StreetArt Denfert x Expo des 150 : quand la fast fashion cède la place aux bombes aérosols

Quand les rideaux de fer de l’ancien Zara avenue du Général-Leclerc, abaissés depuis plus de 2 ans, se sont entrouverts début octobre, Sylvie Arzelier a été intriguée. Puis conquise quand StreetArt Denfert x Expo des 150 transforme trois étages de fast fashion en terrain d’expression collective.
Fresques, rencontres, œuvres accessibles : le street art y gagne des visages, des noms et de nouveaux regards jusqu’au 25 octobre 2026. Et chacun en se frottant à cet art en action peut aussi en acquérir selon ses coups de cœur.

Charlotte Barrault transforme la galerie Larock-Granoff du quai Conti en Quai aux Fleurs

Ellsworth Kelly, l’abstraction au fil de l’eau (Fondation Maeght)

« Je n’invente pas », disait Kelly. Le commissaire Éric de Chassey le prend au mot : reflets sur la Seine, Belle-Île, Sanary, étangs de Giverny, Coenties Slip, Saint-Martin… Plus d’une centaine d’œuvres montrent que ses célèbres aplats naissent d’une eau à la fois immobile et sans cesse mouvante.

« Dans mes peintures, je n’invente pas ; mes idées proviennent d’une investigation constante de l’apparence des choses. »
Ellsworth Kelly, 1991

On découvre des collages sur cartes postales, des dessins d’observation et des photographies jamais exposées. Le Blue Floor Panel for Leo, hommage aux Nymphéas, est reconstruit pour l’occasion. Un régal qui pulvérise la vieille querelle entre abstraction et figuration, chez ces Maeght qui furent ses amis dès 1948.

Ellsworth Kelly, Long Bay Beach (study for White and Dark Gray Panels I) 1977, collage de cartes postales, 9,8 x 14,9 cm, Jack Shear. © Ellsworth Kelly Foundation

Ernest Pignon-Ernest, l’art qui fait parler les murs (musée Ziem, Martigues)

« Ce fou d’art et de culture fait un travail d’historien dans les villes où il intervient. Il en connait par cœur les sites avant de commencer son travail et en a au préalable déterminé les emplacements d’interventions. » écrit Marc Pottier pour croquer un travail qui « se regarde comme des traces sur la paroi des cavernes millénaires. »

Depuis 1966 et la silhouette d’Hiroshima pochée sur les murs et les rochers du plateau d’Albion, Ernest Pignon-Ernest fait des rues du monde ses cimaises éphémères. Deux cents œuvres, dont certaines inédites, retracent soixante ans d’engagement, de la Commune de Paris à Soweto et Haïti, avec Rimbaud, Pasolini ou Darwich pour compagnons de route.

Une œuvre qui fait peau avec la mémoire des lieux

Martigues joue ici à domicile : un pan de mur du musée garde ses dessins de 1982, tandis que diapositives, archives et témoignages d’habitants ressuscitent Prométhée, la Martégale et la genèse des Aborigènes. Promu commissaire, l’artiste choisit en prime une cinquantaine de dessins du fonds, carnets de Ziem compris. Une leçon de mémoire vive, en entrée libre.

Ernest Pignon-Ernest, Nice Le Cap Crédit Ernest Pignon-Ernest Galerie Lelong Musée Ziem

Sarah Bernhardt, la Divine aux mille vies (Palais des Lumières, Evian)

Comédienne, sculptrice, décoratrice, peintre, globe-trotteuse : la « Divine » (1844-1923) fut, selon le commissaire Pierre-André Hélène, « la première rockstar mondiale et la première influenceuse de la planète ». Près de 300 pièces, réunies en vingt ans de passion, le démontrent avec panache, de ses débuts au Conservatoire jusqu’au cortège funèbre de 1923.

« Combien de femmes de nos jours encore rêvent de ce tour de force ? Première star planétaire, Sarah Bernhardt maîtrise de façon innée une médiatisation encore balbutiante, mais terriblement efficace déjà. Elle possède le sens du public, sait ce qu’il convient de dire, de faire et surtout de faire savoir pour plaire, séduire, réussir, et triompher, de tous et partout. En témoigne, si besoin est, son amputation en 1915 qui ajoute encore à sa légende. »
Pierre-André Hélène, historien d’art et écrivain

Bijoux de scène taillés comme de la haute joaillerie, Chimère en bronze de sa main, salon « sarahbernhardesque » reconstitué, robes cousues par Ollivier Henry, mélodies de Reynaldo Hahn, serrure de sa loge et jusqu’à une lithographie de Warhol : on ressort conquis par cette femme qui fut, bien avant les réseaux, l’architecte de sa propre légende.

Sarah Bernhardt. dans L’Étrangère, 1876 – Cléopâtre, 1890 – lithographie, William Nicholson, 1897 (Palais des Lumières, Evian)

Éclipse : quand le crayon rattrape la lumière (Drawing Labs)

Talbot voyait dans la photographie un « crayon loyal ». Deux siècles plus tard, Anne Favier réunit dix artistes qui redessinent l’instantané jusqu’au trouble, trait pour trait, grain pour grain. Le parcours s’organise autour d’une pièce historique de Jean Olivier Hucleux, des archives brûlantes d’Éric Manigaud ou des absences de Mireille Blanc.

Pourquoi « perdre » tant de temps à redessiner une photo ?

