Tapiola a cent ans

Sibelius a 61 ans lorsqu’il écrit Tapiola, sa dernière partition alors qu’il lui reste plus de trente ans à vivre ! Le poème symphonique répond à une commande de la New York Symphony Society où l’œuvre sera créée en 1926, il y a tout juste 100 ans ! Le compositeur puise une fois encore aux sources du Kalevala, le livre des mythologies finlandaises où il est question de héros qu’il immortalise à travers sa musique.
Tapiola est le royaume du dieu Tapio, esprit de la forêt dont la barbe est faite de lichen et les sourcils de mousse. Sibelius accompagne sa partition d’un bref poème :

« Là s’étendent du Nord les vieilles forêts sombres / Mystérieuses en leurs songes […] »
pour préciser les éléments du décor : mystère, profondeur et latence sont exprimés  par un court motif obsessionnel empreint de mélancolie.

Thomas Ades, compositeur et chef d’orchestre photo Marco Borggreve

Il circule entre les pupitres, dans le chatoiement des couleurs et les changements d’éclairage avant de se couler dans la dramaturgie sans disparaître pour autant. Sibelius déploie des trésors de finesse pour générer le mouvement (s’entendent des échos de La Mer de Debussy), créer l’espace et maintenir la tension de l’écoute dans l’économie du matériau

un chef d’œuvre de la maturité du Finlandais que nous révèle Thomas Adès à la tête du « Philharmonique » même si la direction très analytique du chef nous prive d’une certaine fluidité et du souffle qu’habite cette musique des grands espaces.

La Symphonie °7 (1923-24)

Donnée en début de seconde partie est de la même facture, aussi mouvante qu’habilement conduite. On ne peut plus concise (à peine 22’), elle est contenue dans un seul mouvement, sur un tempo qui ne cesse de s’accélérer. On ressent chez le compositeur ce même désir de développement/émancipation à partir de quelques éléments de matériau : une gamme montante qui ouvre la symphonie, un profil mélodique stylisé (le melos populaire) qui émaille toute la partition et le choral sonore des trois trombones qui porteront la musique vers un climax d’une extraordinaire flamboyance.

Plus détendu dans son geste au sein d’une partition qui lui est familière, Thomas Adès fait passer le courant à travers les pupitres, donne de la profondeur et de l’envergure au discours et fait chanter les couleurs dans une belle plénitude.

La Genèse en énigmes

Bertrand Chamayou, pianiste photo Marco Borggreve Warner Classics

Bertrand Chamayou est au piano dans In Seven Days du Britannique, une partition de 2008 créée à Londres par Nicolas Hodges et le London Sinfonietta. Elle a fait l’objet de deux gravures, par le dédicataire d’abord puis par Kirill Gerstein avec le Tanglewood Music Center Orchestra.

Le titre évoque la création du monde « en sept jours », sept séquences auxquelles le compositeur donne des titres : le chaos, la lumière et l’obscurité, la séparation des eaux, la terre, l’air, les arbres, etc., des repères visibles sans doute sur la partition que le flux dense et la complexité de l’écriture tendent à effacer. Œuvre orchestrale avec piano principal plus que concerto, In Seven Days ne recherche pas le dialogue ni la fusion des deux partenaires ; bien au contraire, le pianiste joue par intermittence une partie toujours différente de celle de l’orchestre, dans une temporalité autre engendrant des effets de polyrythmie très ligetiens.

Le jeu musclé du pianiste, solidaire de la percussion, semble souvent soumis à la rigueur du canon (par mouvement contraire, en augmentation… ?) comme si Adès refaisait son « Art de la fugue ». C’est d’ailleurs un fugato à quatre voix, entre style sévère et parodie, qui débute l’œuvre, aussitôt perturbé par l’intervention (chaotique) des flûtes dans une autre métrique.

L’hybridation sonore du piano avec les claviers de la percussion, le bicinium étrange du pianiste sur le ramage lumineux des deux piccolos sont autant de trouvailles qui rendent compte d’un imaginaire sonore auquel le compositeur donne libre court.

L’œuvre déconcerte autant qu’elle fascine, Bertrand Chamayou se pliant aux exigences de l’écriture et tenant tête à l’orchestre avec l’autorité magistrale d’un jeu à toute épreuve.

Mouvement ascensionnel très spectaculaire, Aquifer

« Poche d’eau sous la terre qui peut jaillir à tout instant », la seconde pièce d’Adès, est une partition récente (2024), articulée, là-encore, en sept sections enchaînées et convoquant rien moins que sept percussionnistes. D’une virtuosité orchestrale à la Strauss, la pièce alterne moments vifs et éruptifs et séquences plus lentes mais non moins mouvantes. L’orchestre chauffé à blanc porte cette spirale ascendante vers le jaillissement qu’un grand hochet rehausse de ses manifestations bruyantes.

De quoi terminer la soirée en apothéose !

Auteur de l'article

Michele Tosi

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