Quel est le propos de « Clair-obscur » ? Dans le texte de présentation de l’exposition, vous citez Giorgio Agamben,  le contemporain « est celui qui est en mesure d’écrire en trempant sa plume dans les ténèbres du présent »

Emma Lavigne – Notre époque est assombrie par des conflits faisant ressurgir la mémoire traumatique du 20^ème siècle. L’exposition s’interroge sur la manière dont les artistes de la Collection ont pensé la question de la lumière d’un point de vue plastique, pictural, ou métaphysique face à cet état du monde.

Les œuvres d’Yves Tanguy, créées après la Première Guerre mondiale, dialoguent ainsi avec celles de Jean Dubuffet, d’Alberto Giacometti, de Germaine Richier, qui ont travaillé, eux, après la Seconde Guerre mondiale, ou encore avec celles d’Alina Szapocznikow qui porte en elle le traumatisme des camps de concentration et de la maladie. Son philosophe unijambiste, Filozof, entre en résonance avec la citation de Giorgio Agamben.

Je pense aussi à ce petit dessin extraordinaire de Jean Dubuffet, Tentative d’être. Le titre est un bon résumé de cette approche : comment créer à partir de la fragilité.

Par ailleurs, le clair-obscur est très présent chez certains grands artistes d’art contemporain actuels. Nous avons donc choisi de montrer les œuvres qui en témoignent. Non seulement dans le champ de la peinture, je pense en premier lieu à Victor Man dont le travail flotte entre des temporalités différentes dans un continuum émotionnel embrassant toute l’histoire de l’art et de la peinture depuis Caravage, mais aussi dans le champ cinématographique.
Le film de Philippe Parreno, La Quinta del Sordo, et celui de Pierre Huyghe, Camata, sont des œuvres quasiment picturales.

Emma Lavigne présentant Camata de Pierre Huyghe (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

Comment résumeriez-vous l’état d’esprit des artistes ?

Dans un contexte où l’image peut être reproduite à l’infini ou trafiquée par l’IA, tous partagent cette interrogation sur la force de résistance qu’elle peut avoir.

L’ombre, dans cette optique, n’est pas quelque chose de sombre mais le lieu d’un mystère, d’une invention.

L’artiste ouzbéke Saodat Ismailova à qui j’ai proposé d’investir le niveau inférieur de la Bourse de Commerce, m’a confié que les artistes de son pays considéraient les endroits souterrains, qui sont comme la peau première de l’Ouzbékistan, comme des zones secrètes, porteuses d’une mémoire enfouie. Son film, Melted into the sun, résonne à cet égard avec Axial Age de Sigmar Polke, chef-d’œuvre absolu, dans lequel l’artiste interroge le moment de spiritualité qui a eu lieu entre -800 et -200 avant notre ère.

L’obscurité du monde n’est pas prise au premier degré. Elle nous invite à venir réfléchir à d’autres formes de rayonnement.

Sigmar Polke, Axial Age (2005–2007) détail (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

Avec le clair-obscur, les artistes en vérité s’emparent-ils d’une totalité ?

Absolument. Les forces métaphysiques ressortent puissamment dans de nombreuses œuvres de la Collection. Je reviens à Polke. Dans Axial Age, la peinture devient un polyptique, un retable, un espace où cette porosité entre l’intérieur et l’extérieur, la lumière et l’obscurité, le visible et l’invisible, le passé et le présent cohabitent.

Le clair-obscur nous invite à accepter cette coexistence consubstantielle de l’ombre et de la lumière.

Philippe Parreno, qui utilise les nouveaux médiums, vient filmer en endoscopie au Prado les peintures de La Quinta del Sordo que Goya a peint chez lui à la fin de sa vie, en pleine inquisition, cette sorte de chapelle Sixtine laïque où ce ne sont plus les dieux mais la monstruosité du monde qui est montrée. Philippe Parreno vient recréer la maison de Goya. Il réfléchit à l’emplacement de la fenêtre qui donnait sur la rue, à celui de l’âtre…on plonge avec lui dans la grotte de Goya, mais on plonge tout autant dans la grotte de Saodat Ismailova, dans celle de Victor Man, de Jean Dubuffet… Il y a ce va-et-vient permanent entre un espace replié, mental, et ce continuum infini d’héritages ou de paysages.

