De l’obésité de la 61^e édition et l’impossible défi d’en rendre compte

Dans le monde troublé actuel, on ne peut que se réjouir de la profusion des propositions culturelles. Mais l’obésité, cette forme paradoxale de surproduction pose question alors même que la 61ème version de la biennale de Venise, s’intitule « In Minor Keys »,.

Avec les guerres USA/Iran et Russie/Ukraine et leur impact sur les annulations de vols, constater qu’une horde de professionnels du monde entier (presque 28.000 en quatre jours d’ouverture selon la Biennale) se sont précipités, quite à mettre plus d’une heure pour entrer et de devoir faire de nouvelles queues pour pénétrer dans certains pavillons : le 6 mai, il fallait compter jusqu’à 4 heures pour arriver aux aquariums autrichiens !

L’imperturbable attrait du monde de l’art réjouit mais interroge aussi sur le bien-fondé d’une telle « messe » et « masse.

Peter Buggenhout, sculptures, Fondazione Dries Van Noten, Palazzo PIsani Moretta photo Marc Pottier

Qui a vu ou verra tous les 100 pavillons étrangers dans et hors des Giardini ?

Qui pourra se faire une bonne idée des ribambelles d’artistes présentés à l’Arsenale, le  pavillon principal avec 111 artistes, la plétore d’expositions conséquentes parallèles ?
Entre autres : au Palazzo Grassi (Michael Armitage et Amar Kanwar), Ponta da Dogana (Lorna Simpson et Paulo Nazareth), Academia (Marina Abramovic), l’exposition monumentale qui transforme le Palazzo Manfrin, siège de la fondation d’Anish Kapoor, en une immense méditation sur la sculpture et l’architecture, réunissant près d’une centaine de maquettes et d’œuvres XXL, Fondazione Prada (Arthur Jafa et Richard Prince), Le nouveau projet vénitien de la collectionneuse Patrizia Sandretto Re Rebaudengo à Isola di San Giacomo, la Fondazione Dries Van Noten au Palazzo Pisani, Palazzo Diedo-Instituto Berggruen arts & culture (en plus de la Casa dei Tre Oci  à la Giudecca, siège européen du Berggruen Institute), Ocean Space de TBA21…museo Correr (Julian Charrière), Le SMAC (San Marco Art Centre), qui accueille deux expositions majeures, une rétrospective de Lee Ufan et une exposition consacrée à Alighiero Boetti….l’Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa présente, elle, l’exposition Picasso, Morandi, Parmiggiani. Still Lifes, sous la direction de Cécile Debray. C’est donc avec la participation exceptionnelle du Musée national Picasso-Paris ..

Depuis Venise, le Palais de Tokyo, avec le Centre Pompidou, invitant l’artiste français Michel Blazy, a lancé la Quinquennale…. tout cela pour ne citer qu’une partie des événements (dommages ?) collatéraux.

Entre l’exposition internationale et les pavillons, selon le décompte du Giornale dell’Arte, on arrive au chiffre de 511 !

The Only True Protest Is Beauty, Fondation Dries Van Noten photo Settimo Cannatella

Impossible de tout lister.

Impossible de tout voir à moins de poser ses valises le temps nécessaire. Mais qui fait cela dans un monde pressé qui zoom avec un agenda où une biennale en chasse une autre ? Nous essayerons donc de faire au mieux dans ce compte rendu pour vous donner quelques directions qui ne pourront être qu’infiniment partielles et subjectives.

Biennale et  une crise politique

Sans vrai ‘pilote dans l’avion’ et la cacophonie du Ministère de la Culture italien et de la direction de la Biennale, la crise politique annoncée a bien eu lieu. Inclure ou non les artistes de pays incriminés tels qu’Israël ou la Russie était, sans surprise, une question posée qui ne datait pas d’hier.

Pourquoi le travail de réflexion n’a-t-il pas été mené en concertation bien à l’avance avec des prises de décisions précises ?  Certes la réponses n’est pas aisée.

Amar Kanwar, The Peacock’s Graveyard, 2023, Pinault Collection. Installation view Amar Kanwar. Co-travellers, 2026 Ph. Marco Cappelletti Studio photo Palazzo Grassi, Pinault Collection

Qui boycotter ?

