Culture
Louvre Couture & S’habiller en artiste (Louvre Lens), les relations créatives de la mode et de l’art.
Publié par Olivier Olgan le 9 juillet 2025
Les musées, en général, et le Louvre en particulier peuvent-ils se passer de la mode (et du mécénat de ses marques) ? Commissaire des deux expositions splendides « S’habiller en artiste. L’artiste et le vêtement » (Louvre-Lens >21 juillet – La Martinière) et « Louvre Couture » (Louvre >24 aout – Gallimard), Olivier Godet rééquilibre ‘l’entrisme de la mode‘ avec pertinence pour conforter la force de l’art dans le processus créatif. Si élément de culture, la mode reste un reflet artistique de son époque, le vêtement participe aussi à la manière dont les artistes se définissent ou se démarquent.
Les deux parcours (et catalogues) offrent une manière – somptueuse reconnait sous le charme Olivier Olgan – de décentrer le regard et valoriser un « accessoire » mais aussi support d’expression artistique et d’affirmation de soi, de Rembrandt à Nikki de Saint Phalle.
Décentrer le regard sur le vêtement et l’œuvre d’art
Marie Laurencin, Autoportrait, 1905 Musée de Grenoble photo ADAGP Paris, 2025 Musée de Grenoble JL Lacroix
« Beaucoup de créateurs cultivent un rapport intime à l’histoire de l’art et à celle des arts décoratifs. Les passerelles sont donc très nombreuses, qu’il s’agisse de la question des matériaux et des savoir-faire, des inspirations esthétiques ou de la constitution d’une collection. »
Olivier Gabet, commissaire des deux expositions.
Mais le conservateur général du patrimoine et directeur du département des objets d’art du musée du Louvre remet aussi les pendules à l’heure :
« Nous avions envie de confronter la mode à une histoire un peu plus vaste que les ego de créateurs et les problématiques de marques. »
Une large focale grâce à deux expositions complémentaires
Si « Louvre Couture » met l’accent sur le dialogue entre objets d’art et créations de mode, en soulignant combien l’histoire de l’art, les collections du Louvre et les arts décoratifs inspirent la haute couture et les créateurs contemporains. Le crédit est immense, car à chaque confrontation dans les salles souvent méconnus des arts décoratifs, la mode reste une affaire d’appropriation des codes, motifs et techniques issus du patrimoine artistique pour créer des œuvres hybrides, à la frontière entre vêtement et art.
Renversant la focale, « S’habiller en artiste » au Louvre-Lens s’intéresse de façon inédite à la représentation de l’artiste à travers le vêtement, de la Renaissance à nos jours et interroge la manière dont les artistes utilisent leur apparence vestimentaire pour affirmer leur identité, leur statut social ou leur démarche créative.
Le vêtement devient parfois lui-même œuvre d’art ou prolongement de la pratique artistique, notamment dans la performance et la haute couture.
vue de S’habiller en artiste (Louvre Lens) photo Louvre-Lens – F (1
Une hybridation permanente de l’accessoire
Rembrandt Portrait de l’artiste au chevalet et à l’appuie-main de peintre, 1660 Paris, musée du Louvre photo GrandPalaisRmn (musée du Louvre) Hervè Lewandowski
La place du vêtement est au cœur de l’identité professionnelle, sociale ou intime de l’artiste. , Dans une scénographie théâtrale spectaculaire, les habits tous différents des 80 autoportraits de Rembrandt ou ceux de figures comme Dali, Niki de Saint Phalle, Frida Kahlo, … en soulignent le rôle central dans la construction, l’affirmation et la représentation de l’artiste, tout en montrant l’évolution de cette relation à travers l’histoire de l’art.
Loin d’être un simple accessoire, devient un outil d’expression de soi, de distinction sociale et de revendication artistique ou encore leur volonté de se démarquer.
Les artistes ont le génie de jongler avec la pluralité des identités à travers le vêtement : jeux de genre, travestissement, adoption de costumes emblématiques (toques de Rembrandt, robe de chambre de Balzac, perruque d’Andy Warhol), mais aussi le passage du vêtement utilitaire (blouse de Rosa Bonheur, salopette, ) à l’habit de scène ou à l’œuvre d’art elle-même. Elle met en avant la manière dont, à partir du XIXe siècle, le vêtement devient un terrain de questionnement sur le genre, l’intimité et la représentation de soi.
Certains vont même plus loin et font du vêtement un prolongement de leur démarche créative : il devient matériau, support de performance, ou œuvre à part entière (Niki de Saint Phalle, Yayoi Kusama, Claude Cahun, Grayson Perry, …) et des manifestes identitaires et artistiques.
vue de ‘Louvre Couture’. Objets d’art, objets de mode dans les galeries Arts décoratifs du Louvre photo OOlgan
Décloisonner les disciplines entre art et mode.