Philippe Parreno, La Quinta del Sordo, 2021, extrait (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

Avec à l’arrière-plan une réflexion sur les lumières du progrès, dont Camata de Pierre Huyghe témoigne en particulier brillamment.

Parlez-nous de cette œuvre présentée en majesté au cœur du musée ?

Camata n’est pas un film, c’est un rituel métaphysique.

Dans le désert d’Atacama au Chili où des grands observatoires internationaux s’installent pour savoir si d’autres formes de vie peuvent exister sur des exo-planètes, git un squelette qui n’a pas été inhumé. Il est comme un repère ultime, la dernière trace de l’humanité, entre le sol et le ciel. Des bras robotiques s’animent autour de lui. Avec le peu de ce qui reste de ces traces de sacré, ces bras robotiques viennent remettre ce squelette dans un ordre symbolique. En vérité, c’est un geste archaïque. Que l’on songe aux amulettes, toutes les civilisations anciennes possèdent une dimension chtonienne qui remet le corps dans la profondeur de la terre. On revient à Axial Age, aux premières civilisations.

Les lumières ne sont pas factices. Les artistes viennent les chercher en profondeur.

Pierre Huyghe, Camata (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

On trouve très peu de lumière artificielle dans Clair-obscur

Absolument, avec la scénographe Laurence Fontaine, nous avons essayé au maximum de laisser les œuvres dans une relative pénombre, sans sur-jouer la théâtralité. Elles irradient de leur propre présence. J’ai beaucoup pensé pour cette exposition à la maison-atelier œuvre d’art totale de Carol Rama à Turin. Elle vivait avec les rideaux fermés. Elle souhaitait que ses œuvres partent de l’obscurité, comme si celle-ci était la seule à même de permettre l’émergence de ses visions et de ses obsessions.

vue de Clair-Obscur scénographié par Laurence Fontaine(Collection Pinault) photo OOlgan

Cette émergence dans l’obscurité fait aussi penser à Byars is elephant de James Lee Byars

Le rideau doré de Byars is elephant symbolise le continuum entre le monde terrestre et le monde céleste. Le doré, synonyme de transcendance, fait référence à l’or des Pharaons. Au milieu, le nœud en poil de chameau, animal présent dans le bestiaire de l’Egypte, ramène au prosaïque, à la conscience du temps.

James Lee Bryars, Byars is Elephant (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

Les artistes de l’exposition partagent cette conscience d’une forme d’étirement.

Je pense aussi aux œuvres de Robert Gober, notamment à la porte fermée, mystérieuse, où l’empilement du temps est palpable dans Door with Lightbulb. Ces œuvres font référence à la finitude. Le travail de Robert Gober s’est inscrit dans le contexte de l’épidémie dramatique du sida qui a décimé toute sa communauté dans les années 1990. Elles sont empreintes de la conscience que c’est dans la mutation du corps qu’il est possible de résister. On le retrouve chez Robert Gober, mais aussi chez Danh Võ, chez Alina Szapocznikow. On aurait tort de voir dans ses œuvres des sculptures sexuelles.

La représentation du sexe est avant tout celle de l’espèce humaine, hybridée avec les pistils de fleurs. Elles sont d’une grande vitalité.

Les œuvres, ici les sculptures en l’occurrence, irradient de leur propre présence disiez-vous ?

Germaine Richier, Le Couple, 1956 (Clair-Obscur, (Collection Pinault) photo OOlgan

Chez les trois artistes que j’évoquais à l’instant, mais aussi chez Laura Laniel, qui dit se servir de la lumière et des néons comme si elle peignait, des processus de lumières sont intégrés dans les sculptures elles-mêmes. C’est passionnant.
Autre exemple, les sculptures en bronze de Germaine Richier. Avec ce métal, la patine vient souvent tout unifier pour que la lumière vienne jouer sur la patine.
Or, ce qui est bouleversant chez Germaine Richier, c’est qu’elle vient donner une forme à la fragilité, à la béance, aux blessures, dans le corps même des petites cavernes qu’elle crée.