Vu la cadence actuelle de la montée des totalitarismes et des décisions antidémocratiques (comme par exemple le Sénégal qui est l’un des pays africains à avoir intensifié sa répression en adoptant une nouvelle loi qui durcit les sanctions contre les actes homosexuels, désignés comme « contre-nature »), il faudrait bientôt refuser la participation de trop nombreux pays.

Pourquoi ne pas ‘dépolitiser ‘ et arrêter de prendre en otage les artistes ?

Nous semble-t-il, le débat doit être ouvert et une décision prise, qu’ensuite, elle soit ou non acceptée par tous. Mais cela donnerait une position qui est attendue, aurait peut-être évité les conflits et les fermetures les jours d’une inauguration qui ne devrait qu’être une célébration joyeuse.

A quoi bon une démission spectaculaire ?

Le jury international de la Biennale de Venise a démissionné en bloc le 30 avril, à quelques jours de l’ouverture de l’événement. Voulant s’opposer à la décision de la direction de la Biennale de traiter tous les pays admis sur un pied d’égalité, incluant donc la Russie et Israël. Le jury avait, un peu plus tôt, annoncé son intention d’exclure du palmarès les nations impliquées dans des guerres ou dont les dirigeants sont visés par un mandat d’arrêt de la Cour pénale internationale.

Pour remplacer le jury et pallier le manque de récompenses officielles, les organisateurs ont pris, à notre avis, la pire décision en mettant en place un système de vote du public. Les gagnants seront désignés à l’issue d’une consultation populaire dont les résultats seront annoncés lors de la cérémonie de clôture.

Ce n’est  pas un public de touristes, sans compétence et qui ne visitera jamais la centaine de pavillons, qui pourra pallier au manque de jury. Mauvaise pioche !

Triomphe de l’Afrique avec 13 pavillons officiels

Depuis le début du siècle, les artistes d’Afrique ou d’origine Africaine ont peu à peu pris la lumière et trouvé la place qui leur était due.

Cette biennale prise au sens large montre une sélection remarquable d’artistes matures qui nous offre une grande leçon d’histoire de l’art.

En parlant de l’Afrique, en 1995, seules l’Égypte et l’Afrique du Sud (après les années d’apartheid) représentaient le continent.  Cette année, le nombre a été multiplié par six. Sous l’impulsion de la commissaire suisso-camerounaise Koyo Kouoh, on atteint donc aujourd’hui 13 pavillons officiels : le Cameroun, la République démocratique du Congo, l’Ethiopie, le Maroc, l’Ouganda, le Sénégal, la Tanzanie et le Zimbabwe.

A cet inventaire, il faut ajouter l’Egypte, plusieurs premières participations historiques sont à noter : République de Guinée, Guinée équatoriale, Sierra Leone et Somalie. L’un des axes curatoriaux centraux de Kouoh se déploie à travers des pratiques liées à la diaspora africaine, à l’ascendance, au corps, au temps, à la décomposition, à la mémoire et aux formes de savoir non hégémoniques.

La majorité des expositions sont collectives, réunissant parfois plus d’une dizaine d’artistes, originaires du pays ou non.

Le journaliste Philippe Dagen note :  “L’exposition collective de loin la plus convaincante et cohérente est celle du Congo, « Saisir le feu » … avec l’accrochage des œuvres des neuf artistes.

Parmi eux, Sammy Baloji, également présent dans « In Minor Keys », avec une tapisserie double face imaginant une femme noire en grande tenue aristocratique au XVII^e siècle ; les photographies douloureuses d’Arlette Bashizi enquêtant dans les mines de l’est du Congo ; la peinture à la fumée de kérosène de Géraldine Tobe, qui fait apparaître des esprits inquiétants, elle-même ayant été accusée dans son enfance d’être une sorcière ; ou l’étrange objet de verre de Damso, difficilement définissable, entre reliquaire et symbolique des désastres actuels. »

Deux coups de cœur dans les solo shows  

Michael Armitage

La présence africaine est largement garantie par le brio des expositions parallèles. Un de nos plus grands coup de coeur est l’exposition de l’artiste Michael Armitage né au Keynia (1984-) dont les oeuvres sont présentées au Palazzo Grassi.

