vue du Straat Museum dans l’ancier chantier naval d’Amsterdam photo Baptiste Le Guay

Un « cathédrale » dédiée au street art.

En cinq ans, Straat Museum a constitué une collection de 180 œuvres monumentales créées in situ de l’ancien hangar du chantier naval NDSM – haut de plus de 20 mètres et vaste de 8 000 m² – par plus de 130 artistes issus d’une trentaine de pays.

Cette ambition le rapproche des réussites de quelques plutôt rares musées d’art urbain, comme ceux de Miami, Saint‑Pétersbourg, Munich, et Lurcy-Lévis, France. En intégrant un médium historiquement marginal dans un dispositif muséal ambitieux, avec programmation, médiation et commandes, il participe à faire changer d’échelle la légitimation institutionnelle du graffiti et du street art, au cœur de la capitale nééerlandaise surtout réputée pour ses musées patrimoniaux de Rembrandt à Van Gogh.

Untitled, 2024, Pichiavo, Straat museum, Amsterdam, photo Baptiste Le Guay

Untitled, du duo Pichiavo

Le duo espagnol Pichiavo est connu pour le mélange des sculptures gréco-romaines et des graffitis bruts, donnant un contraste entre les écritures modernes et la mythologie antique. Une fusion surprenante où l’art populaire de la rue, celui du graffiti, se mélange avec un art « noble » et classique, celui de la mythologie grecque, créant un dialogue entre le passé et le présent.

Les statues grecques étaient également dans l’espace public. Le binôme visent à les rendre accessibles à un public qui s’en est détourné, en les mettant dehors à la vue de tous.
L’œuvre monumentale Untitled à Straat tranche sur leur pratique habituelle, car le fond du tableau est en noir et blanc tandis que le sujet est transparent en plusieurs couleurs. Généralement, les sculptures sont blanches et les graffitis dans le fond qui sont colorés.

Gateway prepping, 2022, Erwtje, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

Gateway prepping, 2022, d’Erwtje

Ancré dans la scène graffiti traditionnel, Erwtje a commencé à dessiner des cartoons plus sophistiqués à partir de 2018, se concentrant sur la culture underground des graffitis en romantisant certaines scènes. Gateway prepping montre à quelle point la préparation pour aller peindre un train est minutieuse, à la manière d’un commando où les deux larrons se préparent à réaliser une opération spéciale comme des militaires. La cagoule leur confère ce côté prêt à faire un mauvais coup, alors qu’ils s’apprêtent « seulement » à peindre un train, et non cambrioler un domicile.

« Le but principal de Gateway prepping est de montrer à quel point peindre un train est une aventure pensée à l’avance. Nous voyons nos personnages principaux planifier le schéma de couleurs pour leurs pièces, cherchant à livrer le dessin comme un produit fini homogène ».

Hiobsbotschaft, Mauvaise nouvelle, 2016, de Sokar Uno

Né en Allemagne en 1987, Sokar Uno débute le graffiti à 12 ans en évoluant dans un style figuratif, notamment avec des humains aux figures et aux corps de bronzes qui semblent se dédoubler. Dans son dessin baptisé « Hiobsbotschaft » (Mauvaise nouvelle), la scène peut laisser à l’interprétation, dans un personnage qui se décompose en lisant une terrible nouvelle, dans un dédoublement où la personne quitte son corps.

Hiobsbotschaft, Mauvaise nouvelle, Sokar Uno, 2016, Straat Museum, Amsterdam, photo Baptiste Le Guay

« Chaque élément dans le tableau est clairement définis. J’ai été porté par mes émotions, donc c’est dur à décrire avec des mots. Qu’est ce que l’art serai de toute façon si nous pouvions tout exprimer à travers des mots ? ».

Escuela de Sueños complidos, 2024, de Mick La Rock

Mick La Rock est l’une des artistes graffitis féminins les plus réputées d’Europe. Débutant avec son nom « Mickey » en 1983, inspirée par les rues de Groningen (Pays-Bas) et les trains du métros New-Yorkais. Suite à sa période graffiti, elle transforme son art dans entre style minimaliste et abstraction brutaliste, délaissant le style traditionnel et sa composition habituelle du graffiti.

Escuela de Sueños complidos, 2024, Mick La Rock, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

« En 2018, j’ai reçu une invitation du SUSO33 et d’Antonio du magazine MTN Tramontana de venir à Madrid. Un jour, mes yeux ont découvert au loin un bâtiment en béton sortant des arbres. J’ai un énorme amour pour le brutalisme. J’adore le béton cru, particulièrement lorsqu’il n’est pas en très bon état. Il y avait des graffitis partout dessus et il n’y avait aucune âme utilisant l’espace. C’était juste parfait.
La faculté de sciences de l’information est à jamais attachée aux souvenirs de mon temps le plus merveilleux à Madrid ».

