Avec Le Poisson Scorpion, Nicolas Bouvier poursuit son introspection

Créé à Genève au Théâtre de Carouge, ce spectacle prolonge L’usage du monde du même Nicolas Bouvier – suisse également comme le comédien – joué sur les mêmes planches du Poche Montparnasse.

Samuel Labarthe revit le parcours de Bouvier à Ceylan – actuel Sri Lanka – en 1955 après être passé en Afghanistan et l’Inde. Nicolas Bouvier a alors 25 ans mais il écrira son récit près de 30 ans plus tard.
Arrivé dans une chambre d’hôtel miteuse, le voyageur perd pied, envahit par la solitude, battu par la chaleur ou la mousson et prit par un délire mouvant. Ses compagnons sont des blattes et des cafards, ses rares sorties sont pour rendre visite à une épicière qui possède un poisson scorpion. Lui-même du signe astrologique du poisson reçoit une lettre de sa fiancé scorpion qui lui annonce son mariage. 

« On croit faire un voyage mais bientôt c’est le voyage qui vous fait, ou vous défait » Nicolas Bouvier. 

Seul en scène, Samuel Labarthe est extraordinaire, tout en émotion et en nuance, passant de l’humour à la détresse absolue. La scènographie apporte un surplus de réalité. Avec une bande son trés travaillée aux bruits réalistes, l’environnement sonore tient un rôle important pour fasciner et happer davantage le spectateur. P. de Figueiredo

Les Eight Killers : l’esprit des Blues Brothers en bande bien déjantée

L’affaire Dussaert : Qui aime bien châtie bien l’art contemporain

Un jour ou l’autre : une parenthèse musicale et sincère sur la quête amoureuse

Au cœur d’une salle d’attente singulière, où l’on ne guetterait pas l’arrivée du médecin, mais celle de l’amour, la création collective « Un jour ou l’autre » propose un moment pêchu, relevé et sensible au cœur d’une salle d’attente particulière : comme chez le médecin mais où l’on attendrait… l’amour.

Confronter les expériences

Au sein du chaleureux théâtre Montmartre Galabru, quatre générations de femmes mettent à nu leurs histoires amoureuses et se livrent sans tabou sur leurs mésaventures.

Ces femmes explorent leurs blessures, leurs déceptions et leurs attentes. Les peines et les espoirs s’entremêlent, la joie et la tristesse s’enchaînent délicatement. Le temps semble suspendu pour permettre un état des lieux sentimental. Cette parenthèse invite à une profonde introspection.

La musique pour libérer les émotions

En chanson, en claquettes, au rythme du piano, de la guitare ou de la contrebasse, les airs d’Angèle, de Pomme, de Lynda Lemay ou encore d’Anne Sylvestre sont interprétés pour exprimer les états d’âme des personnages. La musique invite à la confession, à la confidence et permet de se libérer de ses chaînes amoureuses.

La sororité à l’honneur

Chacune partage ses expériences de vie : la rupture, la trahison, l’épuisement du couple, la volonté de rester célibataire, les traumatismes… Ces femmes se consolent et se rassurent, laissant pleinement s’exprimer la sororité. Elles confrontent leurs points de vue générationnels, en quête d’un bonheur qui semble parfois inaccessible. Où chercher l’amour ? Quand cesser d’y croire ? Comment raviver la flamme ? Comment se remettre de ses blessures ? Autant de questions parfois sans réponse, mais qui permettent aux femmes d’échanger.

Un jeu qui sonne juste et sincère

Ces comédiennes nous proposent un jeu doux, sincère et juste. Elles nous embarquent dans un moment où le temps est en pause, pour mieux revenir à soi. Un moment salutaire à une époque où tout va très vite. Stéphanie Robert

Napoléon au Poche : la 4e leçon d’Histoire de Maxime d’Aboville met le feu au bicorne

Appelez-moi Madame George Sand, de Joshua Laffont-Cohen

Georges, un travesti entre sur scène, le rimmel coulant sur ses joues, une chaussure à la main, des sacs de boutique de luxe dans l’autre, il jette sa perruque sur un homme qui dément être médecin, le tout sur la chanson d’Eddy de Pretto Mon Kid ; on s’inquiète alors pour George Sand. Pourtant très vite l’on comprend que le personnage principal s’identifie à l’auteure de La petite Fadette et de La Mare au Diable jusqu’à questionner sa propre identité.