Michael Armitage, Dandora (Xala, Musicians), 2022 Pinault Collection Michael Armitage Photo White Cube (David Westwood)

L’artiste montre un ensemble de 45 peintures et plus de 100 études qui révèlent son langage pictural et chromatique exceptionnel, mettant en scène des thèmes violents et durs, considérant que l’art ne peut ignorer la réalité mais doit au contraire s’en emparer: les conséquences des guerres, la corruption et l’instabilité dans des régions équatoriales, la crise migratoire ou encore les abus de pouvoir forment l’arrière-plan de certaines de ses œuvres qui le révèlent comme un des grands peintres de sa génération.

Plusieurs récits, plusieurs lignes d’horizons cohabitent, les espaces réels et fictifs s’enchevêtrent, les versions et les points de vue se superposent. Traitées entre violence et douceur, les compositions de l’artiste, flamboyantes malgré l’âpreté des sujets, permettent à Armitage de donner libre cours à ses visions, paysages habités, voire hallucinés.

Michael Armitage, Don’t Worry There Will Be More, 2024, Pinault Collection Photo : Kerry McFate Courtesy the artist and David Zwirner

Parmi ses motifs, on rencontre des personnages réels et imaginaires, issus aussi bien de la littérature africaine contemporaine que de la mythologie grecque. S’inspirant parfois directement de scènes de films du réalisateur sénégalais Sembène Ousmane (1923-2007), de personnages de romans de l’écrivain kényan Ngugi wa Thiong’o (1938-2025), ou encore de compositions picturales de Francisco de Goya (1746-1828), ou d’artistes africains modernistes tels que Jak Katarikawe (1940-2018) et Peter Mulindwa (1943-2022) parmi d’autres, Armitage condense avec brio ces inspirations dans une forme de synthèse, créant un nouveau voca-bulaire contemporain.

Lorna Simpson

Une autre exposition remarquable de la collection Pinault, réalisée en partenariat avec le Metropolitan Museum of Art de New York, à la Punta della Dogana est celle Lorna Simpson (1960-) artiste américaine de mère Afro-américaine et de père Jamaîcano-Cubain.

Révélée dès le milieu des années 1980 pour son approche novatrice de la photographie conceptuelle, Lorna Simpson n’a cessé d’examiner de manière critique les mécanismes de construction des images. Depuis le milieu des années 2010, la peinture s’est imposée comme un champ d’exploration particulièrement fécond de son travail, à travers lequel elle prolonge et approfondit les grandes questions qui irriguent son œuvre: l’érosion et les résurgences de la mémoire, les failles de la représentation, l’instabilité des récits. L’exposition couvre plus de vingt ans de travail, incluant certaines des toiles réalisées pour sa participation à la Biennale de Venise en 2015, sous le commissariat du, aussi regretté, commissaire nigérien Okwui Enwezor, jusqu’à la présentation de plusieurs œuvres inédites créées spécialement pour cette exposition.

L’exposition est structurée autour de trois ensembles qui articulent le parcours.

Elle s’ouvre sur un premier groupe de compositions traversées de figures énigmatiques, d’échos historiques et de tensions politiques, évoquant les soulèvements et leur répression. Ces œuvres deviennent le théâtre d’environnements inhospitaliers et instables, traversés par des forces diffuses. Elle continue par une série de panoramas arctiques, recréés à partir d’archives d’expéditions, qui se déploient dans des gammes de bleus nocturnes et de gris givrés, conférant à ces paysages sombres une dimension suspendue et irréelle.
Enfin, une galerie de portraits ainsi que d’énigmatiques et majestueuses figures féminines, présentées notamment dans le Cube de Tadao Ando, confrontent le regard à la complexité des identités et à l’ambiguïté de leur représentation.

vue de Lorna Simpson. Third Person, 2026, Punta della Dogana, Venezia. Ph. James Wang photo Palazzo Grassi, Pinault Collection

L’exposition met en lumière toute la richesse d’un langage conceptuel et plastique foisonnant, qui accorde une grande place à l’intuition. L’artiste y explore la mémoire collective, la prégnance des stéréotypes et des mécanismes d’effacement, proposant autant de prismes critiques pour revisiter plus d’un demi-siècle d’histoire.

L’évocation des états de la matière et des phénomènes naturels—eau, feu, glace, poussière, météorites, nuages—y composent un univers instable, propice aux métamorphoses et aux temporalités suspendues.

Lorna Simpson, Woman on a Snowball, 2018 photo Lorna Simpson. Three perspectives on the art of the present’ at Punta della Dogana, 2020 photo Palazzo Grassi, photography Marco Cappelletti

Nous reviendrons plus bas sur l’exposition d’Arthur Jafa (1960-) afro-américain du Mississippi tout comme la participation de l’artiste afro-brésilienne Rosana Paulino (1967-) au Pavillon brésilien.

