Culture

Quand la graine contredit l’œuf : Patrick Roger X Marie Laure Viébel

Publié par Olivier Olgan le 10 avril 2026

« Des œufs et des graines » oppose deux obsessions sculpturales qui prennent Pâques à rebrousse‑poil et le dépassent : l’œuf comme tension explosive de matière chez Patrick Roger, la graine comme relique sacrée et politique chez Marie‑Laure Viébel.
Le fait que cette confrontation ait lieu dans une Chocolaterie place Saint‑Sulpice jusqu’au 31 mai, espace marchand doté d’une caverne de sculptures organiques, redouble la surprise si ce n’est le vertige d’Olivier Olgan. Venu céder à son envie légitime de chocolat, le gourmet se retrouve face à une méditation « corsée » sur la naissance, la fécondité et la prédation humaine.

Plus qu’un « cross‑over » chic, une rencontre de passion et de matière

Le chocolat, matériau périssable travaillé comme le bronze, dialogue avec la plus grosse graine du monde, le coco de mer, sacralisée par la dorure et le verre de Murano.

À l’arrière‑plan, les deux oeuvres appellent tout un pan de sculpture organique – de Brancusi à Giuseppe Penone, d’Anish Kapoor à Louise Bourgeois – qui est convoqué et détourné, dans un lieu dédié à la consommation gourmande.

Patrick Roger x Marie-Laure Viebel, deux dimensions de sculptures organiques (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

L’oeuf comme imaginaire de Patrick Roger (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Patrick Roger : l’œuf comme charge explosive

Plus connu pour ses créations en chocolats, pour Patrick Roger, l’œuf n’a jamais été un motif décoratif mais un volume sous pression, un bloc clos où la matière semble vouloir forcer sa propre coque.

N’oublions que le Maître chocolatier qui se revendique « chocolatier‑sculpteur » exploite la fragilité du chocolat comme un médium de sculpture à part entière, travaillant l’instabilité, les risques d’effondrement, l’excès de dimensions, comme d’autres le font avec le plâtre ou la cire.

Dans « Des œufs et des graines », l’œuf devient un noyau de matière « clos et sous tension », double noir ou patiné des formes premières de Brancusi, mais aussi avatar gourmand et inquiétant des cocons de Louise Bourgeois.

À la manière d’un Penone qui ferait de la fève de cacao son arbre, Patrick Roger questionne la chaîne écologique et industrielle : extraction, transformation, luxe, disparition des ressources.

Ses pièces « monumentalisent » la démesure des appétits contemporains – la sculpture comme symptôme d’une prédation raffinée.

L’oeuf de Patrick Roger au-delà de l’oeuf en chocolat (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Marie‑Laure Viébel : de la graine au sacré politique

Marie‑Laure Viébel arrive par un autre chemin : fascinée par le coco de mer, « la plus grosse graine du monde », elle en fait le noyau d’un cycle de travail intitulé « Graines de vie » depuis 2006. Elle s’inscrit dans une histoire longue des symboles de fécondité : graines, pierres, totems, coco‑fesses, travaillés comme des icônes ou des sarcophages, recouverts de feuilles d’or selon la technique de la dorure à la détrempe, « la chair des Dieux ».

Pour la sculptrice, l’art « se doit d’alerter, d’inquiéter » : ses graines, métamorphosées en bronze, en verre de Murano ou en enveloppes dorées, « célèbrent le cycle de la vie » autant qu’elles « dénoncent les dangers qui menacent la Nature » et « les effets pervers de l’Homme sur l’environnement ».

Les graines de Marie-Laure Viebel (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Marie-Laure Viébel rejoint ainsi, par d’autres moyens formels, le sillage d’une Ana Mendieta ou d’une Niki de Saint Phalle : le corps, la sexualité, la fertilité, l’écologie y deviennent indissociables d’un geste plastique qui assume frontalement l’ambiguïté érotique du coco‑fesses.

Les graines de Marie-Laure Viebel (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Formes premières et responsabilité

Les deux artistes partent d’une même intuition : œuf et graine sont des formes premières, des « noyaux de monde » qui condensent début et fin, vie potentielle et catastrophe annoncée.
Comme l’énonce le texte autour de l’exposition, « œuf et graine » sont « deux noyaux de matière, clos et sous tension » ; chaque graine « porte en elle le devenir d’un géant », rappelle Viébel, quand l’œuf, chez Roger, semble prêt à exploser sous la pression de la masse chocolatée.

L’oeuf de Patrick Roger un bloc clos où la matière semble vouloir forcer sa propre coque (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Un dialogue entre végétal, animal et humain

Viébel fait de la graine un « avertissement » face aux dérèglements écologiques, Roger, par la matérialité même du cacao, renvoie à l’exploitation des ressources, aux circuits opaques du luxe, à la violence derrière le raffinement.
Ils assumeraient volontiers, chacun à sa façon, une filiation avec un Joseph Beuys pour la dimension rituelle et politique de la matière, ou avec un Penone pour cette obsession des organismes en devenir.

