Valeur ajoutée et ambition de son interprétation

Eugénie Lefebvre, soprano baroque photo DR

Formée au Centre de Musique Baroque de Versailles puis à la Guildhall School à Londres, Eugénie Lefebvre revendique une approche à la fois informée et profondément incarnée du répertoire. Son chant s’ancre dans la prosodie française, dans l’articulation fine du texte, tout en refusant la neutralité décorative parfois associée au « baroque bien élevé ».

Elle se situe au point d’équilibre entre recherche stylistique (ornementation, couleur de timbre, travail sur les consonnes) et intensité dramatique, portée par des collaborations avec des ensembles comme Le Poème Harmonique, Les Arts Florissants, Pygmalion, Correspondances ou Le Concert d’Astrée.

Faire « entrer dans l’antre de Médée »

À travers Médée, la soprano pousse cette logique à son point extrême : donner à entendre le baroque comme un théâtre de corps et de nerfs, non comme un objet de musée. On la sent prête à risquer la laideur momentanée du son pour atteindre une vérité de personnage.
Elle insiste sur l’idée de nous faire « entrer dans l’antre de Médée » et d’en traverser les métamorphoses lyriques et théâtrales. On pourrait résumer son ambition ainsi : « ne pas raconter Médée de l’extérieur, mais la laisser parler depuis l’intérieur de ses ténèbres ».

« J’ai aussi aimé interpréter Médée en la rendant fragile, confiante, désespérément amoureuse, mais aussi méfiante, blessée, outrée, impavide et résolue. » voir Carnet de lecture infra

D’un spectacle et d’un disque à l’autre : une artiste de la métamorphose

Ce cd récital n’arrive pas ex nihilo : il prolonge un parcours qui l’a vue incarner ou approcher Médée et ses sœurs d’ombre dans plusieurs répertoires – de Teseo de Haendel à Médée de Charpentier, en passant par Charpentier, Lully, Rameau ou Caldara.

La co-directrice artistique de l’ensemble l’Escadron volant de la Reine s’est construite dans le frottement entre rôles de cour et figures liminaires : Nerone ou Valetto chez Monteverdi, Armida chez Haendel, Aréthuse chez Charpentier, qui lui offrent à chaque fois un laboratoire de changement d’état, de glissements de registre, de tension entre séduction et menace.

De production en production, elle déplace légèrement le curseur

Ici plus de rectitude stylistique, là davantage de risque dramatique, ailleurs encore une attention accrue à la dimension chorale ou à la dramaturgie d’ensemble (La Descente d’Orphée aux Enfers, Le Bourgeois gentilhomme avec La Rêveuse).

Le disque Médée condense cette expérience : en l’absence de scénographie, tout doit passer par la couleur vocale, la relation aux instruments, la construction d’un arc dramatique sur la durée du programme.

Ce n’est plus seulement une interprète que l’on écoute, mais une metteuse en scène de la voix, qui assume la direction artistique du projet et choisit son cercle d’instrumentistes comme une troupe.

Le tremplin d’une formation baroque

Si Eugénie Lefebvre possède une telle plasticité, c’est que sa formation est, en elle-même, un manifeste. Le Centre de Musique Baroque de Versailles lui a donné les outils : connaissance des sources, pratique de la langue, travail sur la danse des phrasés, familiarité avec les styles français et italiens. La Guildhall School à Londres lui a apporté le frottement international, la confrontation aux esthétiques anglo-saxonnes, la fréquentation d’orchestres et de chefs pour lesquels le baroque se pense déjà en dialogue avec d’autres répertoires. De cette double matrice, elle tire un profil singulier : assez rigoureuse pour dialoguer d’égal à égal avec les ensembles les plus exigeants, assez libre pour s’en affranchir et inventer des projets à sa main.

Les concours qu’elle a remportés – Froville, Corneille – valident cette singularité : ils la repèrent moins comme « belle voix baroque » que comme personnalité dramatique capable de porter un projet d’opéra ou de récital.

C’est précisément ce que « Médée, Fille des enfers » donne aujourd’hui à voir et à entendre : le moment où une interprète, forte de son outillage baroque, décide de transformer ce capital en écriture de soi, en geste artistique autonome.

Le Carnet de lecture d’Eugénie Lefebvre

J’aimerais parler de mon Nord-Pas-de-Calais natal.

De Lille, où je suis née, au village des Moëres de mes grands-parents maternels, jusqu’à Wimereux, dans le 62, où mes grands-parents paternels habitaient.
Les souvenirs sont nombreux : les estaminets dans les Flandres, les bals où mes oncles jouaient et chantaient, les défilés des géants, la carbonade flamande de mon père, la braderie de Lille qui marquait la rentrée des classes, les moules-frites, jouer dans les champs de betteraves, chercher des fossiles sur les plages de la Côte d’Opale, aller faire le plein d’essence en Belgique car c’était moins cher, apprendre très jeune que Lille se dit « Rijsel » en flamand — « au cas où tu serais perdue », me disait ma mère.

