Personne n’est Pessoa,  de et avec Nico Pires (Studio Hebertot), un hommage mouvant et sensoriel à Fernando Pessoa

En tentant de lever le voile sur Fernando Pessoa, Nico Pirés brosse un portrait pluriel et intime de l’énigmatique poète lisboète, qui entretenait lui-même une multiplication d’identités. À la croisée de la poésie et du cirque contemporain, la troupe (Leo Calvino, Solène Martins, Bruno Sousa et Nico Pirés) aborde avec grâce et subtilité la question de l’identité à la manière de Pessoa.

Sur la difficulté de se saisir soi-même

Personne n’est Pessoa (Studio Hebertot) Photo DR

La virtuosité physique du cirque (acrobatie, équilibre, diabolo, danse) et la quête existentielle à travers les mots du poète portugais explorent et interrogent le dédoublement et les métamorphoses, particulièrement à travers la figure des « hétéronymes » du poète, ces « autres moi » littéraires qui incarnent la multiplicité de la personnalité.

La possibilité d’être « quelqu’un » se dessine dans la diversité de figures de style, rimées ou jonglées, pour réussir à articuler quelques rêves, quelques doutes et une farandole d’émotions.

Le dépouillement scénique et cette hybridation artistique nous touchent par son expérience hybride de réconciliation entre esprit et matière, mots et gestes, oubli et mémoire. Chaque geste prend la valeur d’un vers, chaque performance physique se fait miroir des vertiges intimes et universels. Cette traversée poétique et émotive, sans artifice et lourdeur, fait écho aux abîmes existentiels du poète.

Célimène et le Cardinal, recréation de Jacques Rampal et m.e.s. Frédérique Lazarini, de la soumission amoureuse et son rejet

Depuis sa création en 1992, « Célimène et le Cardinal« , la suite du Misanthrope 20 ans créée en alexandrins par Jacques Rampal (1944‑2015) reste à la fois un concentré de suspens passionnel, de confrontations brulantes, et d’aveux d’amour bouleversants et une chance pour un duo d’acteur.

Rouge couleur dominante

Amélie Gonin et Robert Plagnol incarnent Célimène et le Cardinal (Lucernaire) photo DR

La mise en scène de Frédérique Lazarini adopte un parti pris de dépouillement passionnel, centré sur la tension et la subtilité du face-à-face entre Célimène et Alceste. Sa scénographie dominée par le rouge, couleur évoquant à la fois la pourpre du cardinal et l’incandescence des sentiments, créant une atmosphère de huis clos ardent et feutré où se joue sans filtre l’affrontement.

Surtout, la force du duo Amélie Gonin et Robert Plagnol réside dans une interprétation exacerbée où chaque silence, chaque rupture et chaque variation de rythme révèle la complexité de l’amour déçu, de la passion révolue et des blessures secrètes.
Déterminée, Amélie Gonin impose une Célimène lumineuse, forte et indépendante, usant de la ruse et de l’élégance pour résister à la pression du cardinal, tandis que Robert Plagnol incarne un Alceste tourmenté poussant parfois trop les feux de sa voix. Il faut dire qu’il y a tempête autant sous le crane que sous la soutane, pris entre la fierté, le doute et le désir de rédemption.

Leur jeu respire la sincérité et la justesse

Loin du hiératisme, Lazarini favorise la spontanéité, l’émotion à fleur de peau et des éclats de comédie, renouvelant l’écoute et le partage du texte. L’audace littéraire d’avoir prolongé Molière est encore récompensée par la vigueur d’un véritable duel psychologique, et à une langue à la fois classique et incisive, au service d’une réflexion sur le pouvoir, la mémoire et le désir.

Place donc à une intensité émotionnelle quasi irrespirable, l’affrontement vif et nuancé entre deux âmes vieillies, tout en leur donnant une nouvelle profondeur liée à l’âge, au passé et à la désillusion.

Les voix qui se sont tues, de Laurence Bohec par Christophe Paris,

Depuis sa création en 2024, c’est une plongée incarnée au cœur de la libération de la France et de l’Europe que nous propose Laurence Bohec. C’est aussi un véritable défi de croquer une telle épopée en un one man show d’une heure ! Mais cet engagement mémoriel et humaniste est utile et particulièrement tonique.

Une fresque vibrante d’honneur et de courage.