Notre Lion d’Or : The Ear is the Eye of the Soul 

La thématique de la 61e édition intitulée « In Minor Keys » (En tonalités mineures) est une invitation poétique à la décélération, à l’écoute et à l’introspection face au tumulte du monde. L’expression « In Minor Keys » fait référence aux gammes mineures en musique, historiquement associées à la mélancolie, à la profondeur et à l’intériorité.

Dans une société saturée de bruit, cette édition de la biennale privilégie l’invisible, le rythme lent, l’ancestralité et les récits murmurés. L’art y est présenté comme une forme de résistance discrète.

Ce qui semble parfaitement correspondre au thème de cette biennale et est ‘intuitivement’ notre choix pour le Lion d’Or, est « The Ear is the Eye of the Soul », la participation du Vatican dans le délicieux jardin Giardino Mistico dei Carmelitani Scalzi, dans la rue longeant la droite de la gare, avec le commissariat de Hans Ulrich Obrist et de Ben Vickers et la collaboration de Soundwalk Collective.

@holyseepavilion2026 développe une prière sonore, un appel à l’écoute contemplative.

Vous mettez à l’entrée un casque qui vous permet de déambuler où vous voulez dans le jardin, le temps que vous jugerez nécessaire. Un plan vous permet de vous situer et de savoir quelle musique est directionnée dans l’espace où vous vous trouvez.

The Pavilion of the Holy See, The Ear is the Eye of the Soul, Giardino Mistico, Biennale de Venise. Photo David Levene

The Pavilion of the Holy See, The Ear is the Eye of the Soul, Giardino Mistico, Biennale de Venise. Photo David Levene

L’œuvre présente des créations originales de 24 artistes inspirés par la vie et l’héritage de Hildegarde de Bingen (1098-1179), figure emblématique de l’imaginaire mystique, abbesse, poétesse, guérisseuse et compositrice.

Alexander Kluge, The Visionary Hildegard of Bingen with the Flame above Her Head, 2026. Photo David Levene

Pour Hildegarde, le son est une voie de connaissance.

Sa vision s’étend du souffle (spiritus) au chant, puis à la compréhension. Au Giardino Mistico, l’écoute est au cœur de l’œuvre, se déployant comme un ensemble de créations originales de compositeurs, musiciens, poètes et artistes contemporains.

Ces derniers puisent leur inspiration dans les chants, les écrits et les visions d’Hildegarde, et y répondent par la voix, les instruments et, parfois, le silence.

The Pavilion of the Holy See, The Ear is the Eye of the Soul, Giardino Mistico, Biennale de Venise. Photo David Leven

Une merveilleuse expérience dans l’agitation fulgurante de la biennale.

Artistes qu’on écoute dans le jardin : 1.Bhanu Kapil 2.Brian Eno 3.Carminho 4.Caterina Barbieri 5.Devonté Hynes 6.FKA Twigs 7.Holly Herndon & Mat Dryhurst 8.Jim Jarmusch 9.Kali Malone 10.Kazu Makino 11.Laraaji 12.Meredith Monk 13.Moor Mother 14.Otobong Nkanga 15.Patti Smith 16.Precious Okoyomon 17.Raúl Zurita 18.Soundwalk Collective 19.Suzanne Ciani 20.Terry Riley 21.Benedictine Nuns of the Abbeyof St.Hildegard Eibingen

The Pavilion of the Holy See, The Ear is the Eye of the Soul, Giardino Mistico, Biennale de Venise. Photo David Levene

En parlant de lieu poétique et de paix, il est à noter le très joli projet  ‘Il gardino segreto’ de Nadja Romain  avec l’artiste italo-allemande Irene Cattaneo (1989-) dans un petit jardin proche du Campo San Angelo/ Palazzo Fortuny. San Marco 3922.

Irene Cattaneo, Il Giardino Segreto, San Marco 3922 Calle Pesaro, Biennale de Venise photo DR

Il Giardino Segreto transforme un jardin intime en un espace de contemplation explorant la mémoire, l’introspection et le passage de l’enfance à l’âge adulte. Ancré à la croisée de l’expérience émotionnelle et de la littérature, ce projet s’inscrit dans la continuité des œuvres précédentes de Cattaneo, inspirées par Les Bienfaits de la Lune de Charles Baudelaire, où la lune apparaît comme une force maternelle marquant la transition vers la maternité.