Par le plus grand des hasards, c’est l’année où j’ai quitté Lille, à 21 ans, que le film « Bienvenue chez les Ch’tis » est sorti. J’ai ri et pleuré en le regardant, car je suis très attachée à ma région, et ce film est un bel hommage.

Dans le même genre, le film En fanfare, en 2025, m’a émue : il m’a replongée dans des souvenirs, des moments de vie, une atmosphère familière.

Toute mon enfance et mon adolescence dans le Nord ont également été nourries de découvertes culturelles : expositions, spectacles de danse contemporaine, de théâtre, de clown, de cirque, concerts de musique actuelle, classique, bals.

Mes parents travaillaient dans ce milieu : mon père était pianiste pour des compagnies de théâtre et de clown, mais aussi régisseur par moments à l’Atelier lyrique de Tourcoing ; ma mère travaillait du côté administratif et de la direction pour des salles de théâtre puis de musique actuelle.

Ils m’emmenaient voir tout ce qu’ils pouvaient.

Je me souviens qu’adolescente, je voulais regarder la trilogie du samedi soir, et au lieu de ça on me forçait à aller voir des spectacles : Les Ballets C de la B, Anne Teresa De Keersmaeker, Abel et Gordon, Jos Houben… J’étais contrariée en y allant de rater mes séries, et si heureuse en revenant, si remplie de nouvelles choses.

J’ai aussi des souvenirs de concerts variés : Don Giovanni de Mozart à l’Atelier lyrique de Tourcoing, Alain Bashung à l’Aéronef, Manu Chao à La Condition publique de Roubaix, Björk au Colisée de Roubaix.

D’aussi loin que je me souvienne, j’allais voir des opéras et annonçais vouloir être chanteuse lyrique.

Je faisais partie de la Maîtrise boréale de Lille et j’avais 11 ans quand nous avons eu la chance de reprendre l’opéra Brundibár de Hans Krása (créé en 1938), dans la mise en scène de Charlotte Nessi. Tout en découvrant l’histoire de cet opéra, on nous raconta aussi le contexte de sa création et des représentations données dans les camps de concentration.

La même année que notre spectacle, en 1997, sortait le film « La vie est belle » de Roberto Benigni. Avant notre première de Brundibár, on nous emmena, avec toute la Maîtrise, voir le film au cinéma. L’émotion fut énorme pour nous tous et nous prenions la mesure de ce que nous allions jouer sur scène.

Une autre grande rencontre musicale a été avec La Passion selon saint Jean de Jean-Sébastien Bach.

La première fois que j’ai entendu cette œuvre, qu’un ami de la Maîtrise me faisait découvrir, j’en oubliais de manger et elle me hanta pendant des jours.

Quand j’appris, quelques années plus tard, que Peter Schreier faisait une tournée avec son continuo et ses solistes dans toute l’Europe, se rattachant à des chœurs amateurs ou non afin de donner la Saint Jean, je fis des pieds et des mains pour intégrer le Chœur régional de Lille, chœur amateur d’adultes, pour ces deux concerts.
J’avais alors 17 ans. Je passai une audition pour le chef de chœur, achetai ma première partition, édition Bärenreiter, et travaillai comme une dingue pour être prête. La première répétition avec Peter Schreier fut marquante. Il faisait tout ! Il chantait l’évangéliste par cœur, dirigeait et nous donnait toutes les indications sans partition ; il connaissait même les numéros de mesures de l’édition Bärenreiter par cœur !

À chaque fois que je refais cette œuvre, cela réactive tous ces souvenirs.

Avec l’ensemble l’Escadron volant de la Reine, dont je suis co-directrice artistique, nous créons d’ailleurs une Saint Jean en 2027. La première particularité de cette création sera que nous intégrerons le rôle de la Fille de Sion avec des extraits de la Brockes Passion de Haendel ; la seconde est que, comme tout programme à l’Escadron, nous ferons cette œuvre sans chef !

Trois semaines après mon arrivée au Centre de musique baroque de Versailles, nous donnions un concert dans les Grandes Écuries de Versailles : des extraits d’Amadis de Lully avec Véronique Gens, sous la direction d’Olivier Schneebeli.
Nous étions tous subjugués par la force de cette musique, des interprètes et de notre chef et maître, Olivier Schneebeli.
Ce concert reste gravé en moi ; il fait partie des moments fondateurs de ma vie d’artiste.

