De Juliette à Gréco, l’itinéraire d’une femme libre, chanté par Pascale Neuvic 

Pascale Neuvic rend un hommage très intime à Juliette Gréco.

Juliette à Gréco, l’itinéraire d’une femme libre, photo DR

A la fois autrice du texte et interprète, elle tresse récit biographique et incarnation scénique dans une continuité très fluide. Son jeu ne cherche pas l’imitation mais une vision de la muse de Saint‑Germain‑des‑Prés, nourrie d’une grande humilité, d’un parler vrai et d’une proximité sensible soulignant loin des stéréotypes, liberté et engagement.
Sa voix, soutenue par les arrangements épurés de François Marnier et les archives sonores, installe un climat intime, valorisé par la salle du Laurette Théâtre chacun à commencer par Singular’s, redécouvre une Gréco moderne, émouvante, sans emphase, dans un biopic musical d’une heure d’une remarquable tenue dramaturgique.

Lire plus par Patrice Gree

Cyrana, de et avec Juliette Wiatr (Manufacture des Abbesses) photo Toulga

Cyrana, de et avec Juliette Wiatr, panache au féminin et fesses en étendard

Sous la direction inattendue de Jean-Pierre Jeunet, avec Cyrana, Juliette Wiatr revisite Cyrano dans un seule-en-scène désinvolte, drôle et poignant, où le complexe glisse du nez aux fesses – dans un moment d’anthologie de poésie urbaine.

Entre stand-up et fable pop, Wiatr dynamite le panache classique et en fait un manifeste d’émancipation féministe doux-amer.

À la Manufacture des Abbesses jusqu’au 11 avril, sa performance électrique allie humour et lucidité, portée par une mise en scène millimétrée où la lumière, les voix off et l’imaginaire remplacent le décor mis à nu au sens propre et figuré.

Lire plus par Olivier Olgan

La Découvreuse oubliée, Marthe Gautier ou réparer le silence de l’Histoire

La Découvreuse oubliée, d’Élisabeth Bouchaud (La Reine Blanche) photo Pascal Gely

Après Lise Meitner, Jocelyn Bell, Rosalind Franklin, le quatrième volet des « Fabuleuses » d’Élisabeth Bouchaud s’inscrit dans un geste de réparation mémorielle qui dépasse le simple biopic pour interroger frontalement la mécanique patriarcale qui efface les femmes des récits scientifiques.

En faisant de la spoliation de la découverte de la trisomie 21 de Marthe Gautier, un cas d’école, surtout que son spoliateur à travers sa fondation continue à harceler sa reconnaissance, le spectacle montre comment l’histoire des sciences s’est écrite contre les découvreuses. Mais au-delà et pourquoi il devient urgent de réarmer symboliquement ces figures pour les générations qui viennent, en général, et de jeunes filles qui s’interdisent la carrière scientifique en particulier.

Lire plus par Olivier Olgan

Monsieur de Pourceaugnac, cible idéale d’un carnaval cruel

Monsieur de Pourceaugnac, de Moliere, mise en scène d’Adèle Gotkovsky photo DR

Souvent relégué au rang de farce mineure, largement méconnu par rapport aux oeuvres rebattus, Adèle Gotkovsky prend Monsieur de Pourceaugnac au sérieux. Grâce à sa troupe exaltée, la mise en scène en fait un laboratoire fertil et féroce des obsessions de Molière – mariage forcé, pouvoir de l’argent, comédie de la maladie, haine de l’étranger.

Tout Molière est là : un père qui brade sa fille pour grimper socialement, des médecins charlatans qui torturent au nom du savoir, une petite société qui s’acharne sur un provincial, bouc émissaire idéal, jusqu’à la quasi-déchéance mentale.

Adèle Gotkovsky embrasse cette cruauté en la poussant vers le baroque

Energie de tréteaux, rythme haletant, mais aussi musique klezmer et couleur bohème déplacent la farce vers un cabaret un peu ivre, où l’on danse sur la souffrance d’une victime expiatoire. Gotkovsky ne gomme pas la violence du texte, elle la rend visible, presque obscène, pour mieux faire grincer le rire.

Derrière la mécanique jubilatoire, on voit une communauté se souder contre l’étranger.

Monsieur de Pourceaugnac, de Moliere, mise en scène d’Adèle Gotkovsky photo DR

La troupe, portée par une folle énergie, très communicative, assume tous les masques : amoureux calculateurs au sourire angélique, père notable obsédé par son rang, médecins sadiques en blouse de carnaval, paysannes intrigantes et gardes grotesques qui incarnent tour à tour sexisme, classisme et xénophobie en roue libre.