Ici, la réflexion se porte sur la perception inextricablement liée de l’enfant et de la mère… l’élégance de la balançoire, des sièges et luminaires en verres (Murano oblige) et bronzes patinés font un peu penser aux oeuvres des Lalanne, un ‘précieux’ qui va bien à Venise.

Irene Cattaneo, Il Giardino Segreto, San Marco 3922 Calle Pesaro, Biennale de Venise photo DR

Quelques autres coups de coeur :

Adriana Varejão et Rosana Paulino, « Comigo ninguém pode »

Sans doute le pavillon brésilien est un des meilleurs qu’on ait vu depuis longtemps « Comigo ninguém pode » vient du nom portugais de la plante connue en anglais sous le nom de dieffenbachia, également appelée canne muette ou lis léopard. Cette espèce est largement utilisée au Brésil, devant les maisons et les portes, comme symbole de protection spirituelle et de résilience ancestrale.

L’ambiguïté et le syncrétisme de cette expression, devenue aussi un proverbe populaire, peuvent se comprendre comme « Personne ne peut me maîtriser », voire « Ne vous frottez pas à moi ! ». Le projet invite donc le public à une expérience sensible proposant de nouvelles perspectives sur les liens entre nature, histoire et spiritualité.

L’exposition réunit des œuvres historiques issues de plus de trente ans de création des deux artistes. Dans ces œuvres, tous deux abordent les blessures et les traumatismes liés à la colonisation, tout en soulignant comment cette réécriture de l’histoire se manifeste également à travers des processus de métamorphose.

Dialoghi Canovaini, de l’artiste franco-suisse Julian Charrière (1987-) au Museo Correr

L’exposition fait dialoguer la recherche artistique contemporaine avec l’héritage du grand sculpteur vénitien Antonio Canova (1757-1822), dans les salles qui lui sont consacrées au Museo Correr.

L’exposition se déploie comme un dialogue entre les époques, révélant la poésie de la matière. Les œuvres de Julian Charrière dialoguent avec les formes idéalisées de Canova, plaçant le marbre au centre comme une présence vivante : à la fois corps et fantôme, réceptacle de beauté et témoin du temps profond.

Au cœur du projet se trouve le concept de tension productive : d’une part, l’ambition néoclassique d’immortaliser les formes dans la pierre ; d’autre part, le sentiment de précarité qui caractérise le processus créatif contemporain. L’exposition met en lumière ce dualisme : permanence et érosion, idéal et inévitable, certitude et fluidité, esthétique de l’être et esthétique du devenir.

À travers différents médias – installation, photographie, performance, sculpture, vidéo – Julian Charrière propose une réflexion sur la relation conflictuelle qui existe à l’époque contemporaine entre l’humanité et la nature, la technologie et l’écologie, l’industrie et la science.

L’intervention de Charrière (déjà invité à la Biennale de 2017 et aux Biennales d’architecture de 2012 et 2021) suggère une réinterprétation subtile et profonde des salles Canova par l’adoption d’une articulation syntaxique et opérationnelle singulière : sculpture, vidéo, photographie, lumière et son. Ainsi naît une rencontre inattendue entre l’idéalisme classique de Canova, incarné principalement par le marbre, et l’analyse par Charrière du phénomène d’entropie et de mutation biologique, exprimée à travers le multimédia.

Julian Charriere, Controlled Burn 2022, Installation view, Spiral Economy Charrière and Canova, Museo Correr, Venice, Italy, 2026, The Artist VG Bild-Kunst, Bonn, 2026 photo DR

The only true protest is beauty, de la Fondazione Dries Van Noten- Palazzo Pisani

L’ouverture de la nouvelle Fondazione a fait grand bruit. Le styliste belge invite ses amis stylistes, des artistes des métiers d’art, le fameux joallier véntien Codognato… Mais là où il emporte le morceau avec cet exercice, qui nous fait penser avec regret aux confrontations d’Axel Vervoordt au Palazzo Fortuny, est quand il donne la parole à son conpatriote, l’artiste Peter Buggenhout (1963-).