Au fil de mes études et de mes premiers contrats, je rencontrais beaucoup de « baroqueux ».

Ce milieu étant à ce moment-là en plein foisonnement, beaucoup d’ensembles se créaient. C’est ainsi que j’ai intégré Les Surprises, de Juliette Guignard et Louis-Noël Bestion de Camboulas ; l’Escadron volant de la Reine, créé par Josèphe Cottet, Antoine Touche et Clément Geoffroy ; et l’ensemble Léviathan de Lucile Tessier.

Avec l’ensemble Les Surprises, qui fête ses 15 ans cette année, c’est un long compagnonnage dont je suis très fière et heureuse. C’est un ensemble qui allie qualité musicale, amicale et humaine, dans une ambiance détendue et joyeuse.

En témoigne le teaser du spectacle Didon et Énée que nous tournons cette année, dans une mise en scène de Pierre Lebon.

La rencontre avec les membres de l’Escadron volant de la Reine a été fascinante, du fait des tempéraments des membres de l’ensemble, tant humains que musicaux, mais aussi de la manière de travailler, inédite pour moi.

Il n’y a pas de chef dans cet ensemble et, de fait, beaucoup (beaucoup !) de discussions, des choix faits de concert, des essais musicaux dans un sens puis dans l’autre, pour un résultat étonnant et vivant qui me sidère encore aujourd’hui tant l’écoute et la transmission sont présentes.

J’ai intégré, au bout d’un moment, la codirection artistique de l’ensemble et y apprends les rouages du fonctionnement d’une structure musicale, tant dans l’administration que la production, la recherche de partitions, le recrutement, les dossiers de subvention, etc.

Avec l’ensemble Léviathan et Lucile Tessier, j’ai découvert la musique anglaise, dont les mad songs. Cette folie extravertie présente sur scène dans une Angleterre très puritaine est un mélange intéressant, audacieux et parfait pour l’expérimentation des vocalités.

Nous avons quelque part créé, avec Lucile et son ensemble, un laboratoire des expressions de la folie. Cela me fait penser à la chanson de la recette du pudding à l’arsenic dans le film d’animation Astérix et Cléopâtre !

Dans ce laboratoire, on tente des choses : un peu de poivre en grain, de sucre en poudre, un quartier d’orange, et surtout, un peu de vitriol… pour que tout cela soit bien explosif !

Le pudding à l’Arsenic !

J’en viens au disque Médée, fille des Enfers.

Avec tout ce bagage musical, amical, expérimental, j’ai voulu créer un programme autour de la figure mythologique de Médée.
Je savais qu’avec elle, on ne s’ennuierait pas ! J’étais étonnée de voir si peu d’opéras baroques où elle était présente.
On connaît surtout le Médée de Charpentier. Elle apparaît également dans Il Giasone de Cavalli, Thésée de Lully, Teseo de Haendel. J’ai donc entrepris des recherches et ai trouvé beaucoup de sources d’opéras où figure Médée.

Après tout un travail de lecture, de réécriture en partition moderne, de correction des fautes des manuscrits et fac-similés, d’agencement des pièces et des textes que je voulais ajouter, j’en suis arrivée à ce programme de disque : un pasticcio baroque et lyrique.

J’ai aimé ce travail de recherche, la découverte de toute cette musique encore inédite !

La sensation, en déchiffrant les pièces est indescriptible, surtout lorsque l’on trouve une pépite : des fourmillements dans les mains, des étincelles dans les yeux, un sourire au coin des lèvres, comme des papillons dans le ventre ; et de là, on joue et rejoue la pièce avec cette sensation d’être un archéologue découvrant un vieux tombeau. C’est assez addictif.

J’ai aussi aimé interpréter Médée en la rendant fragile, confiante, désespérément amoureuse, mais aussi méfiante, blessée, outrée, impavide et résolue.

Teaser du disque Médée, filles des Enfers – Triforme Dea, Jason de Johann Sigismund Kusser

Je finirai ce carnet de lecture par quelques livres et podcasts, lus et entendus ces dernières années, qui m’ont nourrie et qui ont créé de nouvelles ramifications dans le grand arbre intérieur de mes connaissances et de mes réflexions.

La chair est triste d’Ovidie, Sorcières de Mona Chollet, Un corps à soi de Camille Froidevaux-Metterie, toutes les BD de Liv Strömquist, Révolution amoureuse de Coral Herrera Gómez, La plus que vive de Christian Bobin.

Tous les podcasts de Victoire Tuaillon, Un podcast à soi sur Arte Radio, LSD sur France Culture, La Dernière sur Radio Nova.

Auteur de l'article

Olivier Olgan

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