Christophe Paris, Les Voix qui se sont tues Photo martin chang

De l’invasion de l’Europe à l’opération Overlord, jusqu’à la Libération de Paris, la réussite tient à l’incarnation de Christophe Paris de cinq personnages – un résistant, le Général de Gaulle, un parachutiste, le général Eisenhower et le général Rommel – et la fluidité de la mise en scène de Laurence Bohec. L’interprétation est soutenue par une création visuelle en motion design (peintures aquarelles de Pierre-Louis Chardon) et une bande-son originale (Fred Auger), qui enrichissent l’atmosphère et le poids émotionnel de la pièce.

Cet hommage aux héros oubliés et aux valeurs de liberté, d’égalité et de fraternité fait partie d’un triptyque pour faire travailler la mémoire comme un combat pour la paix, nous attendons avec impatience les deux autres volets.

La disparition de Josef Mengele, d’après Olivier Guez, adaptation et jeu de Mikaël Chirinian (La Pépinière Théâtre)

Prix Renaudot 2017, publié aux Editions Grasset, le roman-vrai d’ Olivier Guez est construit sur une enquête très fouillée retraçant la cavale de Josef Mengele en Amérique du Sud après la guerre, avec une narration qui mêle faits historiques, analyses psychologiques et métaphysiques.

Le tour de force de l’adaptation théâtrale en un seul-en-scène de Mikaël Chirinian est d’offrir une plongée sidérante dans les complicités qui ont permis que « l’ange noir d’Auschwitz » de ne jamais ni être pris, ni être jugé pour ses actes et de décéder après avoir tenté de se disculper de ses responsabilités en 1975 !

Jamais Mengele ne regrette ses actes. Au contraire, il ne cesse de se plaidre du manque de reconnaissance que ses travaux méritaient, et des conditions de sa fuite!

En confrontant ce noir destin directement au public, le jeu subtil de Mikaël Chirinian privilégie la force de la parole, la tension dramatique, et l’intensité psychologique d’un personnage pourtant indéfendable. Le spectacle se concentre davantage sur la fuite, l’errance, et le poids des silences, plus que sur le contexte historique détaillé.

La disparition de Josef Mengele, d’après Olivier Guez, adaptation et jeu de Mikaël Chirinian (La Pépinière Théâtre) photo Jean-Philippe Larribe

Le spectacle déploie une énergie immédiate, une consternation montante du spectateur, une émotion qui appelle à relire l’œuvre littéraire pour une réflexion plus longue et fouillée.

sans oublier les reprises ou prolongations qui se terminent bientôt

Gauguin-Van Gogh, de Cliff Paillé et David Haziot (Lucernaire) au coeur de l’atelier d’Arles

Bel ami, de Maupassant, par Claudie Russo-Pelosi (Lucernaire), l’ascension par les femmes

Hollywood brûle, de, par et avec Marie Reignier

Dans la banlieue de Los Angeles, dans les années 50 sous un été caniculaire, Bob Morisson tient depuis plus de 10 ans un garage. Les temps sont difficiles, les clients se détournent    pour des enseignes plus modernes, et cela malgré le soutien de ces deux employés, le mécanicien Marcus et la secrétaire Maggie. Mais les créanciers ne sont pas loin. Pendant ce temps, son fils, Jack, rêve d’Hollywood, de devenir acteur, de quitter ce garage et de briller sous les étoiles. Il décroche un casting, mais la réalité va le rattraper.

La pièce est écrite par Marie Régnier qui la met également en scène et joue le rôle de Maggie.

« D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours été attirée, fascinée, presque appelée par les États-Unis et leur histoire. Il y a dans ce pays grandiose une dualité saisissante : la démesure, les promesses infinies, mais aussi les fractures, les injustices. Ce contraste, en fait un décor idéal pour explorer les tensions, les misères, les rêves, les espoirs et les luttes qui façonnent l’expérience humaine. »
Marie Reignier, auteure, mise en scène et scénographie

Quelques touches de décor et les costumes nous plongent dans cette Amérique qui vit des changements profonds. L’autrice aborde plusieurs thèmes : les rapports parents-enfants, ce que ces derniers doivent aux premiers, entre le devoir et les rêves, pose la question du bonheur, savoir ou pas se satisfaire de ce qu’on a, de la difficulté à s’extraire de son milieu.  Hollywood brûle nous touche par son universalité et le jeu des comédiens, mention spéciale à Jérôme Godgrand dans le rôle du père dépassé par sa vie qui nous tire parfois des larmes.