Moins centrée sur la figure de l’artiste que sur le dialogue entre mode et arts décoratifs, le parcours de « Louvre Couture » dans les salles des Arts décoratifs du Louvre montre que le vêtement, qu’il soit porté par l’artiste ou conçu par un créateur, met en lumière la façon dont chaque création de mode fait écho à des moments de l’histoire du goût, révélant des références explicites ou plus diffuses à l’histoire de l’art.
Les relations entre la mode et l’art sont profondes, anciennes et fécondes. Et permettent des « accrochages » spectaculaires. Elles interrogent notamment la manière dont les maisons de mode tissent des liens avec l’histoire de l’art et les musées, et comment l’art intervient dans le processus créatif des couturiers, designers et directeurs artistiques.
Chaque silhouette de mode fait écho à un moment de l’histoire du goût, révélant des références documentées ou des impressions plus diffuses.
vue de ‘Louvre Couture’. Objets d’art, objets de mode dans les galeries Arts décoratifs du Louvre photo OOlgan
La persistance de l’influence de l’art sur le vêtement
Qu’ils l’assument ou s’en défendent, les rapprochements entre histoire de l’art et innovations des stylistes de mode sont permanents : ils passent par des méthodes, des savoir-faire communs, une culture visuelle partagée et un jeu subtil des références.
Le Louvre a eu du nez comme on dit d’un parfum à mettre en lumière ces complicités sans trop de concessions aux marques et de montrer comment ses collections ont nourri et inspiré les plus grands créateurs de mode, et continuent de le faire aujourd’hui. Juste retour des choses et remise en place légitimes des couturiers.
vue de ‘Louvre Couture’. Objets d’art, objets de mode dans les galeries Arts décoratifs du Louvre photo OOlgan
Un stimulant champ de connaissances historiques, sociologiques et esthétiques
Que l’accessoire prenne autant d’importance peut en choquer certains, mais l’art a intégré la mode comme un langage, un prolongement de la création artistique, et un vecteur d’expression individuelle et collective, et cette histoire mérite d’être comprise et méditée.
Le musée avec le recul scientifique nécessaire répond à sa mission, – plus seulement d’être un écrin aux marques de mode – pour documenter « une histoire de l’art en tissu », de Rembrandt à Frida Kalho.
vue de ‘Louvre Couture’. Objets d’art, objets de mode dans les galeries Arts décoratifs du Louvre photo OOlgan
Auteur de l'article
Pour aller plus loin dans les liens entre art et mode
Jusqu’au 21 juillet 2025, S’habiller en artiste. L’artiste et le vêtement, Louvre-Lens, 99 Rue Paul Bert 62300 Lens, du mercredi au lundi : 10h – 18h
Catalogue, sous la direction d’Olivier Gabet et Annabelle Ténèze, Gallimard, 39 p. Beaux Livre désormais de référence sur l’enjeu du vêtement dans la représentation des artistes eux-mêmes, de la Renaissance à aujourd’hui. Les nombreux essais interrogent le rapport des artistes à leur apparence, la manière dont le vêtement participe à la construction de leur identité, et le passage du vêtement au statut d’œuvre d’art, notamment à travers la haute couture. Le vêtement, tantôt enveloppe, tantôt attribut, permet une lecture plus complète de la société et de l’époque de l’artiste. Il traduit les influences historiques (drapés antiques, costumes bourgeois, habits de travail) et les mutations sociales.
jusqu’au 24 août 2025, Louvre Couture. Objets d’art, objets de mode, Le Louvre
Catalogue, écrit par Olivier Gabet, commissaire et directeur du département des Objets d’art du Louvre. Éditions de La Martinière. 272 p. 39.90€ explore la manière dont les grandes maisons de couture ont puisé dans les chefs-d’œuvre du patrimoine pour sublimer leurs créations en révélant des photographies inédites, des croquis de haute couture et des analyses éclairées.
A lire
- Sophie Fontanel, Défilé au Louvre, Seghers (352 p.) Et si le Louvre et ses 5000 ans d’histoire de l’art était le théâtre d’un défilé de mode. Le prisme vestimentaire est l’angle de visite de la critique de mode Sophie Fontanel qui découpe son livre selon les étapes d’un défilé : front row, standing, podium, backstage… Son regard à la fois érudit et décompléxé sur les silhouettes d’hier est particulièrement stimulant, surtout avec un art consommé de l’anecdote.
- Charlie Porter, What Artists Wear, Penguin (352 p.) L’enquête sur la relation entre les artistes et leurs vêtements s’intéresse aux vêtements, non plus sous le prisme de l’industrie de la mode, mais dans la manière dont ils sont portés par les artistes pour s’exprimer afin d’en décrypter leur esthétique.
“Ils constituent un excellent premier terrain d’étude, en raison de leur liberté de style, leur lutte pour l’expression de soi, les structures de pouvoir dans lesquelles ils travaillent, et combattent souvent.«
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