Joshua Laffont-Cohen est un familier de Georges Sand puisque ce Docteur es Lettres a reçu en 2011 le prix littéraire André Ferran pour sa thèse consacrée à cette auteure du XIXe siècle, cette femme libre et en avance sur son temps. Il nous donne ici à entendre les poèmes – moins connus- qu’elle a écrit, les chansons qu’elle a écrite sur les musiques de Frédéric Chopin ou même les musiques qu’elle a elle-même composée comme Rondeau, extrait des Vacances de Pandolphe. Sur la petite scène de la Folie théâtre, la mise en scène joue avec l’éclairage de la salle et le public, crée des surprises.

Le duo de comédiens – Joshua Lawrence, alias Joshua Laffont-Cohen, et Alexis Néret – nous touche. Avec ce psychiatre qui ne ressemble pas à ce qu’on attend d’un médecin, Georges fera le chemin du 19^e au 21^e siècle et de ce qu’il est à ce qu’il voudrait être pour se trouver.

Une pièce étonnante et poétique qui laisse entendre les vers de George Sand, une écrivaine qui a été contrainte de prendre un pseudonyme masculin pour se faire une place dans le monde littéraire de l’époque. Patricia de Figueiredo

Au pied de l’arbre d’Hipolène, la magie de la vie (Apollo Théatre)

Au sein de l’Apollo théâtre, le jeune public est plongé dans un univers où la nature devient un terrain de jeu, de découverte et d’émerveillement.
Au gré des aventures d’une adorable créature, mi-femme, mi-écureuil, les enfants sont invités à monter et descendre des arbres, à explorer la forêt et à s’aventurer dans un monde peuplé de surprises. À travers ce personnage étonnant, ils découvrent les secrets de la vie, s’interrogent sur le sens de l’existence et abordent, avec douceur, la question de l’au-delà.

Les chansons et les danses rythment cette escapade et lui confèrent une atmosphère poétique, où l’imaginaire occupe une place centrale. Chaque instant, même le plus simple, devient une occasion de s’émerveiller, de rire et de partager.

Un décor qui réserve plein de surprises

Véritable élément vivant du spectacle, le décor modulable se transforme au gré des scènes pour donner corps à la forêt et à ses arbres. Il devient tour à tour un espace d’exploration, un terrain d’acrobaties et un support aux pirouettes et aux cascades des artistes. Les possibilités qu’il offre nourrissent la curiosité des enfants et les entraînent dans un univers où tout semble possible.
Cette scénographie inventive stimule leur imagination, les invite à rêver et les encourage à porter un regard nouveau sur le monde qui les entoure.

Une ode à la vie et à la transmission

Derrière la légèreté apparente de cette aventure se dessine pourtant un thème plus grave : celui du deuil. La séparation, la tristesse et l’inconnu sont abordés avec délicatesse, sans jamais renoncer à la poésie ni à la tendresse. Le spectacle ouvre ainsi un espace de réflexion accessible aux plus jeunes, pour leur permettre d’appréhender les émotions liées à la perte et aux changements qui jalonnent l’existence.

Un arbre tel un univers entier 

Au cœur de cette histoire, l’arbre occupe une place symbolique forte. Figure de l’enracinement et de la mémoire, il évoque les liens qui unissent les êtres humains, mais aussi la transmission entre les générations, des grands-parents aux petits-enfants. Au fil des saisons, il se transforme, perd ses feuilles et renaît, rappelant que la vie est faite de cycles, de passages et de renouveau. À travers cette métamorphose, les enfants sont invités à réfléchir au temps qui passe, à ce qui change et à ce qui demeure. Stéphanie Robert

Une manière sensible de parler de la vie, de l’absence et du souvenir, tout en célébrant la joie d’être ensemble.