Patrick Roger ou une certaine obsession des organismes en devenir (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Une confrontation de sacré

Là où Viébel élève la graine au rang de relique, « entrant dans le domaine du sacré », Roger installe ses œufs dans un sacré paradoxal, pris en tenaille entre vitrine de boutique et geste sculptural.

Chez Viebel, la dorure, le bronze, le verre de Murano construisent une liturgie de la graine, proche des icônes byzantines ou des reliquaires baroques ; chez Roger, le chocolat assume une matérialité basse, périssable, qui conteste la prétention du luxe à l’éternité.

Les graines de Marie-Laure Viebel (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Leur rapport au temps diverge aussi radicalement

Viébel revendique un « travail lent et méticuleux », avec des pièces pouvant atteindre deux mètres et 800 kilos, pensées pour retourner dans les jardins, au vent, à la pluie, comme des totems écologiques.

Roger, lui, compose avec la temporalité courte de la consommation dans son laboratoire, la saisonnalité (Pâques, printemps), le flux des gourmands, mais aussi du temps long avec des pièces de plusieurs dizaines de mètres, ou de kilos.exécutées dans son atelier où sa créativité ne connait quasi pas de limite physique. Ce qui limite leur transport et leur visibilité. Mais les trésors sont là!

Les sculptures de Patrick Roger (Des oeufs et des graines) photo OOlgan

Ces sculptures existent sur le fil, entre œuvre et produit, dans un théâtre du désir qui rappelle plus Jeff Koons ou Takashi Murakami que la gravité des monuments classiques.

Moins l’image d’un choc que celle d’un pacte fragile.

L’œuf de chocolat, éphémère, et la graine monumentalement préservée se répondent comme deux prophéties de notre époque : avidité et épuisement, mais aussi persistance des forces vitales.

En forçant la boutique à devenir sanctuaire provisoire, Patrick Roger et Marie‑Laure Viébel rappellent que chaque geste de plaisir porte sa part de responsabilité, et que la sculpture, même comestible ou dorée, peut encore ouvrir un territoire d’éveil singulier et partagé plutôt qu’un simple refuge esthétique.

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Ellen Blair, Homemade Undercuts

Ellen Blair, l’une des quatre artistes invités dans le cadre de focus dédié cette année à l’Irlande, a l’œil qui frise quand on lui dit que les photos de personnes queers se faisant couper les cheveux à domicile composant sa série Homemade Undercuts, font penser au travail de Nan Goldin. L’artiste américaine est depuis toujours une référence pour la pétillante photographe irlandaise qui compte bien profiter de son séjour parisien pour aller voir au Grand Palais This Will Not End Well, la première rétrospective en France de ses vidéos et diaporamas.

Ellen Blair, Homemade Undercuts (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

On sent le même désir de capter une intimité, une identité. « C’est une série qui parle d’amitié et d’entraide. Toutes les personnes sur les images appartiennent à ma communauté » confirme la jeune artiste.

Ellen Blair, Homemade Undercuts (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo Ellen Blair
« Nous avons l’habitude de nous couper nous-mêmes les cheveux depuis longtemps. Je prends les photos sur le vif. C’est très spontané ».

Elle se souvient :

« La première fois que je me suis fait couper les cheveux de façon alternative, je me suis sentie moi-même. J’avais l’impression que les gens me voyaient telle que j’étais. Et c’est exactement ce que je veux montrer : le sentiment de se représenter de façon authentique.
Le meilleur moyen d’y parvenir, c’est de le faire soi-même, ou de se faire aider par un proche ».

Autant dire que c’est réussi. À noter qu’un fauteuil de coiffure à l’ancienne ainsi qu’un tableau où sont épinglés des flyers de la communauté queer viennent fort à propos accentuer la touche réaliste.

Marcel Top, Poison Data, Kill Algorithms

Changement d’ambiance pour Poison Data, Kill Algorithms (Empoisonnez les données, tuez les algotithmes) de l’artiste belge Marcel Top, projet qui aurait eu toute sa place dans l’exposition « Le monde selon l’IA » présentée l’an dernier au Jeu de Paume.

Marcel Top, Poison Data, Kill algorithms(Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

Au mur, les images de mannequins affublés de postiches de barbe ou de masques protégeant contre le gaz lacrymogène et les vignettes type, surmontées parfois d’un énigmatique carré rouge, montrant des mouvements suspects en contexte de manifestation, matérialisent une passionnante et vertigineuse recherche sur les technologies de surveillance :

« Ces systèmes sont si puissants que nous avons l’impression d’être impuissants face à eux, confie l’artiste, mais à défaut de remettre la main sur nos données, nous pouvons regagner une forme contrôle ».

En l’occurrence, l’idée a été d’introduire un nouveau motif – un poison – dans les données d’entrainement, un pourcentage infime d’images, de « 0,1 à 0,001% » suffisant à modifier l’algorithme lui-même.

« Sur le papier, ma base de données a l’air d’aider des algorithmes de surveillance dans des contextes de manifestation. Sauf que si les algorithmes l’utilisent pour s’entrainer, ils vont être trompés ».