Au centre, Pourceaugnac n’est plus seulement un comique limousin, mais la figure poignante de l’innocent broyé par la meute – notre propre besoin de victime expiatoire.

La guerre de Troie de Giraudoux sous alerte rouge par Edouard Dossetto

Et si La guerre de Troie n’aura pas lieu était pris au mot ! Placée dans un décor de salle des négociations d’une grande institution internationale, Edouard Dossetto en garde la mécanique brillante – disputes diplomatiques, joutes verbales, mauvaise foi des puissants – mais la fait résonner comme un compte à rebours nucléaire, accentuant la farce noire de Giraudoux.

Créée en 1935 au Théâtre de l’Athénée à Paris, Jean Giraudoux imagine les jours qui précèdent l’affrontement mythique entre Grecs et Troyens, relaté dans l’Iliade.

Edouard Dossetto donne toute son force actuelle à La guerre de Troie n’aura pas lieu,  Studio Hébertot photo DR

Les célèbres personnages de la pièce, Hector, Hélène, Ulysse ou encore Pâris, autres cessent d’être des figures de manuel pour devenir nos dirigeants d’aujourd’hui, pris dans le piège des “lignes rouges” qu’on brandit avant de les franchir. Ils usent de diplomatie, se confrontent, exposent leurs arguments pour tenter d’éviter cette issue fatale, la guerre. La webcam, la visio conférence, la table des négociations, la tablette dernier cri ou encore la présentation PowerPoint ramènent ce mythe antique dans un univers contemporain familier, comme si tout se jouait maintenant.

Le spectateur assiste à chaque tension politique, divergence de point de vue, doutes, menaces, hésitations… L’ego, l’orgueil, la volonté de pouvoir viennent nourrir ces débats enflammés, qui conduisent sans surprise à une guerre annoncée.

Finalement, la diplomatie même la plus habile ne parvient pas à éviter le conflit et demeure impuissante, face à des ambitions personnelles insatiables et à la marche inexorable de l’histoire.

En écho glaçant à notre situation géopolitique dramatique d’aujourd’hui, où la paix se joue sur des détails absurdes, des ego froissés, des récits trafiqués, la bataille n’est plus aux portes de Troie, mais dans nos rédactions, nos plateaux télé, nos réseaux sociaux – là où se fabrique la prochaine guerre “inévitable”.

Stéphanie Robert

Les Secrets de la Méduse, Antoine Guiraud et Geoffrey Callènes révèlent l’un des scandales maritimes du XIXe

Les Secrets de la Méduse, d’Antoine Guiraud et Geoffrey Callènes photo Emilien Fabrizio

« Tout le monde connaît le tableau, personne ne connaît l’histoire »… le sous-titre de ce seul-en-scène tient parfaitement sa promesse.
A la différence de la conférence artistique d’Anne Cangelosi (Comédie Bastille jusqu’au 27 juin 2026), les secrets du chef d’œuvre de Géricault y sont révélés de l’intérieur à travers l’édifiant témoignage de Pierre-Laurent Coste, l’un des rares survivants.

Geoffrey Callènes sur une mise en scène d’Antoine Guiraud incarne avec intensité tous les nombreux protagonistes du drame de La Méduse qui reste, à ce jour, l’un de plus grands scandales de l’histoire de la marine française.

Lire plus par Olivier Olgan

L’esprit des Lumières de Diderot, sans filtre scolaire, le rire en guise d’aiguillon de modernité

Diderot en plein cœur avec Charlotte Saliou et Aurélien Cavaud Théâtre des 3 photo DR

Avec son coté bouffon et décalé assumé, Aurélien Cavaud ne trahit pas l’esprit de Jacques le Fataliste, il en radicalise la liberté. Le spectacle conserve la colonne vertébrale dialoguée, le goût du paradoxe, le vertige du « tout est écrit là-haut » mais les condense en une comédie philosophique qui ne lâche jamais le présent, glissant de la fatalité à nos renoncements contemporains.

Son adaptation jette ses filets dans la vaste œuvre de Diderot, dans Jacques, l’Encyclopédie, les lettres, les Salons. Son montage de textes fait entendre un Diderot inquiet d’esclavage, de viol, de place des femmes, sans filtre scolaire.

Le geste politique majeur consiste à faire du Maître une Madame, maîtresse de Jacques.

Le renversement de genre n’est pas un gadget inclusif mais une manière de déplacer la domination, de regarder les Lumières à travers la bataille inachevée de l’égalité sexuelle et sociale.