« Les dessinateurs mettent en retrait leur geste lorsqu’ils fouillent, transposent et développent longuement la photographie instantanée. Ces dessins d’après photographie suscitent des doutes visuels quant à leur nature. Le cliché photographique (tiré de la publicité de Kodak, de l’album photo vernaculaire, du studio, de l’imagerie scientifique ou du document historique) est aussi envisagé comme une surface pleine d’indices à explorer par le dessin. »
Anne Favier, commissaire

Floutages de Léa Belooussovitch, photogrammes incandescents de Nicolas Daubanes, installation de Jérémie Setton révélée par le corps du visiteur, œuvres photosensibles de Pascal Navarro qui apparaissent peu à peu : en trois axes, le dessin devient lui-même photographique. Une éclipse lumineuse, en entrée libre.

Éric Manigaud, Prêtresse isiaque #1, mars 2014, Courtoisie de l’artiste – Eclipse Le dessin à travers la photographie (Drawing Lab)

Corée : la bibliothèque qui n’existait pas (Musée Guimet)

À la fin du XVIIIe siècle, le roi Jeongjo, qui se reproche de ne pas lire assez, commande à ses peintres des paravents peuplés de livres, pinceaux, bronzes et porcelaines. Les artistes rechignent, puis s’inclinent. Non pas memento mori, mais memento legere, « souviens-toi de lire », résume William Marx dans le catalogue.

Nourri de la perspective jésuite découverte à Pékin, le chaekgeori gagne ensuite les demeures bourgeoises ; chez Yi Eungrok, le sceau se cache à l’envers sur le neuvième panneau. Les prêts de Séoul rendent enfin au genre sa place de grand mouvement pictural.

Un délice d’illusion, et une question piquante à l’ère des écrans et l’IA : que représente encore une bibliothèque ?

Paravent à dix panneaux représentant une bibliothèque Corée, époque du Joseon, xixe-xxe siècle, photo Séoul, musée national du Palais de Corée, Changdeok 6501

Andy Warhol, le crayon démasque la machine (Musée du Luxembourg)

L’homme qui voulait être « une machine » n’a jamais cessé de dessiner. À l’approche du centenaire de sa naissance, le musée du Luxembourg relève le pari « téméraire » de suivre la « ligne Warhol ». C’est un trait serpentin ou brisé, mais aussi un programme obstiné, des Dance Diagrams de 1962 au Roll of Bills cerclé de son fil rouge.

La « ligne Warhol » : entendre aussi bien la ligne du dessin au sens propre, ligne parfois serpentine, parfois brisée, que le projet, le programme qu’il s’est fixé, sa ligne directrice, suivie avec une obstination et une finesse par lesquelles son œuvre s’est durablement inscrite sur notre horizon.

Alain Cueff, La ligne et l’horizon

La blotted line des années 1950, décalque qui efface le geste tout en signant un style, annonce déjà la sérigraphie. Des dizaines de feuilles, classées par thèmes plutôt que par dates, le prouvent. Calligraphie de sa mère Julia Warhola, fleurs, visages et masques, erotica, autoportraits sous perruque : un Warhol plus intime, plus fragile, et franchement réjouissant pour qui croyait tout savoir de lui.

Andy Warhol. Free Dollar Bill, 1962. La ligne et l’image (Musée du Luxembourg) photo OOlgan

Adrien Vescovi, des draps pour faire rêver la pierre (Centre de la Vieille Charité, Marseille)

« Ce saisisseur de temps pour Marc Pottier capte les traces d’une nature en action dans des installations de toiles monumentales. Adrien Vescovi laisse le jeu libre à de grands textiles variés qu’il teinte pour les laisser dialoguer avec les architectures intérieures et extérieures des lieux où il expose. 

Le natif de Marseille habille la chapelle baroque de la Vieille Charité et les trois niveaux de coursives de Pierre Puget de draps anciens, teints dans des marmites de 400 litres.

Couleur contre pierre, légèreté contre masse, mouvement contre architecture immobile.

Monogrammes brodés, souvenirs de mariages, de deuils et de sommeils, ocres minérales : l’ancien hospice retrouve son linge.  « L’infusion du temps est la matière de mon travail » souligne l’artiste qui parle de « jus de paysages » à propos des textiles qui portent la mémoire des lieux et du temps auxquels ils ont été soumis. Le soleil, qui décolore, devient coauteur, tandis que le vent fait danser les drapés.

« Le temps va laisser ses traces », promet l’artiste. Une œuvre vivante et gratuite, à revoir à chaque saison.

Trop mignon ! La tendresse contre le fracas du monde (Louvre-Lens)

Pourquoi les œuvres nous font-elles du bien ? Doudou contre fracas du monde : du « schéma enfant » des neurosciences aux peluches thérapeutiques, près de 300 œuvres célèbrent un attendrissement compensateur qui console. Mais Annabelle Ténèze et Émilie Girard, les deux commissaires retournent la peluche : « mignon totalitaire » des régimes autoritaires posant avec enfants et animaux, jouets de guerre, rose détourné par ACT UP en arme militante.

La tendresse désarme ; elle peut aussi tromper, ou résister.

Là où le Kunsthal de Rotterdam, avec « Cute » en 2025, disséquait la « pink globalisation » du kawaii, Hello Kitty et l’économie de l’attention, le Louvre-Lens ajoute ce qui manquait : le temps long. Putti de Poussin, doux-amer de Chardin, rose devenu couleur à la cour de Versailles : le mignon n’est ni universel ni né avec Sanrio.
Une généalogie savante, que Strasbourg poursuivra en 2027. On est tous fou de mignon.

Égypte, Figurine d’hippopotame, 2045-1680 avant Jésus-Christ (Moyen Empire) & Martin Claude Monot, Enfant jouant avec son pied, 1779 © Paris, musée du Louvre – Philipe Katerine, Mr Rose – selfie, 2022 © DR dans Trop mignon !, L’art du bonheur (Louvre-Lens)

Le Neon Club d’Amélie Bertrand : la fête picturale d’un paradis numérique