Le carré rouge désigne les photos sur lesquelles le filtre a été appliqué. Un « Guide pratique pour utiliser et comprendre le Data poisoning » est affiché en vis-à-vis des images. « C’est une dimension que l’on retrouve dans tous mes projets : je veux montrer ce que sont les nouvelles technologies mais aussi aider à les comprendre. En l’occurrence, ce guide peut facilement être imprimé chez soi ».

Maximiliano Tineo, El Rey Blanco

Il était une fois une légende coloniale sud-américaine selon laquelle en remontant un grand fleuve, on atteignait le royaume d’un monarque régnant depuis une montagne d’argent. Une légende dont s’empare le bien nommé El Rey Blanco, autrement dit, « Le roi blanc », de Maximiliano Tineo.

« Ce qui est incroyable, c’est que cette légende est à moitié vraie : la montagne d’argent existait réellement. Une mine a longtemps été en activité. Elle a littéralement vidé le territoire de ses ressources en argent sous la domination espagnole »
explique l’artiste d’origine argentine installé en France depuis quatorze ans.

Maximiliano Tineo, El Rey Blanco (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

Tout aussi incroyable, ce même territoire abrite aujourd’hui le « triangle du lithium » soit « une zone géographique située entre la Bolivie, l’Argentine et le Chili où l’on trouve plus de 70% des réserves mondiales de Lithium ».

Maximiliano Tineo, El Rey Blanco (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

Montagne d’un côté, triangle de l’autre : l’occasion était trop belle.

Maximiliano Tineo, El Rey Blanco (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

Maximiliano Tineo file artistiquement la métaphore à travers une diversité de formes, la photographie bien sûr mais aussi des archives, des sculptures, des installations sonores. « Je commence toujours avec la photo, mais plus le temps passe, plus je ressens le besoin d’avoir en parallèle une pratique au plus près de la matière ».

Pour preuve, des pièces d’argent qu’il a frappées lui-même, une sculpture en pierre au milieu de laquelle passe un filon d’argent qui « a la même forme que le fleuve de la légende », des images habillées de pastilles en argent «qui rappellent la batterie de Lithium mais aussi la puce », ou encore des photos, réalisées en duo avec un ami, faisant appel à la technique du collodion.

« Ce qui est intéressant dans cette technique, c’est que pour reproduire les images, on utilisait du sel d’argent, mais aussi du bromure de lithium, autrement dit les deux métaux au cœur de ce projet ». La boucle est bouclée.

Olia Koval, Eruption

Olia Koval, Eruption (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

Une chambre, une vraie, au coin de mur et au sol éclaboussés de rouge suggérant une scène de crime, une petite table près du lit où sont posés des livres en pile, des photos, une tasse de café vide, et un mot qui commence ainsi :

« Je me suis réveillée au son soudain d’un craquement de bois. En me tournant vers le bruit, je me suis figée de stupeur. La première chose que j’ai vue était un essaim d’insectes surgissant du parquet rouge, d’une couleur vive et agressive »

Eruption, l’installation de l’artiste ukrainienne Olia Koval, fait forte impression.

Olia Koval photo Eruption

Sur un autre pan de mur, une photo montre le visage et le haut du corps de l’artiste à moitié recouverts de punaises. Celles-ci, également appelées punaises de feu, gendarmes ou punaises soldats, sont une métaphore de l’occupation par l’armée russe des territoires ukrainiens. On poursuit la lecture du mot :

« Le nuage d’insectes s’est posé sur les meubles, a rampé sur le papier peint, fouillant partout. L’éruption de dizaines de milliers d’insectes a magnétisé mon regard et paralysé mon corps. Cela ressemblait à une force naturelle, balayant tout sur son passage. Etrangement, je n’avais pas peur. J’avais l’impression que les insectes étaient là depuis le début de la guerre ».

Konstantin Zhukov, Black Carnation Part Three

« Je voulais donner l’idée d’un espace illimité, à perte de vue, à l’image de la plage »

Konstantin Zhukov, Black Carnation Part Three (Circulation(s) 2026, CentQuatre) photo OOlgan

répond Konstantin Zhukov quand on s’étonne devant lui des proportions de Black Carnation Part Three dont les images grand format recouvrent les cimaises du sol au plafond.

Le projet est une réflexion sur l’histoire peu documentée des personnes queers en Lettonie. « C’est fou, à l’inverse, toute la documentation qu’on peut trouver à Londres » : l’artiste, qui vit aujourd’hui entre son pays natal et le Royaume-Uni a vite fait d’établir la comparaison. Le titre du projet fait référence au terme utilisé pour désigner les hommes homosexuels dans la presse lettone avant la Seconde Guerre mondiale.

L’artiste y tend littéralement un miroir au passé : des hommes gays d’aujourd’hui sont photographiés sur une plage à quelques minutes en train de Riga. Les histoires qui ne durent pas plus que le temps d’un orgasme renvoient à toutes celles oubliées du passé, le choix des matériaux – papier journal, tickets de train – en renforçant le caractère éphémère.