Reunion, 2017, de Zesar Bahamonte

De nombreux artistes puisent dans leurs racines comme leur pays et leur culture pour s’inspirer et nourrir leurs arts. Dans le cas de Zesar Bahamonte, c’est le folklore de sa région natale : l’Andalousie, qui a toujours été une source dans son impulsion créatrice. Avec un diplôme de graphiste, Zesar choisit de se recentrer sur des créations artisanales et faîtes mains plutôt qu’assisté par ordinateur. Il va d’ailleurs en Uruguay où il apprend à construire des instruments de musique. Les musiciens restent un de ses sujets qui lui tient le plus à cœur.

Reunion, Zesar Bahamonte, 2017, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

« Les personnes qui s’expriment librement, sans chercher les applaudissements, les récompenses ou l’argent, est la vieille signification du folklore. Cela m’inspire beaucoup. C’est incroyable comment la beauté s’exprime ici. C’est presque comme une chose venue d’un autre temps que je veux ramener et mettre devant les gens ».

Untitled, 2017, de Dan Kitchener

Untitled, Dan Kitchener, 2017, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

Artiste britannique, la ville est un élément prépondérant dans le travail de Dan Kitchener. En capturant l’énergie d’une ville à travers son éclairage, et le traffic routier, il recompose l’atmosphère d’un endroit donné. C’est à l’aide de croquis et de photographies qu’il enregistre les rues humides et les signes en néons.

Pour Untitled, Dan a recréé la brume, les reflets et les lumières colorées qu’il a pu voir une nuit dans le quartier de Shinjuku à Tokyo. Capturant la scène à l’appareil photo, elle inspire nombreux de ses muraux à travers le monde.

Comunhao, 2025, d’Enivo

Comunhao, 2025, d’Enivo, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

Connu sous le nom d’Enivo, Marco Ramos est un artiste brésilien polyvalent. Il développe aussi bien sa pratique en studio qu’en peignant des fresques dans l’espace public.
En 2012, il a co-fondé la Galerie A7MA, devenue depuis un lieu culturel référencé dans Sao Paulo, sa ville natale. Né en 1986, il débute son parcours artistique a 12 ans en graffant les murs de son quartier à Grajau, dans le sud de la mégalopole.

C’est justement le quartier de son enfance, avec ses habitations en brique rouge et peuplé de personnes qu’il connaît que nous voyons dans sa toile Comunhao (Communauté).

De retour à l’évier/Volta pro Tanque, 2024, de Pri Barbosa

Dans son œuvre « De retour à l’évier/Volta pro Tanque », Pri Barbosa montre le confinement des femmes et de la sous-évaluation de leur travail dans la sphère domestique.

De retour à l’évier/Volta pro Tanque, Pri Barbosa, 2024, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

La scène est assez ambivalente car elle oppose travail domestique et art en même temps. D’une part une femme voilée, est-ce que c’est parce qu’elle est musulmane, ou plutôt car elle est invisibilisée ? La frontière est floue même si la deuxième option nous semble la plus probable.
De l’autre côté nous voyons des pinceaux nettoyés, au lieu de la vaisselle habituelle, ce sont des outils artistiques qui sont étalées, des outils d’expression.

Le titre de l’œuvre fait aussi référence à une phrase pour amoindrir les femmes participant à des activités où les hommes sont majoritaires, même dans une pratique comme le street art. Avec cette œuvre, Barbosa remet en question la résistance perpétuelle des femmes dans l’espace public et leur capacité à s’exprimer.

The joint man returns, 2024, de Blade

The joint man returns, 2024, de Blade, Straat Museum. photo Baptiste Le Guay

Grandissant dans le Bronx à New-York, Blade est réputé pour être le « Roi du graffiti », véritable légende et précurseur de cette discipline. Il a bâti sa réputation en peignant des wagons de métro entiers, en arrêtant de les compter après en avoir graffé plus de 5000 dans les années 1970.

Ce pionnier du graffiti est l’un des premiers ambassadeurs du graffiti New-yorkais qui fût célèbre à travers toute la planète. Sa présence artistique reste très forte encore aujourd’hui où il peint des tableaux et fait des œuvres en studio.

Son « Joint man » ou homme joint est extrêmement connu, en faisant un personnage iconique de son œuvre.

Maison Amazonienne, une vie avec « un esprit wifi », rituel dans la grotte, 2016, de Cranio

Maison Amazonienne, une vie avec « un esprit wifi », rituel dans la grotte, 2016, de Cranio

Cet artiste brésilien est actif depuis 1998. Découvert lors de l’édition Colors à Champigny sur Marne, Cranio est réputé pour ses personnages bleus qui représentent les indigènes au Brésil. Ces derniers seraient de cette couleur car ils sont malades à cause de notre société capitaliste qui détruit le vivant et les ressources naturelles.

Son travail insiste sur les conséquences ravageuses qu’ont eu l’arrivée de la technologie dans la forêt amazonienne. Cet événement a amené un appétit consumériste destructeur à un endroit où la nature était auparavant préservée.

Auteur de l'article

Baptiste Le Guay

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