Comment avez-vous travaillé sur cette exposition ?

En tant que commissaire générale de « Clair-obscur », je me suis emparée de l’ensemble de l’exposition. Jean-Marie Gallais, grand connaisseur de l’œuvre de Victor Mar, a curaté la partie qui lui est dédiée. Celle-ci est indépendante tout en faisant partie d’un tout, comme je le souhaitais.
Cela faisait plusieurs années que je rêvais de célébrer l’œuvre de Laura Lamiel. Pour « ça fait un bruit d’ailes, de feuilles, de sable » présenté dans les 24 vitrines du passage, la promenade circulaire de la Bourse de Commerce, j’ai confié à Alexandra Bordes le soin de travailler avec elle. Le résultat est magnifique.

Pour chaque exposition, la Collection est mon moteur. Je travaille main dans la main avec François Pinault. Nous ne cessons d’échanger sur ce que nous pouvons faire à partir des œuvres de sa collection.

Nous allons de plus en plus vers des expositions « états d’âmes », c’est ainsi que je les nomme, des expositions qui prennent le pouls du monde mais qui sont aussi le reflet de l’état d’âme du collectionneur.

Dans « Clair-obscur », il y a quelques œuvres d’art moderne. Le dialogue par exemple entre Mind’s Eye, la chimère de Pierre Huyghe, et les germinations de nouvelles formes dans les paysages à marée basse en Bretagne d’Yves Tanguy est passionnant.

Pierre Huyghe, Mind’s Eye, 2021 sous fond d’Yves Tanguy (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

Est-ce réel ou imaginaire ? Qui peut répondre à cette question ? Les artistes nous invitent à penser notre monde, notre façon d’être au monde, à aimer les brouillards, Le brouillard noir pour reprendre le titre de l’œuvre de Germaine Richier.

C’est justement un brouillard qui succédera en juin à l’œuvre de Pierre Huyghe dans la Rotonde

Ce qui est fascinant dans la Rotonde, c’est qu’il s’agit d’une architecture très mouvante. Son architecte Tadao Andō ne cherche pas la centralité du corps humain au milieu de l’espace. C’est très dynamique, comme une promenade entre le sol et le ciel.
A partir du mois de juin, Fujiko Nagaya, immense artiste japonaise, viendra faire flotter un nuage dans la Rotonde, une de ses « sculptures de brouillard » – Fog Sculptures – dont elle a le secret. Elles apparaissent et disparaissent, elles sont entre le visible et l’invisible, la lumière et l’obscurité, entre ce que l’on voit et ce que l’on imagine. Nous sommes impatients de voir le résultat.

Fujiko Nakaya, Fog Sculptures, Cloud #07150 à venir photo Collection Pinault

En quoi l’exemple de Victor Man, dont les œuvres ont été patiemment acquises au fil du temps avant d’être montrées aujourd’hui, sont-elles emblématiques du collectionneur qu’est François Pinault ?

Victor Man, Umbra Vitae, 2024-2025 (Clair-Obscur, Collection Pinault) photo OOlgan

François Pinault est un passionné. Posséder un échantillon de l’histoire de l’art ne l’intéresse pas. Quand un artiste le touche, il établit une relation sur la durée avec lui, rentre en profondeur dans son monde et sa psyché.
L’exemple de Victor Man est en effet significatif. Il aurait été possible de le programmer plus tôt mais nous avons préféré attendre d’avoir réuni un corpus d’œuvres significatif avant de le présenter.

Pour garder la métaphore de la lumière, je dirais que François Pinault est animé d’un feu sacré. J’ai rejoint la Collection Pinault pour travailler avec lui.
L’histoire de l’art est aussi faite de récits privés.

Auteur de l'article

Anne-Sophie Barreau

contributor

romancière et passionné de design éthique.

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