Oklahoma Honey d’Andrew Patterson : Matthew McConaughey magistral en apiculteur

L’Abandon, un film de salubrité publique, et bien plus que cela

Encore projeté dans quelques salles en France, le martyr de Samuel Paty raconté chronologiquement sur les onze derniers jours de sa vie.

Il fallait très certainement marcher sur un fil. Un tournage tenu secret pour un film auquel les protagonistes devaient la plus grande rigueur. Il ne s’agissait plus de réaliser une grande œuvre de cinéma, il ne s’agissait pas de produire un spectacle et encore moins un divertissement.

D’ailleurs L’Abandon n’est pas un grand film. Il est bien plus que ça. Il est nécessaire et vital, en un mot indispensable pour raconter comment une impensable abomination a-t-elle pu advenir.

Malgré le poids immense de l’enjeu, clinique n’est pas le mot qui convient à la description cinématographique de cet enchaînement de mensonges, de lâchetés et de, il faut bien le dire, manque de prise de conscience de ce qui pouvait se tramer et qui s’est avéré.

Bien au contraire, nous sommes pris à la gorge par l’inéluctabilité qui se déploie devant nos yeux. Impuissants nous assistons à un déchaînement à bas bruit et peu à peu le sens du mot abandon prend toute sa portée et finissons par ressentir un sentiment de culpabilité, sans trop savoir de quoi, si ce n’est d’être témoins de l’absurdité, de la bêtise, de l’ignorance, de la peur et de l’ignominie à l’oeuvre.

Film de salubrité publique, L’Abandon restera le témoignage impérieux du martyr de Samuel Paty au même titre que Nuit et Brouillard pour ne citer que cet exemple. Il nous faut rappeler que Monsieur Paty n’a fait que son devoir d’enseignant et qu’il a été sauvagement assassiné pour ça. Et puis il y eut les autres professeurs Dominique Bernard et Agnès Lasalle (cette malheureuse en dehors de son statut pour d’autres raisons).

Ne les oublions pas, sans céder

à un quelconque esprit de colère vengeresse ou de revendications vindicatives qui ne ferait qu’attiser ce pour quoi ils ont été tués et que nous nous devons combattre pied à pied.

Une affaire turque, un thriller français de très bonne facture

Hüseyin Aydin Gürsoy, né en Turquie, vit en France depuis l’âge de 3 ans. Après plusieurs courts métrages, Une affaire turque est son premier film. En évoquant le parcours d’un homme d’origine turque aux prises avec son identité et son intégration au sein de la société française,

il partage certainement une part de vécu sur les limites de l’intégration républicaine et les risques d’un communautarisme retranché.

Un jeune avocat talentueux, originaire de Turquie, arrivé en France enfant sans papiers, s’est forgé une brillante carrière au sein d’un cabinet à la réputation irréprochable. Son patron lui confie un dossier compliqué dont l’issue semble perdue d’avance qu’il prend à bras le corps.
Dans le même temps, à la demande de sa famille avec laquelle il a pris ses distances, il accepte à contre-cœur de s’occuper de la situation d’un jeune homme de sa communauté.

Ce dernier chauffeur de taxi, à la suite d’une agression par un client aux propos racistes, a perdu l’usage d’un œil et a été licencié. Il détecte dans cette affaire l’opportunité et le moyen de trouver une fin favorable à la préoccupation de son bureau. Pour ce faire, il organise une transaction qui le mènera beaucoup plus loin qu’attendu.

Dans le rôle principal Lionel Erdogan est la révélation du film.

D’un mutisme rentré, il impressionne par une présence magnétique. Charles Berling incarne avec générosité le patron intègre du cabinet d’avocats, quant à Lubna Azabal, en avocate inflexible, elle nous terrifie par son machiavélisme.

Dans une mise en scène sobre et un montage sans temps mort, le réalisateur fait de son personnage principal un homme seul.  Pris entre ses origines mal assumées (il a changé son prénom de Mustapha en Matthieu) et ses efforts acharnés pour être intégré à part entière, face à ses contradictions il se retrouve piégé.

La tension permanente entretenue par une intrigue habile (même si certaines de ses péripéties peuvent sembler par moment outrancières dans leur déroulement), mène un propos subtil et sans aucun doute fondé.

En fin de film, une conférence de presse ministérielle, ainsi que l’anonymat du héros se confondant dans la foule condensent avec une ironie désabusée et justesse ce qui innerve le corps de la narration.

La Fin d’Oak Street, Série B mésozoïque et satire du confort moderne

Depuis son remarquable mais sans doute incompris Under The Silver Lake en 2018, nous étions sans nouvelle de David Robert Mitchell. Le réalisateur de It Follows et du cultissime The Myth of the American Sleepover revient donc aux affaires avec La Fin d’Oak Street : sa série B jubilatoire mêle dinosaures et dérision pour interroger non sans malice la fragilité du « american way of life » et son confort matériel comme seule boussole.

Dans l’esprit des comics tels que Weird Science, infusé par les toiles du peintre John Brosio, cette variation de Jurassic Park, entre sérénade aux séries B fantastiques d’antan et portrait d’une Amérique sclérosée David Robert Mitchell nous offre un moment de cinéma jouissif.

Un quartier de banlieue est transporté dans un espace spatio-temporel de l’ère Mésozoïque. Une nature hostile reprend ses droits, dinosaures et autres reptiles envahissent les jardinets proprets, se repaissent des animaux domestiques et autres banlieusards épouvantés. Au milieu du carnage, une famille dont le couple est en crise s’affaire à survivre.

Se suivent des séquences autant effrayantes qu’hilarantes. Dans une évidence quasi clinique, le réalisateur tape à bras raccourcis sur des existences monotones, sans enjeu ni ambition.

Une approche délirante pour contredire ce qui ronge nos sociétés occidentales abreuvées d’un confort considéré comme légitime quoi qu’il en coûte. Qu’adviendrait-il si du jour au lendemain nous n’aurions plus d’eau au robinet et plus d’électricité derrière nos interrupteurs, comme le vivent bon nombre de peules en guerre ou « opérations spéciales »,…

C’est une des questions sous-jacentes posées avec la malice d’un sale gosse prêt à tout renverser d’un coup de pied rageur. Serions-nous capables de subsister à nos besoins les plus élémentaires ?

La réponse caustique et sans prétention est traité avec l’ironie et les effets speciaux d’un divertissement pop-corn savoureux et percutant, mais sous ses faux airs innocents, David Robert Mitchell nous confronte aux limites de notre humanité, en ressources naturelles et en bienveillance pour autrui.