par la force du verbe et le jeu du corps.

Par ce retour aux sources de l’art dramatique, loin de tout artifice, Le Joueur d’échecs, magistrale métaphore de la puissance d’un pouvoir totalitaire sur nos identités, devient un magnifique précipité du théâtre et de l’art de partager un récit.

Bonne nouvelle le triomphe de 2023 est repris au Théâtre de l’Essaïon jusqu’au 30 mars 2026.

Jean Zay, l’homme complet, de et avec Xavier Béja, l’humanisme d’une conscience exemplaire

Xavier Béja incarne Jean Zay, un homme complet,, Théâtre Essaïon Photo David Ruellan

Depuis le 80e anniversaire de la mort de Jean Zay (1904-1944), le comédien Xavier Béja brosse et incarne avec incandescence le visionnaire qu’était l’ancien ministre de l’Éducation nationale et des Beaux-Arts du Front populaire. Ce seul-en-scène poignant s’inspire des « Souvenirs et solitude » écrit par Zay pendant son incarcération de quatre années à la prison de Riom, condamné à la déportation par le régime pétainiste.

La mise en scène très immersive de Michel Cochet renforce le tragique d’un destin brisé pour ses idées, mais lumineux par l’humanisme d’une conscience exemplaire.

Le spectacle bouleversant se réinstalle à l’Essaïon jusqu’au 7 avril 2026.

Lire plus par Patricia de Figueiredo