La mise en scène de Fabrice Peineau, lui, opte pour un théâtre de tréteaux assumé : plateau nu, adresse frontale, rythme serré, circulation constante de la parole, comme si la pensée ne tenait debout qu’en mouvement.

Irrésistible dans son costume de chasse, Charlotte Saliou campe cette Madame à la fois figure d’autorité, éclaireuse et partenaire de jeu, passant de la noblesse à la confidente, de la pédagogue à la complice ironique. Aurélien Cavaud, aux accents de paysan fataliste plus vrai que nature, mêle gouaille populaire, naïveté drôle et vraie profondeur, traversant une galerie de silhouettes amoureuses et sociales qui donnent chair aux concepts.

Ensemble, ils transforment la philosophie de Diderot en corps-à-corps jubilatoire accessible à tous. Avec beaucoup de cet esprit qui n’a pas besoin d’ennuyer pour faire passer des valeurs saines

Mata Hari, une enquête classé sensible… avec vous comme espion

Avant même l’entrée au Vieux Carré, une fois remise sa nouvelle carte d’identité, et les conditions de son rôle dans l’enquête en cours, chacun bascule moins dans un vrai bar aux figures interlopes que dans un vrai nid d’espions, où la présence de Mata Hari qffole les autorités qui réouvre le dossier… à son nom.

Une fois votre role assigné auprés de l’un des quatres personnages le militaire russe en exil et amant, le chef des Renseignement,, le garcon de tables et la tenancière détenteurs de nombreux secrets,  a vous de comprendre le nid d’experts en doubles discours et d’en soutirer des informations, Mata Hari est-elle une agent travaillant pour la France ou un agent double ?

Chacun circule de table en table, de confession en déposition, pris dans une enquête d’espionnage où le mythe de la danseuse-espionne se fissure pour laisser apparaître les zones grises : scapegoat idéale, femme libre sacrifiée sur l’autel de la paranoïa guerrière, ou véritable manipulatrice à plusieurs visages ?

Chacun est associé à l’enquête du Chef espion dans La dernière danse de Mata Hari, de Tara Caillet Au Vieux Carré photo DR

Nous n’êtes ni témoin, ni juste consommateur au bar.

C’est à vous de vous prendre en mains et au jeu pour écouter, interroger, tranchre, se laisser séduire ou manipuler par les versions contradictoires qui lui sont servies. Chaque choix d’attention, chaque question modifie subtilement la hiérarchie des soupçons, comme si la culpabilité de Mata Hari dépendait moins des faits que du regard qu’on pose sur elle.

De fil en aiguille, le spectacle devient expérience politique : nous sommes en chambre d’accusation… juste pour démêler le vrai du romanesque.

En les confrontant, jusqu’au bout du suspens, et il y a beaucoup. le spectacle nous renvoie cette question brûlante : dans chaque procès médiatique d’aujourd’hui, de quel côté de la table sommes-nous assis ? Une immersion conviviale et bien menée réussie.

L’Antichambre, de Jean-Claude Brisville, la guerre des esprits dans le boudoir

L’antichambre, de Bisbille, mise en scène par Tristan Le Doz)

Après le Ranelagh, la reprise du brillant marivaudage écrit par Jean-Claude Brisville, au Gémeaux Parisiens est une chance de se frotter à l’esprit des Lumières. Dans L’Antichambre, on ne parle presque jamais d’amour mais exclusivement de pouvoir : celui des mots, des esprits, des salons. La marquise de Deffand tente de garder la main sur son royaume mondain, tandis que Mademoiselle de Lespinasse aiguise ses armes pour le lui ravir.
Le metteur en scène Tristan Le Doze orchestre ce duel feutré comme un combat de boxe en gants de dentelle, où chaque réplique sonne comme une estocade et où l’on voit, en direct, vaciller tout un art de vivre.

Le Barbier de Séville, critique des vieilles dominations au scalpel comique de Justine Vutaggio

Justine Vutaggio signe une mise en scène du Barbier de Séville à la fois libre et fidèle, où Beaumarchais retrouve toute sa vigueur subversive. Sans prétendre dépoussiérer le classique, elle en révèle la modernité brûlante.

Entre comedia dell’arte et music-hall, le spectacle devient une fête satirique, un manifeste du désir et du droit à la ruse. Figaro et Rosine y brandissent leurs insolences comme des armes contre les carcans sociaux et sexuels, rappelant pour Olivier Olgan que le rire, chez Beaumarchais, n’est pas un divertissement mais un combat.

Lire plus par Olivier Olgan