Les sculptures-collages brutes de Peter Buggenhout évoquent le chaos et le désordre, des ruines abandonnées et des vestiges archéologiques d’une autre époque. Son œuvre, où il privilégie l’utilisation de matériaux abjects tels que débris, déchets industriels et poussière domestique, comprend des installations monumentales. Ce qui semble être une accumulation de matériaux relativement aléatoire est en réalité un chaos savamment orchestré. Anonymes et indéterminées, les sculptures paraissent retournées comme des gant ; brutes et démantelées, à la fois repoussantes et fascinantes, elles dégagent une beauté fragile et troublante.

Au Palazzo Pisani, l’artiste a vraiment conçu son projet comme une exposition où la brutalités, les grandeurs, les explosions de ses oeuvres dialoguent, en s’effaçant parfois, avec le luxe et la patine des salons du palais, tout comme les autres oeuvres présentées. Un mariage parfaitement réussi.

Alma Allen, le choix controversé du Pavillon Américain

Dans le contexte de guerre culturelle menée par Donald Trump contre les DEI (politiques de diversité, d’équité et d’inclusion dans les institutions culturelles publiques), la polémique sur le pavillon américain porte sur le choix controversé de l’artiste autodidacte Alma Allen (montré par la prestigieuse galerie d’Emmanuel Perrotin). Ce choix a été perçu par le monde de l’art comme une tentative d’imposer un art décoratif, jugé désengagé. L’administration américaine a entièrement revu le processus de choix pour cette édition, écartant un artiste sélectionné en amont qui n’a même jamais pu être officiellement annoncé.

Ce qui a beaucoup choqué est qu’il a été choisi par une employée du gouvernement dont la plus récente expérience professionnelle est la gestion d’un magasin de nourriture haut de gamme pour animaux.

Une pléthore d’expositions de premier plan

Mais, la bonne nouvelle dans une ville telle que Venise, qui accueille une pléthore d’expositions de premier plan, est qu’on peut considérer que la Fondazione Prada a sauvé la mise.  C’est elle qui a monté un excellent pavillon américain en invitant Arthur Jafa et Richard Prince. Avec l’exposition Helter Skelter (le titre fait référence au chaos, à la culture américaine et à une série de références culturelles sombres et entremêlées.

Dans la culture britannique, « helter-skelter » désigne un toboggan en spirale dans les fêtes foraines.

Par extension, l’expression est devenue une locution courante signifiant « à la diable »), les deux artistes présentent, avec leurs récupérations d’images, un récit afro-américain fait de violence et d’espoir. Entre autres, est montrée une version de « Love Is the Message, the Message Is Death » de Jafa, vidéo considérée comme l’une des œuvres les plus importantes du début du XXI^e siècle.

C’est un puissant collage de sept minutes et demie mêlant images d’archives et vidéos trouvées. Elle explore la complexité de l’identité, de l’histoire et de la culture afro-américaine, en alternant entre des scènes de violence raciale et des images de référence de figures majeures de la culture noire (Martin Luther King, Malcolm X, Barack Obama, Michael Jordan), mêlés à des anonymes.

Helter Skelter Arthur Jafa and Richard Prince, Arthur Jafa, Viriconium, 2026, photo Andrea Rossetti, Biennale de Venise Courtesy Fondazione Prada

Venise reste donc un des plus grands cataliseurs du monde pour rencontrer l’art d’aujourd’hui.

Si la biennale n’a pas su échapper au désordre politique et à une sur-chauffe d’ouvertures, ce luxe de propositions permettra à chacun un déambulement personnel dans un des écrins les plus charmantes au monde. Comme peu d’autres villes, la Sérinissime reste toujours actuelle et tournée vers le futur en ayant su attirer de nombreuses fondations, galeries et projets internationaux. Elle ne semble pas prête à être détronée et est ancrée comme une des principales capitales des arts.

Mais, quelle est la logique de ce succès ?

C’est certainement une question à se poser. Qui voit quoi ? Cette profusion exponentielle a-t-elle vraiment un sens dans un monde antropocène qui semble se diriger vers l’austérité ?

En attendant la réponse, ne boudons pas notre plaisir.

Julia Charriere, Imperfect Lovers 2026, Spiral Economy Museo Correr Venice Italy 2026 Copyright The Artist VGBildKunst Bonn photo By Daniele Molajoli

Auteur de l'article

Marc Pottier, Art Curator basé à Rio de Janeiro

author

Retrouvez-moi tous les vendredis dans la newsletter de Singular’s

See author's posts